JDC

PROYECTO ARTIUM

DICCIONARIO BIOGRÁFICO DE
ARTISTAS: 153 AUTORES.

NAVEGACIÓN:

• Localizar en el índice el artista deseado y pulsar

sobre su nombre. Un hipervínculo le dirigirá
directamente a su biografía.
• Al final de la biografía de cada artista uno o más
enlaces le dirigirán a páginas web en las que podrá
ampliar información sobre el autor.
• Retorne al índice pulsando “INICIO”.
JDC

1
 DICCIONARIO BIOGRÁFICO DE ARTISTAS: 153 AUTORES

ARQUITECTOS ESCULTORES PINTORES OTROS

INICIO

A DESPUIG, RAMÓN KANDINSKY, VASILI

DONATELLO KIRCHNER, ERNST LUDWIG
ALBERTI, LEÓN BATISTA
DUCHAMP, MARCEL
AHMAD_BEN_BASO
ALBERTO, FRAY L
ALI_AL_GOMARI E LACER, CAYO JULIO
ANGELICO, FRA. EIFFEL, GUSTAVE LE_BRUN,CHARLES
APARICI, FEDERICO ENRIQUE, MAESTRO LE_NOTRE, ANDRE
APOLODORO DE DAMASCO ESCOPAS LEONARDO DA VINCI
ARCHIPENKO, ALEXANDER ESTEBAN, MAESTRO LE_BARON JENNEY, W.
ARTEMIO DE TRALLES LE_CORBUSIER
LE_VAU, LOUIS
F
B LISIPO
FERNANDEZ, GREGORIO
LOUP, JEAN LE
BARRY,CHARLES FIDIAS
BERNINI, GIAN LORENZO FIGUEROA, LEONARDO DE
BERRUGUETE, ALONSO FRIEDRICH, CASPAR D. M
BOFILL,GUILLERM MACHUCA, PEDRO
BON, BARTOLOMEO MAGRITTE, RENE
G
BORROMINI, FRANCESCO MANSART, JULES H.
GARGALLO, PABLO
BORT, JAIME MARC,FRANZ
GAUCHER DE REIMS
BOSCH, H. CEL BOSCOE MARTIN, MAESTRO
GAUDI, ANTONIO
BOTICELLI, SANDRO MARTINEZ MONTANES, J
GAUGUIN, PAUL
BRAMANTE, DONATO MARTINI, SIMONE
GHIBERTI, LORENZO
BREUER, MARCEL MASACCIO
GILESBERTO
BRUNELLESCHI, FILIPO MATEO, MAESTRO
GIOTTO DI BONDONE
MATISSE, HENRY
GÓMEZ DE MORA, JUAN
C MESA, JUAN DE
GONZALEZ, JULIO
MIES_VAN_DER_ROHE; L.
CALDER, ALEXANDER GOYA, FRANCISCO DE
MIGUEL_ANGEL
CALICRATES GRECO, EL
MILLET, JEAN FRANCOIS
CANO, ALONSO GROPIUS, WALTER
MIRÓ, JOAN
CANOVA, ANTONIO
MIRÓN
CARAVAGGIO
H MNESIKLES
CARLIN, MAESE
HAUSSMANN, GEORGE E. MONET,CLAUDE
CARRACI, ANIBALE
HERRERA, JUAN DE MONTAGUT, BRENGUER
CASAS NOVOA, FERNANDO
HORTA, VICTOR MUNCH, EDVARD
CEZANNE, PAUL
HURTADO IZQUIERDO, FCO. MURILLO, BARTOLOME E.
CHAFAR
CHALGRIN, JEAN F. T.
CHURRIGUERA, ALBERTO I N
COMPTE, PERE ICTINOS NARBONA, ENRIQUE DE
CORMONT, TOMAS DE IMHOTEP NASH, JOHN
COURBET, GUSTAVE ISIDORO DE MILETO
O
D J ORBAIS, JEAN DE
DALI, SALVADOR JOHNS, JASPER
DANCART, PYETER JUNI, JUAN DE
JULIANO ARGENTARIO
P
DAVID, JACQUES LUIS
PALLADIO, ANDREA
DEGAS, EDGAR
PEREZ, JUAN
DELACROIX,EUGENE K PETRI, PETRUS

2
PICASSO, PABLO RUIZ S V
PIERO DELLA FRANCESCA
SACOMA, PERE VANDELVIRA, ANDRES DE
POLICLETO
SALZILLO, FRANCISCO VAN_DER_WEIDEN, ROGIER
POLICLETO_EL_JOVEN
SENMUT VAN_EICK, JAN
POLLOCK, JACKSON
SEURAT, GEORGE VAN_GOGH, VICENT
PRAXITELES
SIGNAC, PAUL VELAZQUEZ, DIEGO DE
SILOE, DIEGO DE SILVA
R SOISSON, BERNARD DE VERMEER, JOHANES
RAFAEL SANZIO SULLIVAN, LOUIS H. VILLANUEVA, JUAN DE
REMBRANDT, H. VAN RIJN SUNAIF
RENOIR, PIERRE A. W
RIANO, DIEGO DE T WRIGHT, FRANK LLOYD
RIBERA,_JOSE_DE
TEODOTOS
RIBERA_PEDRO_DE
TIZIANO VECELLIO
RIETVELD, GERRIT Z
TOLEDO, JUAN BAUTISTA
RODIN, AUGUSTE ZURBARAN, FRANCISCO DE
TOULOUSE_LAUTREC, HENRI
ROTHKO, MARK
TURNER, JOSEPH M. W.
RUBENS, PEDRO PABLO
TUTMES
RUIZ, DIEGO

ARQUITECTOS ESCULTORES PINTORES OTROS

AHMAD BEN BASO (Arquitecto. Segunda mitad del siglo XII). De probable origen
andalusí, aparece en las fuentes como "jefe de los que edificaban en Al-Andalus" e
"inspector de los constructores”. Sus primeras intervenciones arquitectónicas son
obras de reparación en Gibraltar y Córdoba.
En 1.171 Abú Yaqub Yusuf, el califa almohade le ordenó construir los palacios de la
Buhayra, en Sevilla. Unos años después, fue encargado de dirigir la construcción de la
nueva mezquita aljama de Sevilla, incluida la torre que más tarde será conocida como
La Giralda, que diseñó sin escaleras, colocándose en su lugar rampas. Debió fallecer
hacia 1.189, ya que en esa fecha las obras de la mezquita estaban ya dirigidas por Ali
al Gomarí.
http://www.arquired.es/users/giralda/MH/MH1%20vitrubio/100.al%20zaguan.htm
INICIO

ALBERTI, LEON BATTISTA. (Arquitecto. 1.404-1.472): Arquitecto, teórico del arte y

escritor italiano. Alberti fue, con Leonardo, una de las figuras más representativas del
Renacimiento, ya que reunió en su persona todos los conocimientos y habilidades de
la época: erudito, humanista, escritor, arquitecto, escultor, pintor y cortesano. Se educó
en Padua y Bolonia, antes de trasladarse a Roma en 1432 para
desempeñar un cargo en la corte pontificia. En 1.434 regresó a
Florencia, donde trabó amistad con los grandes artistas del
momento, de Brunelleschi, Donatello y Masaccio. A
Brunelleschi dedicó su tratado Della pintura (1.436), en el que
se describen por primera vez las leyes de la perspectiva. En
Florencia, Alberti trabajó como arquitecto, con obras como el
palacio Rucellai, basado en la exactitud geométrica de las
proporciones y la superposición de los órdenes clásicos,
creando un modelo muy imitado de palacio renacentista.
También realizó la fachada de la iglesia gótica de Santa Maria
Novella, en la que unió el taraceado de mármoles y las figuras
geométricas. Posteriormente, en Rímini construyó el Templo
Malatestiano, y las iglesias de San Sebastián y San Andrés. Estas obras, se

3
convirtieron, junto con las de Brunelleschi, en los grandes modelos del arte
constructivo renacentista.
http://easyweb.easynet.co.uk/giorgio.vasari/albert/alberti.htm INICIO

ALBERTO DE LA MADRE DE DIOS, FRAY. (Arquitecto): Miembro de la orden

carmelita, llevó a cabo diversas realizaciones en Pastrana (Guadalajara) y dirigió las
obras de edificación de diversos conventos de la orden, entre ellos, el de la
Encarnación en Madrid.
http://www.arsvirtual.com/monum/arch_encarnacion/ciudad.htm INICIO

ALÍ AL GOMARÍ. (Arquitecto. Segunda mitad del siglo XII): Sustituyó a Ahmed ben
Basso en la dirección de las obras de la mezquita aljama de Sevilla, así como las de la
Giralda.
http://www.arquired.es/users/giralda/MH/MH1%20vitrubio/100.al%20zaguan.htm
INICIO

ANGÉLICO, FRA. (Guidolino di Pietro. Pintor. 1.395-Roma-1.455): Pintor italiano.

Se orientó hacia un arte expresivo, instalado en el espacio y bañado por la luz, que no
atenúa en absoluto la solidez de la composición y la firmeza de los volúmenes. Todas
estas cualidades aparecen en sus obras fundamentales: Descendimiento,
Lamentación sobre el cuerpo de Cristo, Coronación de la Virgen, la serie de pinturas
realizadas para las celdas del convento de San Marcos de Florencia y La Anunciación
del Museo del Prado. Las virtudes espirituales del pintor armonizan con la frescura y la
delicadeza de sus coloridos y la elegancia del dibujo.
http://www.artchive.com/artchive/ftptoc/fra_angelico_ext.html INICIO

APARICI, FEDERICO. (Arquitecto. 1.832-1.917): Cursó sus estudios en Madrid y

ocupó con posterioridad diversos cargos oficiales y docentes, entre ellos el de profesor
y director de la Escuela de Arquitectura. Claro exponente teórico de las novedades
técnicas de su época, se mantuvo en la práctica en un frío estilo neorrománico, cuyo
ejemplo más representativo es la colegiata de Covadonga (Asturias).
http://www.vivirasturias.com/asturias/turismo-rural/1117/2539/0/basilica-de-santa-
maria-la-real-de-covadonga/index.html INICIO

APOLODORO DE DAMASCO. (Arquitecto. S. II d.C.) : De origen griego, trabajó en

Roma como arquitecto oficial del emperador Trajano, bajo cuyo mandato construyó
obras militares y civiles (foro Trajano). Edificó también la basílica Ulpiana, así como
diversos arcos en homenaje al emperador. Su obra muestra claramente la simbiosis
entre la tradición helénica y oriental y la arquitectura romana.
http://www.stoa.org/trajan/ INICIO

ARCHIPENKO, ALEXANDER. (Escultor. 1.887-1.964): Norteamericano de origen

ucraniano. Fue alumno en 1908 de la Escuela de Bellas Artes
de París. Intuyendo las posibilidades que ofrecía la aplicación a
las artes plásticas de la nueva técnica pictórica (el cubismo),
introdujo en su obra la abstracción y las puras formas
geométricas. En 1912 celebró su primera exposición. En 1923
emigró a Estados Unidos. Célebre por el empleo que hizo de
materiales nuevos, como el plástico, combinó diversos
materiales en la misma obra, utilizó indistintamente superficies
convexas y cóncavas para modelar espacios y trató de
reconciliar la expresión estética con el espíritu del maquinismo.
http://www.artcyclopedia.com/artists/archipenko_alexander.html INICIO

ARTEMIO DE TRALLES. (Arquitecto. S. VI): Bizantino, junto con Isidoro de Mileto,

construyó la basílica de Santa Sofía de Constantinopla (537).
http://www.islamicarchitecture.org/architecture/hagia.sophia.mosque.html
INICIO

4
 BARRY, CHARLES. (Arquitecto. 1.795-1.860): Aunque de origen
británico, estuvo en su origen Influenciado por los italianos,
decantándose con posterioridad hacia el estilo neogótico. Llevó a
cabo la construcción del edificio del Parlamento inglés en Londres,
aunque efectuó también numerosas obras en la misma ciudad y en
otras localidades del sur de Inglaterra
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=13 INICIO

BERNINI, GIAN LORENZO. (Escultor, arquitecto y pintor. 1598-1680): Bernini es el

gran genio del barroco italiano, el heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y
principal modelo del Barroco arquitectónico en Europa. Aprendió escultura en el taller
de su padre. En sus obras más tempranas (Eneas, El rapto de Proserpina) resultan ya
evidentes la ruptura con el manierismo tardío y una concepción radicalmente distinta
de la escultura; el intenso dramatismo, la grandiosidad y la búsqueda de efectos
escenográficos están ya presentes en estas primeras creaciones. En 1629, Bernini fue
nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el Papa Urbano VIII. Desde
entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos pontífices. De
sus realizaciones para San Pedro destacan el gran Baldaquino
sobre el altar mayor y el grupo escultórico de los Padres de la
Iglesia. Su mejor aportación a la basílica fue, sin embargo, la
columnata que rodea la plaza, justo delante del templo. Esta
columnata representó una gran novedad, no sólo por sus
dimensiones, sino sobre todo por su disposición elíptica, dando
efectos de movimiento. Las monumentales estatuas que la
rematan en su parte superior dotan al conjunto de un aire
todavía más majestuoso.
En menor medida, Bernini trabajó también para mecenas
privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su estilo
escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa, de gran intensidad dramática y dinamismo. Por
su condición de elemento para la decoración de una capilla y sus magníficos efectos
de claroscuro, se considera esta obra como un compendio magistral de las tres artes
mayores y ha quedado como modelo de la escultura barroca. De sus realizaciones
como arquitecto, la más valorada, además de la columnata de San Pedro, es la
pequeña iglesia de San Andrea al Quirinale, en la que arquitectura y escultura se unen
en una búsqueda de efectismo destinada a crear un ambiente adecuado para suscitar
los sentimientos religiosos. Con sus hermosos edificios barrocos, Bernini coadyuvó
como nadie en la renovación urbanística de Roma, a la cual aportó multitud de
estatuas y algunas fuentes monumentales. La que decora la piazza Navona, llamada
Fuente de los cuatro ríos, es la más espectacular de estas realizaciones.
http://www.scultura-italiana.com/Biografie/Bernini.htm INICIO

BERRUGUETE, ALONSO. (Escultor y pintor. 1.490-1.555): Hijo del pintor Pedro

Berruguete, iniciador del Renacimiento pictórico en España, fue discípulo de su padre
antes de trasladarse a Italia en 1504 para completar su formación. No se conocen
obras de su período italiano, durante el cual se sabe que estudió las creaciones de
Miguel Ángel y las obras maestras de la Antigüedad. Llegó a Italia siendo
esencialmente un pintor y regresó a España convertido en un escultor por la enorme
influencia que ejercieron en él las obras de Miguel Ángel y el Laocoonte. Pero su
formación italianizante desembocó en un arte de fuerte personalidad, signado por una
intensa plasmación de la espiritualidad y por la traducción en patético de cualquier
sentimiento.
Retornó a España hacia 1518 y fue nombrado pintor de la corte de Carlos I, pese a lo
cual trabajó principalmente como escultor. Valladolid y Toledo fueron sus dos centros
de actividad. En la primera de estas ciudades realizó el retablo del monasterio de San
Benito. En la segunda esculpió la sillería alta del coro de la catedral, dos obras
maestras que permiten considerarlo el principal escultor español del siglo XVI. Sus
figuras recuerdan las de Miguel Ángel por la musculatura y la fuerza emocional, pero

5
se acercan, anticipándolas, a las del Greco en cuanto a estilización y expresionismo.
Por todas estas características se considera a este artista el introductor del
manierismo en España. Del retablo de San Benito, el grupo más valorado es el
Sacrificio de Isaac, en el que alcanza su cima el trazo nervioso, que modela con cierto
frenesí los cabellos, los ropajes y las carnes. Por la importancia de su actividad en la
ciudad se considera a Berruguete el fundador de la escuela vallisoletana de escultura,
uno de los principales focos del arte español del Renacimiento y el Barroco.
Su trayectoria artística culminó con la sillería alta del coro de la catedral de Toledo. En
cada sitial, el autor talló una figura en altorrelieve con la expresividad y la fuerza
dramática que le son características: todo un repertorio de personajes bíblicos en las
actitudes más diversas. Esta obra magistral culmina en el grupo de la Transfiguración,
labrado en alabastro por encima del sitial central.
http://www.architoledo.org/catedral/coro.htm INICIO

BOFILL, GUILLERM. (Arquitecto. Fines siglo XIV-Comienzos siglo XV). De origen

catalán, fue nombrado maestro mayor de las obras de la Catedral gótica de Gerona en
el año 1.404, correspondiéndole llevar a cabo el diseño de nave única de gran
anchura.
http://www.lacatedraldegirona.com/ INICIO

BON, BARTOLOMEO. (Arquitecto. Mediados s. XV): Arquitecto italiano, que llevó a

cabo la edificación de diversos palacios en la zona de Venecia, destacando entre ellos
el denominado Ca d´Oro
, considerado una de las muestras más relevantes del llamado estilo gótico veneciano.
http://www.jc-r.net/venezia/palazzi/ca-d-oro-e.htm INICIO

BORROMINI, FRANCESCO. (Arquitecto. 1.599-1.667): Trabajó como cantero antes

de trasladarse a Roma en 1619, donde fue cincelador en el taller de Maderno, quien lo
introdujo en el mundo de la arquitectura al tomarlo como colaborador. Cuando Bernini
triunfaba ya como arquitecto, Borromini recibió su primer encargo: San Carlo alle
Quattro Fontane. Bastó esta obra para hacer de Borromini un arquitecto reconocido y
con un estilo muy definido, en el que las superficies curvas dan fluidez al conjunto,
tanto en el exterior como en el interior, a veces con un carácter suave y en otras
ocasiones con mayor dramatismo. Se alejó de las tendencias de su época en los
interiores a base de paredes revocadas, con sencillas ornamentaciones, a menudo
doradas, ensambladas a la perfección con las formas arquitectónicas. Su deseo de
superación se concretó en el estudio de manuales de arquitectura y en la
profundización en la obra de Miguel Ángel, de quien fue un gran admirador.
De carácter difícil, mantuvo relaciones muy tensas con sus patrocinadores y estuvo
siempre enfrentado a Bernini. Sus principales valedores fueron
el Papado y las órdenes religiosas, que apreciaron su
arquitectura más orientada a los sentimientos que a la razón. La
década de 1650 fue la más fecunda de su carrera, gracias al
Papa Inocencio X, quien le confió la restauración y
transformación de la basílica de San Juan de Letrán, y la
construcción de Sant'Ivo alla Sapienza, iglesia que el arquitecto
remató con una espectacular linterna-aguja helicoidal.
La totalidad de su carrera transcurrió en Roma, con excepción
de una breve estancia en Nápoles. Borromini fue también un
solicitado arquitecto de palacios y casas particulares. Su última
obra fue la fachada de San Carlo alle Quattro Fontane, finalizada en 1682 por su
sobrino después de que Borromini se quitara la vida en 1667, según algunos debido a
los celos que sentía de Bernini. En opinión de algunos expertos, sus excéntricas
formas arquitectónicas fueron fruto de su rivalidad con Bernini.
http://www.borromini.at/ INICIO

BORT, JAIME. (Arquitecto. ¿?-1.754): Su obra principal es la fachada de la catedral

de Murcia.

6
http://personal.telefonica.terra.es/web/fjvb/catedralmurcia.htm INICIO

BOSCH, HIERONYMUS; “EL BOSCO”. (Pintor 1.450- 1.516): Nacido en Holanda,

debe su nombre a su ciudad natal, en la que permaneció durante toda su vida. Fue
hijo y nieto de pintores, por lo que su educación tuvo lugar en el taller familiar.
Pertenecen a su primera época obras como El charlatán o La crucifixión. En el centro
de su carrera se sitúan sus realizaciones más famosas: una serie de creaciones
abarrotadas de figuras, completamente al margen de la iconografía de la época,
ambientadas en paisajes imaginarios y repletas de elementos fantásticos y
monstruosos, tales como demonios o figuras medio humanas y medio animales, que
conviven con figuras diáfanas y paisajes tranquilos. En esta línea se
sitúan los trípticos de Las tentaciones de San Antonio, El carro del
heno y El jardín de las delicias, en los que más allá de la fantasía
turbulenta y de la dificultosa interpretación de la simbología, triunfan
una técnica excelente, fluida y pictórica, y un color brillante. Después
de estas obras magistrales, en las que algunos ven la representación
de la locura humana, realizó cuadros más tranquilos y positivos (El
hijo pródigo), para cerrar su carrera con una serie de obras sobre la
Pasión de Cristo.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/bosch/
INICIO

BOTTICELLI, SANDRO. (Alessandro di Mariano Filipepi. Pintor. 1445-1510):

Nacido en Florencia y muy valorado en la actualidad, Botticelli no
se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino
que se inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el
realismo a ultranza y se inclinó por un estilo basado en la
delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo. Comenzó su
trayectoria artística con obras de temática religiosa, en particular
vírgenes. En 1470, contando ya con un taller propio, se introdujo
en el círculo de los Médicis, para los que realizó sus obras más
famosas: la alegoría de La primavera, El nacimiento de Venus y
Palas y el centauro.
Fue toda una novedad en aquella época realizar obras de gran
formato que no fueran de temática religiosa, y ello se debió
seguramente a la vinculación del mecenas con la filosofía neoplatónica, cuyo carácter
simbólico debían reproducir las obras encargadas.
En 1481 fue llamado a Roma para decorar al fresco la Capilla Sixtina, lo que hace
suponer que ya gozaba de un gran prestigio. A su regreso a Florencia realizó obras,
más solemnes, probablemente influido por la predicación de Savonarola.
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=198 INICIO

BRAMANTE, DONATO. (Arquitecto y pintor. 1.444-1.514): Italiano, aprendió de

Brunelleschi y Alberti el arte de la creación de espacios
armoniosos y proporcionados, y añadió un interés nuevo por la
perspectiva que le llevó a crear singulares efectos de
profundidad y espacio en sus obras. Un ejemplo emblemático de
ello es el templete de San Pietro in Montorio, en Roma, una
pequeña construcción circular en el centro de un patio
rectangular, proyectada para ser el centro de un recinto
porticado. En 1480 se estableció en Milán, donde desplegó una
gran actividad como pintor y arquitecto. En 1499, se trasladó a
Roma, donde trabajó al servicio del Papa Julio II. En 1.506 se
hizo cargo del proyecto de la nueva basílica de San Pedro,
aunque la obra no se llevó a cabo tal como Bramante había
previsto, pero la genialidad de las soluciones por él propuestas imprimieron una nueva
orientación, más monumental y escenográfica, a la arquitectura del Renacimiento.
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=24 INICIO

7
BREUER, MARCEL. (Arquitecto. 1.902-1.981): De nacionalidad estadounidense,
aunque de origen húngaro, tras una corta estancia en Viena, marchó a Alemania para
estudiar en la Bauhaus. Cinco años más tarde diseñó la
primera silla de tubo de acero, y poco después accedió a la
docencia en la prestigiosa escuela alemana fundada por
Gropius. Cuando Hitler alcanzó la presidencia, emigró al
Reino Unido y de allí a Estados Unidos, donde desarrolló la
faceta más creativa y original de su carrera. En 1937 inició
su carrera como arquitecto, y hasta 1941 colaboró con
Gropius, que había sido su maestro en la Bauhaus y ejercía
como profesor de arquitectura en la Universidad de Harvard.
Entre 1953 y 1958 construyó el edificio de la Unesco en
París.
www.marcelbreuer.org INICIO

BRUNELLESCHI, FILIPPO. (Arquitecto y escultor (1377-1445): Nacido y muerto en

Florencia, fue el arquitecto italiano más famoso del siglo XV y, con Alberti, Donatello y
Masaccio, uno de los creadores del estilo renacentista. Se formó como escultor y
participó en el concurso para la realización de las puertas del
baptisterio de Florencia en 1401, certamen en el que quedó
segundo, después de Ghiberti. Decepcionado por este
fracaso decidió dedicarse a la arquitectura. Sus profundos
conocimientos matemáticos le llevaron al descubrimiento de
la perspectiva, la clave del arte del Renacimiento. A él se
debe, de hecho, la formulación de las leyes de la perspectiva
central. Pero en su época, su fama estuvo asociada, sobre
todo, a la cúpula de la catedral de Florencia, ya que sus
conocimientos de ingeniería le permitieron solventar los
problemas, en apariencia insolubles, de la construcción de
dicha cúpula.
En todos sus edificios, las partes se relacionan entre sí y con el todo mediante
fórmulas matemáticas, de manera que, por ejemplo, una sección es la mitad o la
cuarta parte del todo, etc. También entran en juego las combinaciones de diferentes
figuras geométricas (cuadrado, círculo, triángulo). Sus edificios no son aptos para
suscitar emociones sino para intentar comprender racionalmente las leyes que el
artista quiso plasmar a través de sus realizaciones. Su arquitectura elegante y
moderadamente ornamental queda compendiada a la perfección en dos espléndidas
creaciones: la capilla Pazzi y la Sacristía Vieja de San Lorenzo, ambas obras de planta
central, basadas en la armonía visual.
http://easyweb.easynet.co.uk/giorgio.vasari/brunell/brunell.htm INICIO

CALDER, ALEXANDER. (Escultor. 1.898-1.976): Estadounidense, nació en el seno

de una familia de artistas, pero no se sintió inclinado inicialmente hacia el arte y cursó
estudios de ingeniería mecánica, que más adelante le fueron de gran utilidad. Hasta
1923 no se matriculó en una escuela de arte. En 1931 creó
una obra a la que Marcel Duchamp bautizó como móvil.
Precisamente son los móviles las creaciones que elevaron a
Calder a las más altas cimas de la escultura moderna. Con
ellos se propuso crear obras abstractas dotadas de
movimiento, que reflejaran, gracias a su dinamismo, los
efectos cambiantes de la luz. Realizó móviles de muy distintos
tamaños, algunos gigantescos, en los que se sirvió de piezas
coloreadas de latón de formas abstractas, unidas por
alambres o por cuerdas; suspendidos por lo general del techo,
a consecuencia de su poco peso eran fácilmente movidos por
el aire. Con estas obras, fue el primero en incorporar el movimiento a la obra de arte y
se convirtió en el precursor del arte cinético. El gran éxito de los móviles explica que el

8
creador recibiera encargos de los más diversos países y que sus obras embellezcan
algunas de las principales ciudades del mundo. También realizó esculturas no móviles,
grandes y de color oscuro, que a menudo reproducen monstruos o animales extraños.
http://www.calder.org/ INICIO

CALÍCRATES. (Arquitecto. Siglo V a.C.): Arquitecto griego, cuyos trabajos están

relacionados con el desarrollo cultural de Atenas durante la época de Pericles. En la
Acrópolis diseñó el templete de Atenea Niké, junto a los Propileos, y el Partenón, en
colaboración con Ictinos, una de las obras maestras de la arquitectura griega,
realizada en mármol. También fue autor de la elevada muralla que conectaba El Pireo
con Atenas.
http://harpy.uccs.edu/greek/parthenon.html INICIO

CANO, ALONSO. (Escultor, pintor y arquitecto 1601-1667): Se formó como pintor y

escultor en los dos talleres más importantes de la época: el de
Pacheco, donde tuvo como compañero a Velázquez, y el de
Martínez Montañés. Permaneció en Sevilla hasta 1638,
trabajando sobre todo como escultor. Sus esculturas, tranquilas
y de expresión melancólica no reflejan en absoluto su
temperamento impetuoso y violento: fue encarcelado en varias
ocasiones y se le llegó a acusar de asesinar a su esposa.
Realizó retablos y figuras exentas, y sobre todo en estas últimas
creó una tipología propia, caracterizada por siluetas esbeltas,
ensanchadas en el centro y estrechadas hacia los pies. También
consiguió dar un sello propio al tratamiento de los ropajes, en
los que predomina la línea curva. Su obra más valorada es la
Inmaculada Concepción de la catedral granadina. En 1638, el
conde-duque de Olivares lo nombró pintor de cámara, por lo que se trasladó a Madrid,
donde Felipe IV le encomendó la restauración de las colecciones reales. En la capital,
Cano trabajó sobre todo como pintor, faceta en la que evolucionó desde un estilo
marcado por los fuertes contrastes de claroscuro hacia obras de tonalidades más
claras, influidas por el colorido veneciano. La última etapa de su actividad tuvo como
escenario Granada, ciudad en la que residió a partir de 1652 y en la que obró la
fachada de la catedral (que sustituyó a la de Diego de Siloé), una de las realizaciones
más originales y atrevidas del barroco español.
http://cvc.cervantes.es/actcult/cano/ INICIO

CANOVA, ANTONIO. (Escultor. 1.757-1.822): Nacido en Italia, a causa de sus

modestos orígenes familiares, no pudo realizar estudios artísticos y comenzó
practicando otros oficios. En 1768, a raíz de su traslado a Venecia, empezó a
dedicarse a la escultura y rápidamente alcanzó fama y prestigio. Sus primeras obras
están impregnadas todavía del espíritu barroco. Cuando era ya un artista consagrado,
se estableció en Roma, donde definió el estilo que lo caracteriza, inspirado en la
Antigüedad clásica e influido por los principios teóricos de
Winckelman, cuyas doctrinas se hallan en la base del
nacimiento del estilo neoclásico.
Sus primeras obras del período romano, como Teseo y el
Minotauro, manifiestan ya la maestría técnica y la perfección
en el acabado que le eran habituales. De hecho, todas sus
obras fueron fruto de una larga elaboración, de una ejecución
realizada con un detallismo casi artesanal.
En su estudio romano desplegó una enorme actividad para
poder atender todos los encargos que recibía de las más
destacadas personalidades del momento, desde Napoleón
hasta Catalina la Grande de Rusia. Era ya por entonces el
principal escultor del estilo neoclásico. Su nombre se asocia
esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la
belleza ideal y son frías y distantes. Plasmó la belleza natural en reposo, libre de

9
cualquier movimiento espontáneo y con una monocromía y simplicidad que contrastan
vivamente con la etapa precedente.
En esta línea se inscriben sus dos creaciones más conocidas: el retrato de la hermana
de Napoleón, Paulina Borghese, y Las tres Gracias. Paulina Borghese está esculpida
como una Venus, sobre un diván, con la elegancia y la ligereza características de
Canova. Las tres Gracias encarnan el desnudo femenino en toda su perfección.
Canova tiene, además, el mérito de haber renovado profundamente el género del
sepulcro monumental, gracias a los que esculpió para los papas Clemente XIII y
Clemente XIV. Entre las muchas efigies oficiales que realizó es particularmente
célebre el Napoléon desnudo, cabal ilustración de los ideales neoclásicos.
http://www.museocanova.it/#inizio INICIO

CARAVAGGIO. (Michelangelo Merisi. Pintor. 1571-1610): Principal figura de la

pintura italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico a partir del estudio de las obras
de algunos artistas venecianos. De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde destacó no
sólo por su original enfoque pictórico, sino también por su vida irregular, en la que se
sucedían lances y peleas. En su pintura, planteó una oposición consciente al
Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó la intensidad efectista a través de
vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figuras y los objetos. Al evitar
cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió que
ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Rechazó la característica
belleza ideal del Renacimiento y eligió el camino del realismo, realizando sus obras
mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de
preparación previa.
Sus primeras creaciones son fundamentalmente pinturas de
género que combinan la figura humana con escenas de bodegón
y naturaleza muerta. Constituye un ejemplo de esta primera etapa
El tocador de laúd, donde un joven de belleza feminoide y
sensual comparte protagonismo con frutas, flores y una serie de
objetos relacionados con la música. En estas primeras obras
resulta ya evidente el empleo estético de los juegos de luces y
sombras, si bien el claroscuro sólo sirve aquí como creador de
volúmenes y de profundidad, sin añadir a la acción efectos de
dramatismo, como sería habitual en las creaciones posteriores.
La cena de Emaús, una de sus obras maestras, caracterizada por tonos oscuros,
sombras envolventes y haces de luz clara que inciden en puntos determinados, señala
el comienzo del período de madurez del artista, quien se decanta abiertamente por la
temática religiosa. Algunas de sus obras son rechazadas por el naturalismo con que
aborda los pasajes bíblicos. A esta época corresponden las dos grandes realizaciones
del artista: los retablos de la capilla Contarelli de San Luis de los Franceses y de la
capilla Ceresi de Santa Maria del Popolo, con La vocación de San Mateo y El martirio
de san Mateo el primero, y La crucifixión de San Pedro y La conversión de San Pablo
el segundo. Son obras, todas ellas, dominadas por una intensa acción dramática, muy
estudiadas desde el punto de vista compositivo. En 1606, Caravaggio mató a un
hombre en una reyerta y se vio obligado a huir de Roma, adonde nunca pudo volver.
Murió cuatro años después aquejado de malaria.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/caravaggio/ INICIO

CARLÍN, MAESE. (Arquitecto. Hacia 1378-1448): Nacido en Francia, fue un

arquitecto itinerante, que desde su ciudad natal, Ruan, emigró a Barcelona y
permaneció ya para siempre en los reinos hispánicos. Fue arquitecto de las catedrales
catalanas de Barcelona y Lérida y finalmente recaló en Sevilla, donde inició su actual
catedral, el mayor edificio gótico del mundo. Estaba formado en el Gótico Internacional
y dominaba la decoración de pequeña escala. En Sevilla fue donde dio su verdadera
talla, al resolver brillantemente el deseo megalómano del Cabildo hispalense,
sirviéndose de materiales importados de baja calidad y canteros itinerantes, para crear
un edificio grandioso.
http://www.arquired.es/users/giralda/ INICIO

10
 CARRACI, ANIBALE. (Pintor. 1.560-1.609): Miembro, junto a su hermano Agostino y
su primo Ludovico de una conocida familia de pintores italianos,
de renombre en la Italia de su tiempo, en particular por su
reacción contra la artificiosidad del manierismo y su propuesta
de volver a la tradición de Rafael. Fundaron una academia
privada de pintura, denominada Academia de los Encaminados,
en la que consagraron su ruptura con el estilo vigente y
propugnaron, entre otros enfoques novedosos, la copia del
natural. Con su estilo basado en un dibujo excelente y un
enfoque naturalista de la composición, ejercieron una enorme
influencia, también fuera de Italia. En 1595, Anibale fue llamado
a Roma por el cardenal Farnesio, siendo la decoración del
palacio Farnesio su obra maestra.
http://cgfa.sunsite.dk/carracci/ INICIO

CASAS Y NOVOA, FERNANDO DE. (Arquitecto. ¿?-1.749): Fue el principal

representante de la arquitectura barroca en Galicia. En 1711 sucedió a su maestro, al
frente de las obras del claustro de la catedral de Lugo, finalizado en 1714. En esta
obra y en varios conventos adoptó soluciones clasicistas, inspiradas en la arquitectura
del siglo XVI. Pero a partir de 1725 evolucionó hacia el barroco más puro y vibrante en
el que son sus obras maestras: la capilla de Nuestra Señora de los Ojos Grandes, en
la catedral de Lugo, y, sobre todo, la fachada del Obradoiro, de la catedral de Santiago
de Compostela, en la que movimiento, decoración y empuje vertical crean efectos de
puro sabor barroco.
http://www.archicompostela.org/Catedral/catedral.htm INICIO

CÉZANNE, PAUL. (Pintor. 1.839-1.906): Pintor francés. Comenzó sus estudios en la

facultad de Derecho, aunque pronto comprendió que su verdadera vocación era la
pintura. Una vez en la capital francesa, en el Louvre descubrió la obra de Caravaggio y
de Velázquez, y este hallazgo marcó profundamente su evolución
artística. Conoció a Pizarro y gracias al contacto con él daría un
giro radical en su estilo, desligándose de toda norma académica y
de la paleta sombría y fuertemente empastada que le
caracterizaba. Pintó paisajes y bodegones en los que se aprecia
una mayor fluidez y vivacidad de los colores merced a la
influencia de los impresionistas. Como sus coetáneos, se
convenció de la importancia de pintar al aire libre, En 1872,
realizó una colección de paisajes que inauguraron su denominado
«período impresionista».
En 1878 se estableció casi permanentemente en Provenza,
alcanzando progresivamente la madurez expresiva que iba a configurar uno de los
estilos más representativos e influyentes del arte del siglo XX. Llevó a cabo su
actividad pictórica en una reclusión casi total. En 1886 pasó a instalarse en Aix, donde
pintaría la serie de cuadros de la montaña de Sainte-Victoire. Cézanne continuó con
su actividad prácticamente en el anonimato, hasta que en 1895 el marchante Ambroise
Vollard organizó una exposición sobre su obra que fue bien recibida por la crítica, lo
que le abrió las puertas del Salón de los Independientes cuatro años más tarde. El
Salón de Otoño de 1904 le dedicó una sala de forma exclusiva, en lo que sería un
acontecimiento fundamental para el devenir de las primeras vanguardias. Dicha
exposición confirmó a Cézanne como el padre de cubistas y fauvistas, y ejerció un
gran impacto sobre artistas como Picasso, Braque o Dérain. La tendencia
constructivista de Cézanne fue la semilla que germinó en el movimiento cubista,
además de ser pionero en su concepción del color, que trató como elemento pictórico
independiente de la forma. Compaginó así el estilo directo y vivaz del impresionismo
con la precisión en la composición, el ritmo y la cadencia en un intento de «solidificar
el impresionismo», como él mismo declaró.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/cezanne/ INICIO

11
CHAFAR. (o Ya'far ibn Abd al-Rahman. Arquitecto. Siglo X): Desde su origen
esclavo, fue ascendiendo en la corte de Abd al Rahman III hasta ocupar, con su hijo
Al-Hakam II, el cargo de chambelán (o hachib, entre los años 961 y 972). Este califa le
encargó realizar diversas actuaciones en la Mezquita de Córdoba; entre ellas, la
edificación de doce crujías más, la construcción del lucernario de la actual capilla de
Villaviciosa y el diseño del nuevo mirhab de la mezquita. Recientemente ha sido
excavada la casa que habitó en la ciudad de Medina Zahara.
http://cvc.cervantes.es/actcult/mezquita_cordoba/ INICIO

CHALGRIN, JEAN-FRANÇOIS-THERESE. (Arquitecto. 1.739-1.811): Nacido en

Francia, se dedicó a la arquitectura desde su primera juventud, decantándose por un
estilo claramente neoclásico, en el que refleja las influencias de un viaje a Italia
realizado cuando tenía veinte años. Fue autor del Arco de Triunfo levantado en 1.806
en la Plaza de L´Etoile, en París.
http://www.artandarchitecture.org.uk/images/conway/846e92cf.html
INICIO

CHURRIGUERA, ALBERTO. (Arquitecto. 1676-1750): Miembro de una familia de

arquitectos y escultores españoles, activos en Castilla durante los siglos XVII y XVIII.
Su hermano José Benito fue el principal escultor y arquitecto de la familia, al que se
debe la denominación de estilo «churrigueresco» que se aplica a las obras realizadas
por él y por algunos de sus hermanos, en las que el recargamiento decorativo es lo
esencial y domina sobre los elementos sustentantes hasta el punto de ocultarlos en
algunos casos. Alberto, después de realizar la sacristía y el coro de la catedral nueva
de Salamanca (1724), se ocupó de la magnífica plaza Mayor de Salamanca, concluida
por A. García de Quiñones en 1755.
http://www.salamanca2005.org/fichasabermas.asp?id=4 INICIO

COMPTE, PERE. (Arquitecto. Segunda mitad s. XV): Autor del proyecto de la Lonja
de la Seda o de los Mercaderes de la ciudad de Valencia.
http://www.via-arquitectura.net/02_prem/02p-076.htm INICIO

CORMONT, TOMÁS DE. (Arquitecto. Siglo XIII): Autor francés que recibió el encargo
del rey Luis IX de Francia de edificar la Sainte Chapelle de París. (1.242-1.248).
http://www.monum.fr/prehome/prehome.dml INICIO

COURBET, GUSTAVE. (Pintor. 1.819-1.877): Nacido en Francia, se Instaló en París

desde 1839, estudiando la obra de los principales
representantes de las escuelas flamenca, veneciana y
holandesa de los siglos XVI y XVII. Sin embargo, no alcanzó
plenamente su madurez artística hasta que descubrió las
obras de Rembrandt en un viaje que realizó a los Países
Bajos. Hombre revolucionario y provocador, abrazó la filosofía
anarquista participó en 1871 en la Comuna de París y fue
encarcelado durante seis meses, hasta que se refugió en
Suiza, hacia 1873. Escandalizó al público con su nueva visión
realista en cuadros sobre hechos cotidianos, como El entierro
en Ornans (1850) puesto que los personajes están
representados con toda su vulgaridad, o con una sensualidad comprometedora.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/courbet/ INICIO
DALÍ, SALVADOR. (Pintor. 1.904-1.989): Tras una infancia transcurrida en la costa
mediterránea, Dalí estudió en una academia de bellas artes en Madrid con un profesor
que había enseñado también a Picasso. Pronto empezó a leer a Freud y a estudiar
filosofía y, por las revistas de arte, supo del cubismo y el futurismo. Tras un corto
período en el que intentó reconciliar el cubismo con la técnica de los viejos maestros,
creó su propio mundo imaginario: perspectivas lejanas de paisajes marinos, claros y

12
luminosos, con un primer plano en que aparecían elementos tan poco relacionados
entre sí como remedos de despojos anatómicos y aparatos mecánicos.
En 1924 Dalí irrumpió en la vida pública. Entró en contacto con el movimiento
surrealista, pintó su famoso cuadro La sangre es más dulce que la miel, invitó a los
surrealistas de París a trasladarse a Cadaqués y definió su arte, bastante
adecuadamente, como «actividad crítico-paranoica».
Hacia 1930 empezaron a actuar en la obra de Dalí otras influencias más
convencionales y sus antiguos camaradas denunciaron su técnica como
«ultrarretrógrada y académica». En 1940 se trasladó a Estados
Unidos, donde obtuvo grandes éxitos económicos.
Egocéntrico, extravagante contradictorio hasta dar a la paradoja el
valor de categoría, asombró con su polifacetismo. El surrealismo, al
que anduvo mezclado en sus años mejores, aunque sin integrarse
de lleno en el movimiento, fue fuente de inspiración de gran parte
de su obra, de la más auténtica sin duda. Así esa serie de
excelentes exploraciones del mundo onírico que son La
persistencia de la memoria (1931), La metamorfosis de Narciso
(1936), El hombre invisible.
Su obra importante, medular, es la producida entre los años 1929 y
1939, años de plenitud, de búsqueda frenética, de teorización de la
paranoia-crítica. Esa vasta colección de imágenes creadas a impulso de una fuerte
presión psíquica, de frenesí onírico. En años posteriores sigue otros rumbos, se
embebe en la contemplación del Renacimiento, en la imitación de los genios de
Florencia y de Roma, en un academicismo sin salida.
.http://www.salvador-dali.org/esp/ INICIO

DANCART PYETER. (Escultor y retablista. Segunda mitad s. XV): de origen

flamenco, fue autor de las trazas del retablo Mayor de la Catedral de Sevilla, obra que
se realizó en sucesivas fases a lo largo de casi un siglo, comenzándose en 1482.
Dancart diseñó un retablo de veinte metros de alto por dieciocho de ancho, con cuatro
cuerpos de altura mas un banco y, en vertical, siete calles. Prosiguió su trabajo en el
retablo hasta 1488, año en que falleció.
http://www.catedralsevilla.org/patrimonio/retablos.htm INICIO

DAVID, LOUIS. (Pintor. 1748-1825): nacido en Francia, viajó a Roma en 1776. Su

estancia en Italia resultó decisiva, no sólo porque le permitió entrar en contacto con los
clásicos, sino también porque lo sumergió en el clima artístico de la época,
caracterizado por la difusión de las ideas que dieron origen al
neoclasicismo. Abrazó con convicción la nueva tendencia y llegó
a convertirse en uno de los principales protagonistas del
neoclasicismo europeo.
Para David, el neoclasicismo fue el vehículo para oponerse a la
frivolidad del rococó y superarla, y también para exaltar a través
de la pintura unos ideales éticos, como la honestidad o el triunfo
del sentido del deber. En 1784, El juramento de los Horacios lo
consagró como un gran maestro de la pintura; el rigor
compositivo, la solemnidad y la subordinación del color al dibujo
constituyen toda una exaltación de los ideales del neoclasicismo. Desde entonces
hasta su muerte, fue una figura reconocida. Participó activamente en la Revolución
Francesa (fue diputado) y después de un breve paso por la cárcel se convirtió en
pintor oficial de Napoleón, del que realizó excelentes retratos (La coronación de
Napoleón y Napoleón cruzando los Alpes). De sus obras del período revolucionario
son emblemáticas el inacabado Juramento del Jeu de Paume y Marat asesinado, que
forma parte de una trilogía de exaltación a los héroes de la Revolución. Tras la caída
de Napoleón, se exilió en Bruselas.
http://www.abcgallery.com/D/david/david.html INICIO

13
 DEGAS, EDGAR. (Pintor. 1.834-1.917): Pintor impresionista francés, desde el
comienzo de su carrera reconcilió a su gusto los elementos más diversos del arte
francés y así aprendió tanto del clásico Ingres como del romántico Delacroix. Estudió
también al olvidado naturalista Corot. Pero su espíritu creador le llevó a engrosar el
grupo de los radicales, que más tarde se apellidarían impresionistas.
En 1862, en su preocupación por captar el movimiento, comenzó a abordar temas tan
poco corrientes como las carreras de caballos. Las bailarinas, con sus posturas
estilizadas, se convirtieron en su tema favorito y más famoso.
Degas participó en la primera exposición colectiva de los impresionistas (1874). La
exposición provocó un escándalo, pero el grupo continuó
existiendo y realizó otras siete exposiciones que, aunque
siempre encarnizadamente atacadas, terminaron coronando de
gloria a los supervivientes.
A diferencia de la mayor parte del grupo, se interesó
principalmente por la composición y la concepción, no por la
técnica revolucionaria o los problemas del color. Se diferenció
también de los demás en que, mientras éstos se inclinaban por
la pintura al aire libre, él prefería trabajar en el estudio. Comenzó
a interesarle la técnica del pastel, con la que logró efectos
vibrantes de color. Hacia el fin de su dilatada vida, al fallarle la
vista, comenzó a trabajar con las manos tanto como con los ojos y se dedicó a
modelar esculturas en cera y yeso.
http://cgfa.sunsite.dk/degas/ INICIO

DELACROIX, EUGENE. (Pintor. 1.798-1.863): Pintor francés, debe sus rasgos

estilísticos a Géricault, coetáneo a l que admiró, y también a Rubens y los
venecianos. Fue así mismo un gran admirador de la pintura
inglesa. Ya en sus primeras obras se inclina por temas que le
permiten expresar una gran intensidad emocional, plasmada con
colores brillantes y gran libertad expresiva.
Son estas creaciones las que lo convierten en la gran figura del
Romanticismo francés, estilo del que se consideran obra
particularmente significativa La Libertad guiando al pueblo. En ella,
las figuras dibujan una línea diagonal, que constituye el eje
compositivo del cuadro, al estilo de Rubens, creando una intensa
sensación de movimiento y vitalidad.
Su viaje a Marruecos en 1832 marca el inicio de su segundo
período estilístico, en el que abundan los temas marroquíes (Mujeres de Argel), en
composiciones mucho más pausadas aunque también típicas del Romanticismo por su
carácter exótico y por el uso del color, que adquiere un protagonismo constructivo y
compositivo inhabitual hasta entonces. Al final de su vida se convirtió en el gran
decorador de interiores de París, con obras para el palacio Borbón o el palacio de
Luxemburgo.
http://www.artcyclopedia.com/artists/delacroix_eugene.html INICIO

DESPUIG, RAMÓN. (Arquitecto. S. XIV): Autor catalán que colaboró con Berenguer
de Montagut en la dirección de las obras de la iglesia de Santa María del Mar, en
Barcelona.
http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc37b.html INICIO

DONATELLO. (Donato di Betto Bardi. Escultor. 1.386-1.466): Autor florentino, junto

con Alberti, Brunelleschi y Masaccio, fue uno de los creadores del estilo renacentista.
Se formó con Ghiberti, pero desde sus comienzos desarrolló un estilo propio basado
en la fuerza emocional, y en un singular sentido del movimiento. Su revolucionaria
concepción de la escultura resulta evidente ya en las grandes estatuas para nichos
destinadas a Orsanmichele y la catedral de Florencia, de carácter grave y realista,
como el San Marcos y el San Jorge, su primera obra famosa. Tras asociarse con su
aprendiz Michelozzo, Donatello emprendió a partir de 1427 la realización en Pisa de la

14
tumba del cardenal Brancacci, en la que esculpió en relieve el tema de la Asunción de
la Virgen. Poco después, se inició en el arte de la fundición en bronce. Más tarde,
realizó la famosa Cantoría para la catedral de Florencia, en la que recreó libremente
algunos motivos clásicos. Poco posterior es su escultura exenta más famosa, el David
en bronce, comparable en ciertos aspectos al San Jorge de su etapa anterior.
En 1443 se estableció en Padua, tras recibir el encargo de esculpir la estatua ecuestre
del Gattamelata, la primera de tamaño natural desde la Antigüedad. Realizada al estilo
del Marco Aurelio romano, posee la fuerza expresiva característica de sus estatuas
anteriores, que se transmite también al caballo. En la misma ciudad obró el retablo
mayor del santuario de San Antonio. Donatello volvió en 1454 a Florencia, donde
esculpió sus obras de mayor fuerza emocional en las que trabajó las posibilidades
expresivas de la deformación. A este período corresponde la sublime María
Magdalena, en madera.
http://www.thais.it/scultura/donatell.htm INICIO

DUCHAMP, MARCEL. (Pintor. 1.887-1.968): Francés nacionalizado estadounidense,

recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de
simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó
rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –
impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin
comprometerse con ninguna; este afán experimentador e
inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda
trayectoria.
En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n.º 2,
obra en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus
propias inquietudes sobre la representación del movimiento.
La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes
y tuvo que esperar un año para ser expuesta, siendo
recibida con tanto entusiasmo como sorpresa.
Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro
permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El
gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre
pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus
primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en
ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera
voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente,
constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX.
http://www.duchamp.org/ INICIO

EIFFEL, GUSTAVE. (Ingeniero y arquitecto. 1.832-1.923): Nacido en Francia, se

graduó en la Escuela de Artes y Oficios de París, especializándose
en la construcción de estructuras metálicas. En 1877 diseñó el
impresionante arco de metal de 160 metros del puente sobre el
Duero, cerca de Oporto. Poco más tarde superó su propia marca
con el viaducto de Garabit, durante muchos años el tendido
artificial más alto del mundo (120 metros). Pionero a la hora de
considerar el factor aerodinámico en sus construcciones, realizó
obras tan diversas como la estructura metálica de la estatua de la
Libertad, en Nueva York. Sin embargo, su mayor logro fue la
impresionante torre de acero situada en París y que fue bautizada
con su nombre.
http://www.tour-eiffel.fr/ INICIO

ENRIQUE, MAESTRO. (Arquitecto. Mediados del s. XIII): Probablemente de origen

francés, participó en la dirección de las obras de la catedral de Burgos, labor que
simultaneó también con la dirección de obras en la catedral de León, hasta su
fallecimiento en torno a 1.277.
http://www.catedraldeburgos.es/ INICIO

15
ESCOPAS. (Escultor. Siglo IV a. C.): Nacido en la isla de Paros (actual Grecia), es
considerado, como Praxíteles y Lisipo, una de las grandes figuras de la escultura
griega del siglo IV a.C. En su juventud trabajó en el templo de Artemisa en Éfeso y, ya
en su madurez, siendo un artista famoso, en el mausoleo de Halicarnaso. Su obra se
conoce sobre todo a través de copias del período helenístico. En ellas se advierte un
estilo caracterizado por el trazo nervioso y una gran intensidad dramática, precursora
de la carga emocional típica de la escultura helenística. Destaca su Ménade,
representativa del movimiento y la gracia.
http://www.insecula.com/contact/A007539.html INICIO

ESTEBAN, MAESTRO. (Arquitecto y escultor. Fines s. XI-Comienzos s. XII):

Participó en las obras de la Catedral de Santiago de Compostela, para las que fue
contratado, en torno al año 1.100 por el obispo Gelmírez. Entre otras tareas, dirigió la
construcción de la Puerta de las Platerías, finalizada en el año 1.103. Posiblemente,
también llevó a cabo trabajos en la comarca de las Cinco Villas, destacando la labores
de la iglesia de Santa María del Perdón de Sos del Rey Católico.
http://www.fuenterrebollo.com/Heraldica-Piedra/compostela.html INICIO

FERNÁNDEZ, GREGORIO. (Escultor. 1.576-1.636): Nada se conoce de sus

primeros años, sólo que a partir de 1605 estaba activo en
Valladolid, donde contaba ya con taller. Fue uno de los
grandes maestros de la escultura religiosa en madera
policromada de la escuela castellana de los siglos XVI-XVII.
Heredó de Juan de Juni la tradición de las imágenes
religiosas cargadas de dramatismo, pero incorporó al
lenguaje de su antecesor un mayor naturalismo. De hecho,
evolucionó desde una primera etapa bastante vinculada al
dramatismo hasta una segunda fase en la que impuso un
gran naturalismo, presente en los gestos, las actitudes, y
sobre todo en la policromía; en este campo, exigió a los
policromistas que trabajaron para él que abandonaran el oro y los tonos brillantes para
iluminar las figuras con colores inspirados en el natural.
De su primera etapa, las obras más destacadas son el retablo de San Miguel y la
Piedad del convento de San Francisco, ambos en Valladolid. A su segunda época, la
de mayor calidad, corresponden el extraordinario Cristo yacente del Museo Natural de
Escultura, una talla de un verismo difícilmente superable, y los pasos procesionales
del Descendimiento y la Flagelación, realizados para la iglesia de la Vera Cruz de
Valladolid. Creó varios tipos iconográficos (la Inmaculada, Santa Teresa, la Magdalena
penitente) que fueron después muy imitados y alcanzó un alto grado de virtuosismo en
sus realizaciones tanto en los retablos, de gran sobriedad ornamental, como en las
figuras aisladas y los pasos procesionales.
http://www.mne.es/espanol/musycole/gfernand.htm INICIO

FIDIAS. (Escultor. H. 490 a.C.- H. 431 a.C.): Nacido en Atenas, fue el artista más
famoso del mundo clásico, y el maestro que llevó la escultura a las cotas más altas de
perfección y armonía. Se conoce muy poco de su formación. Vivió en la época de
Pericles, quien se convirtió en su principal protector. Básicamente trabajó en y para
Atenas, sobresaliendo tanto en la escultura exenta como en el relieve. Su primera obra
conocida es la Atenea Lemnia, una estatua destinada a la Acrópolis de Atenas, de la
que se conservan copias parciales.
En el año 438 a.C. esculpió la Atenea Partenos, que le significó la fama. La estatua, de
nueve metros de altura, la muestra como una diosa guerrera, con escudo y casco,
preparada para la defensa de la ciudad. La obra se conoce a través de copias de
menor tamaño. Para el santuario de Olimpia Fidias realizó la estatua criselefantina de
Zeus, considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo. Era una estatua
sedente del dios, de doce metros de altura.

16
Pero lo que engrandeció el nombre de Fidias es la decoración escultórica del
Partenón, que incluía un friso en bajorrelieve de ciento sesenta metros de longitud, dos
frontones decorados con figuras exentas y noventa y dos metopas en altorrelieve. Si
bien diseñó todo el conjunto, Fidias ejecutó una pequeña parte, pese a lo cual esta
obra constituye una muestra indiscutible de su genio. La mayoría de las piezas se
encuentran en el British Museum de Londres, destacando el grupo de las Tres Parcas
y los fragmentos de la Procesión de las Panateneas, sobre todo el grupo de los dioses
del Olimpo, donde destaca el magistral tratamiento de las telas, que se adhieren al
cuerpo y dibujan sus contornos.
A la caída de Pericles, el escultor fue acusado de malversación del oro destinado a la
estatua de Atenea, y pese a demostrar su inocencia, fue acusado de impiedad y
encarcelado, por haber incluido su retrato y el de Pericles en el escudo de la diosa
Atenea. Según algunos, murió en la cárcel; al decir de otros, consiguió fugarse y se
exilió en Olimpia, donde han sido excavados los restos de su taller.
http://www.uk.digiserve.com/mentor/marmoles/index.htm INICIO

FIGUEROA, LEONARDO. (Arquitecto. 1.650-1.730): Fue la personalidad más

destacada de la arquitectura sevillana en el período de transición del Barroco al rococó
(hospital de los Venerables Sacerdotes, iglesia de San Luis y fachada del palacio de
San Telmo e Iglesia Colegial del Divino Salvador), en Sevilla).
http://www.colegialsalvador.org/ INICIO

FRIEDRICH, CASPAR DAVID. (Pintor. 1.774-1.840): Fue el paisajista más notable del
romanticismo alemán. En sus pinturas se encuentra un sentimiento de profundo pánico
ante la naturaleza (Dolmen en la nieve, 1807) y el conocimiento de
la insuficiencia del hombre frente a su grandeza (El viajero frente al
mar de niebla, 1818). El significado de sus obras se va
enriqueciendo por frecuentes referencias a la mitología alemana.
En las pinturas más tardías, el valor simbólico se hace más
evidente en la elección del tema y en la simplificación de las
formas. El artista prefirió el paisaje en determinadas horas del día,
cuando se presta a correlaciones psicológicas más directas, como
en las obras donde aparecen, aisladas y casi perdidas, pequeñas
figuras humanas (Dos hombres contemplando la luna).
http://www.blue.fr/friedrich/ INICIO

GARGALLO, PABLO. (Escultor. 1.881-1.934): Estudió en la Escuela de Bellas Artes

de Barcelona y sus primeros trabajos estuvieron vinculados a la tradición realista. Sin
embargo, en 1911 su tendencia artística experimentó un
profundo cambio a raíz de su encuentro con Picasso durante
una estancia en París: la influencia del arte primitivo estuvo
presente en la realización de sus máscaras y de sus figuras de
metal. En 1914 regresó a Barcelona, donde le fue asignada la
cátedra de escultura de la Escuela Superior de Artes y Oficios,
en la que ejerció hasta 1924. Con el advenimiento de la
dictadura de Primo de Rivera volvió a París, donde se afincó
definitivamente. En su última etapa creativa, la pintura de
Modigliani influyó en el desarrollo de sus figuras, de entre las
cuales destaca El profeta (1933).
http://www.zaragoza.es/azar/ayto/cultura/museos/gargallo/ INICIO

GAUCHER DE REIMS. (Arquitecto. Mediados siglo XIII): De origen francés, trabajó

en la catedral de Reims, una vez que las obras estaban ya iniciadas. Su labor se
extendió a la prolongación de naves y a la fachada de los pies.
http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO

GAUDÍ, ANTONIO. (Arquitecto. 1.852-1.926): Su obra se inscribe dentro del

movimiento modernista, aunque lo supera ampliamente por la originalidad de sus

17
concepciones y su capacidad para romper moldes y crear nuevas soluciones. Tras
estudiar arquitectura en Barcelona, colaboró en algunos
despachos de renombrados arquitectos. En 1883 fue nombrado
arquitecto del templo de la Sagrada Familia, obra que ocupó toda
su vida y que se considera su principal realización artística, a
pesar de que quedó inconclusa.. En los primeros años,
compaginó su trabajo en el templo con diversos encargos civiles,
como la villa de El Capricho, en Comillas. Por entonces entró en
contacto con el conde de Güell, con el que mantuvo una relación
casi de mecenazgo renacentista, quien le encargó algunos
pabellones para su finca de Pedralbes y el palacio de la calle Nou
de la Rambla, donde Gaudí introdujo nuevos elementos
constructivos como el arco parabólico. Luego se ocupó del palacio episcopal de
Astorga.
Bastan estas obras de la primera época para señalar algunas de las constantes de su
arquitectura, desde su peculiar recreación del gótico hasta su predilección por las
formas curvas y dinámicas, la aplicación a la arquitectura de técnicas de decoración
artesanas (vidrieras, hierro forjado, muebles diseñados por él mismo) y su singular
empleo de los mosaicos de fragmentos de cerámica de vivos colores. En 1891 abordó
la fachada del Nacimiento de la Sagrada Familia, de cuyas cuatro torres sólo se había
construido una a la muerte del arquitecto, la que dio la pauta para el bosque de torres
en que debía convertirse el templo.
En lo sucesivo, sus principales encargos fueron inmuebles de pisos, como la casa
Batlló y la casa Milà, más conocida como La Pedrera y culminación en cierto modo del
genio de Gaudí por la singular concepción de su fachada ondulada de piedra y hierro
forjado y por el conjunto de chimeneas helicoidales de la azotea.
Por último, su mentor, Eusebio Güell, le confió dos encargos de gran envergadura: una
colonia obrera en Santa Coloma de Cervelló, de la que sólo se completó la iglesia y
una ciudad-jardín, que también quedó inconclusa y es en la actualidad un parque
público (el parque Güell), que integra los distintos pabellones realizados por el
arquitecto, así como un espacio columnado (que según el proyecto original debía
destinarse al mercado) y la plaza, con un original banco corrido de azulejería.
http://www.ctv.es/USERS/ags/GAUDI2.htm INICIO

GAUGUIN, PAUL. (Pintor. 1.848-1.903): Pintor y escultor francés. Tras el golpe de

Estado de Napoleón III (1851), huyó con sus padres a Lima.
En 1871 regresó a París y empezó a desarrollar un fuerte
interés por el arte que le condujo a tomar clases de pintura y
a reunir una impresionante colección de obras impresionistas
con trabajos de Manet, Cézanne, Monet y Pissarro. En 1875
trabó conocimiento con este último y empezó a trabajar con
él; resultado de tan fecunda colaboración fue la invitación a
participar en la quinta Exhibición Impresionista de 1880.
En 1884 se trasladó a Copenhague, residencia familiar del
padre de su esposa, en busca de apoyo económico, pero su empeño fracasó y poco
después abandonaría a esposa e hijos. A partir de ese momento vivió en la penuria,
rechazado por una sociedad que en breve iba a aborrecer. Entre 1886 y 1888 su obra
experimentó un giro radical, cuyo origen cabe buscar en dos experiencias vitales de
gran importancia: su encuentro con Van Gogh y su primer viaje a la Martinica.
Gauguin conoció al pintor holandés en París y quedó fuertemente impresionado por el
modo en que conseguía plasmar sus inquietudes vitales en unos lienzos rebosantes
de expresividad. En 1888 se desplazó a Arles con la intención de trabajar
conjuntamente, pero las incompatibilidades de carácter dieron espectacularmente al
traste con el proyecto al cabo sólo de pocas semanas.
Poco antes, Gauguin se había trasladado durante un tiempo a la colonia francesa de la
Martinica, donde entró en contacto con un paisaje repleto de sensual colorido y una
sociedad, la indígena, en estrecha convivencia con la naturaleza. Ambos factores se
unieron para despertar en el artista una aguda nostalgia por lo primitivo, cauce en el

18
que iba a encontrar una vía idónea para expresarse. De resultas de sus propias
experiencias en la Martinica iba a surgir el sintetismo, estilo personal caracterizado
por la representación no imitativa y la separación de la imagen pictórica en zonas de
color fuertemente contrastadas y a menudo delineadas en negro. Dicho estilo, con su
rechazo frontal al uso de trucos formales para recrear la percepción visual, significó
una ruptura absoluta, desde el punto de vista conceptual, con el impresionismo que
otrora había abrazado, razón por la cual es considerado por la historiografía del arte
como postimpresionista (junto con Van Gogh y Cézanne). Entre 1891 y 1903 efectuó
largas estancias en Tahití y las islas Marquesas, donde su primitivismo fue
atemperándose.
http://www.gauguin.com/ INICIO

GHIBERTI, LORENZO. (Escultor y orfebre. 1.378-1.455): Nacido en Florencia,

donde vivió toda su vida, comenzó su actividad artística como orfebre. En 1401,
participó con El sacrificio de Isaac en el concurso para la realización de las segundas
puertas del baptisterio de Florencia, en el que resultó
ganador, imponiéndose, entre otros, a Brunelleschi. Este
hecho marcó su vida, ya que una obra de tal envergadura
requirió la creación de un importante taller, que fue el
principal de Florencia a lo largo de medio siglo, por lo que
se formaron en él destacadas figuras, como Donatello. Las
puertas norte, realizadas de 1403 a 1424, incluyen veinte
episodios de la vida de Cristo y ocho figuras de santos,
talladas con el estilo elegante y lleno de detalles que
caracteriza la escultura gótica.
En 1425, el gremio de comerciantes de Florencia, le pidió
que se ocupara también de las puertas este, que centraron
su actividad hasta 1452. Sus diez grandes plafones de bronce dorado representan
escenas del Antiguo Testamento en un estilo diferente al anterior, por sus figuras
poderosas, construidas sobre fondos de paisaje en los que se aplican las reglas de la
perspectiva renacentista. Son, pues, estas puertas una obra típica ya del
Renacimiento, hasta el punto de que muchas grandes figuras del arte viajaron a
Florencia para admirarlas. Miguel Ángel las consideró dignas de ser las puertas del
Paraíso, nombre con el que se las designa. Ghiberti esculpió también algunas estatuas
de bronce para la iglesia florentina de Orsanmichele y escribió una autobiografía, la
primera que se conserva de un artista.
http://www.francescomorante.it/pag_2/202d.htm INICIO

GILESBERTO. (Escultor. Mediados s. XII): Autor del famoso Juicio Final (1140), que
figura en la portada de la Iglesia de San Lázaro de Autun (Francia).
http://homepage.uvt.nl/~s239062/EDIFICES/autun.htm#histo
http://www.art-roman.net/autun/autun.htm INICIO

GIOTTO DI BONDONE. (Pintor y arquitecto. 1.267-1.337): Italiano, fue el primer

creador italiano en superar las tendencias bizantinas de la pintura y
explorar unas orientaciones que acabaron por desembocar en la gran
revolución artística del Renacimiento. Se formó con Cimabue. La obra
más antigua que se le atribuye son los frescos de la iglesia superior
de Asís, en concreto la Historia de San Francisco, si bien esta
atribución constituye uno de los problemas más debatidos de la
historia del arte ya que, aunque su presencia en Asís está
documentada hacia 1290, existen demasiadas diferencias estilísticas
entre esta obra y otras asignadas con seguridad al maestro.
En 1304 Giotto se trasladó a Padua para pintar los frescos que la
familia Scrovegni le encargó en una capilla de su propiedad, denominada de también
la Arena. Estos frescos, los únicos que se asignan con certeza al maestro, incluyen un
Juicio Final, una Anunciación y escenas de la Vida de la Virgen y de la Pasión de
Cristo, bajo los cuales figuran personificaciones de virtudes y vicios. La obra en su

19
conjunto denota una nueva concepción de la pintura, por la atención que presta el
artista tanto a la perspectiva como a la unificación del espacio, que acierta a integrar
las figuras con los elementos arquitectónicos. Realza la solemnidad y el dramatismo
que impregnan estas escenas el empleo de colores puros y matizados.
A partir de 1317 trabajó en Florencia en la decoración de dos capillas de la iglesia de
la Santa Croce. Las escenas de la Vida de San Francisco pintadas en la capilla Bardi
anuncian los ideales pictóricos del Quattrocento. La obra más relevante de los últimos
años de su vida fue el campanile de la catedral de Florencia, del que trazó los planos y
comenzó la construcción.
http://www.christusrex.org/www1/francis/ INICIO

GÓMEZ DE MORA, JUAN. (Arquitecto. 1586-1648): El Renacimiento italiano y la

obra de Juan de Herrera fueron las dos fuentes en las que se inspiró para sus
edificios, ordenados y dominados por la simetría, aunque enriquecidos con una mayor
profusión decorativa que los de sus modelos. Trabajó principalmente en Madrid, al
servicio de la corte, y fue uno de los grandes arquitectos del siglo XVII. Entre sus
obras maestras se encuentran el convento madrileño de la Encarnación, la Plaza
Mayor de Madrid, la Quinta de la Zarzuela y la Clerecía de Salamanca. Aunque las
líneas de sus obras son esencialmente clasicistas, por su tendencia al enriquecimiento
decorativo sus edificios se consideran transición al barroco.
http://www.bluffton.edu/~sullivanm/spain/madrid/plazamayor/plaza.html INICIO

GONZÁLEZ, JULIO. (Escultor y pintor. 1.876-1.942): Hijo y nieto de orfebres, esta

estrecha relación con las técnicas de metalistería y las artes aplicadas, influirá
grandemente en su carrera. Muy joven aún, realiza con éxito su primera exposición.
En París, adonde en 1900 se traslada su familia, se une al grupo de Picasso, al que ya
conocía de Barcelona. En esta época, sin abandonar su labor escultórica, cultiva
principalmente la pintura, actividad a la que una lenta evolución le hará renunciar
definitivamente. Trabaja en ambas ramas artísticas a la vez e inicia en la escultura sus
experiencias con metales forjados.
En 1910 comienza su verdadera carrera de escultor. Atraído por
la estética cubista, acusa esta tendencia en sus primeras
máscaras. A partir de 1927 emplea en sus trabajos distintos
metales, que considera adecuados al desarrollo de su nueva
concepción de las estructuras formales. En ellas trata de
sustituir la noción estática de masa por una sensación de
equilibrio dinámico nacido de las relaciones de fuerzas,
buscando una expresión cada vez más estilizada, sintética y
primitiva. Partiendo de la realidad del objeto, avanza
gradualmente por el dominio de la abstracción hasta llegar,
mediante la sustracción de lo accidental, a la esquematización
extrema de la forma. Introduce el empleo de los recortes
metálicos y la soldadura autógena y por estas experiencias
técnicas puede considerársele como un precursor de las corrientes escultóricas de
nuestros días. Destacan entre sus obras principales Campesina, La Montserrat y los
Hombres-cactus.
http://www.artcyclopedia.com/artists/gonzalez_julio.html INICIO

GOYA, FRANCISCO DE. (Pintor. 1.746-1.828): Pintor y grabador, Goya fue el artista
europeo más importante de su tiempo y el que ejerció mayor influencia en la evolución
posterior de la pintura, ya que sus últimas obras se consideran precursoras del
impresionismo. Aprendió de su padre el oficio de dorador, pero, decidido a dedicarse a
la pintura, se trasladó a Madrid para formarse junto a Francisco Bayeu. En 1775, se
estableció definitivamente en Madrid y Bayeu le proporcionó trabajo en la Real Fábrica
de Tapices, para la que realizó sesenta y tres cartones, en su mayor parte con
escenas idílicas y de la vida diaria, plasmadas con colores claros y vivos e
impregnadas de alegría y romanticismo.

20
 Simultáneamente, Goya empezó a pintar retratos y obras
religiosas que le dieron un gran prestigio, hasta el punto de
que en 1789 fue nombrado pintor de corte por Carlos IV. Diez
años más tarde, en 1799, pintó para el soberano el famoso
retrato La familia de Carlos IV, que se considera una de sus
obras maestras. Es un retrato oficial, formal en apariencia,
pero en el que el autor se permite cierta ironía al plasmar a los
personajes con un realismo crítico.
Goya trabajó como retratista no sólo para la familia real, sino
también para la aristocracia madrileña, y de hecho entre estos
retratos se encuentran algunas de sus obras más valoradas, como La condesa de
Chinchón o las famosas La maja vestida y La maja desnuda. En los retratos de Goya
destaca, en líneas generales, su atento estudio de las posturas y las expresiones, así
como los contrastes de luces y sombras que realzan la figura del protagonista.
Hacia 1799, el pintor concluyó una de sus grandes series de grabados, Los caprichos,
ochenta y dos aguafuertes que constituyen una crítica feroz de la sociedad civil y
religiosa de la época. En esta serie aparecen ya algunos personajes extraños y
macabros que acabarán protagonizando obras posteriores del maestro. Por esos
mismos años, Goya se ocupó de la decoración al fresco de la ermita de San Antonio
de la Florida, donde realizó una obra de gran impacto escenográfico.
En 1808, la invasión de España por las tropas napoleónicas colocó al artista en una
situación delicada, ya que mantuvo su puesto de pintor de corte con José Bonaparte.
Pese a todo, no se privó de plasmar los horrores de la guerra en obras como El 2 de
mayo y Los fusilamientos del 3 de mayo, que reflejan los acontecimientos de aquellas
fechas en Madrid. Además, en los sesenta y seis grabados de Los desastres de la
guerra (1810-1814), dio testimonio de las atrocidades cometidas por los dos bandos y
acentuó visualmente la crueldad de la guerra como protesta contra ella.
Por haber trabajado para José Bonaparte, el artista cayó en desgracia tras la
restauración de Fernando VII, y en 1815 se retiró de la vida pública. En 1819
experimentó una recaída en la misteriosa enfermedad que en 1792 lo había dejado
completamente sordo. Ello, unido a su nueva vida en soledad en la Quinta del Sordo,
casa solariega que había comprado poco antes, debió de contribuir a la exacerbación
imaginativa de que el artista dio muestras en la decoración de su nueva vivienda:
catorce murales de gran tamaño con predominio de los tonos marrones, grises y
negros, sobre temas macabros y terroríficos.
Estas obras, conocidas en la actualidad como Pinturas negras, han contribuido con el
paso de los años a la consolidación del reconocimiento del genio de Goya, tanto por
su originalidad temática como por su técnica pictórica de pincelada amplia y suelta. El
pintor se trasladó en 1824 a Burdeos, donde residió hasta su muerte sin dejar de
cultivar la pintura y el grabado. La lechera de Burdeos y algunos retratos ilustran la
evolución del genio hacia una concepción de los valores plásticos que anuncia el
impresionismo.
http://goya.unizar.es/ INICIO

GRECO, EL. (Doménicos Theotocópoulos; 1541-1614): Aunque nacido en Creta,

que en aquella época pertenecía a la República de Venecia, El Greco desarrolló su
peculiar estilo y la mayor parte de su trayectoria artística en España. Se formó en su
isla natal como pintor de iconos, antes de trasladarse a Venecia, donde conoció la
obra de Tiziano y Tintoretto, artistas que, junto con Miguel Ángel, fueron los que más
influyeron en su pintura.
A partir de 1570, tras una estancia de siete años en Roma, El Greco se trasladó a
Toledo para realizar un retablo para la iglesia de Santo Domingo el Antiguo. Llevaba
diez años en Toledo cuando Felipe II le encomendó una obra para el monasterio de El
Escorial; pero El martirio de san Mauricio no gustó al
soberano español, quien ya nunca volvió a contar con el
artista.
Ello supuso una decepción enorme para El Greco, ya que
aspiraba a convertirse en pintor de corte, pero no entorpeció

21
su carrera, puesto que era ya un pintor solicitadísimo tanto por los aristócratas como
por los eclesiásticos toledanos. No es de extrañar, por tanto, que su obra sea
extraordinariamente fecunda.
El Greco creó su peculiar estilo después de su establecimiento en Toledo,
seguramente influido por el fervoroso ambiente religioso de la ciudad. Sus figuras
alargadas, pintadas con pincelada fluida, parecen criaturas inmateriales, carentes de
solidez física e imbuidas de una intensa espiritualidad. A ello hay que añadir su paleta
originalísima, de colores fríos, que consigue efectos sorprendentes con los rojos, los
azules y en particular los blancos, de una rara intensidad y nitidez.
Aunque pintó sobre todo obras religiosas, se le deben también importantes retratos (El
caballero de la mano en el pecho). La obra más admirada de El Greco es El entierro
del conde de Orgaz, por el hecho de que se valió de este acontecimiento para dejar
constancia del momento en que le tocó vivir; para ello, dividió el cuadro en dos planos,
uno celestial en la parte superior y otro terrenal en la inferior, de tal modo que la obra
es al mismo tiempo un cuadro religioso y un retrato de grupo. El plano superior, el
celestial, no se aparta de sus restantes obras religiosas y presenta idéntico misticismo
y parecida intensidad dramática; la novedad se encuentra en el plano terrenal, donde
los principales personajes del Toledo de la época, incluidos el propio pintor y su hijo,
aparecen reproducidos con absoluta fidelidad.
De la producción religiosa de El Greco cabe destacar El Expolio de Cristo, El Bautismo
de Cristo, y diversos Apóstoles, en los que resulta admirable la expresividad de los
rostros y los ademanes. En los últimos años de su carrera pintó dos célebres Paisajes
de Toledo y un cuadro mitológico, Laocoonte, que sorprende por su temática, inusual
en la España del momento. Sobre un fondo de hermoso paisaje, las figuras de
Laocoonte y sus hijos se retuercen en su lucha contra las serpientes.
Máximo exponente del manierismo pictórico en España, El Greco es también la
primera figura de proyección universal de la pintura española y uno de los grandes
genios de la historia del arte.
http://www.geocities.com/SoHo/Museum/8225/
http://sangha.net/messengers/el-greco.htm#Links INICIO

GROPIUS, WALTER. (Arquitecto. 1.883-1.969): Nacido en Alemania, es una de las

figuras más importantes de todo el movimiento renovador de la arquitectura, que
estudió en Munich y Berlín. Desde 1910 hasta 1914 dirige su propia oficina de
arquitecto. En 1914 construye su primera gran obra personal, el pabellón de la
Werkbund en la Exposición de Colonia.
En 1919 Gropius fue nombrado en Weimar director de la Staatliches Bauhaus, que
después se trasladó a Dassau y acabó su vida en Berlín, donde fue clausurada por
Hitler en 1933. Gropius fue su director desde su fundación hasta el año 1928. Su figura
no puede separarse de la historia de esta excepcional institución educativa,
representativa del espíritu más progresista en materia de arte y educación de la
Alemania democrática. Personalidades capitales del arte de nuestro tiempo como Mies
van der Rohe, entre los arquitectos, o Kandinski y Klee, entre los pintores, fueron
profesores en la Bauhaus, donde se enseñaba arquitectura, escultura, pintura, teatro,
fotografía, metalistería, vidriería, mobiliario, cerámica, tipografía, textiles; en suma,
todo aquello que tuviera que ver con las artes plásticas y el
diseño.
En 1926 la Bauhaus fue trasladada a Dessau, lo que permitió a
Gropius construir el propio edificio de la Escuela, que se inauguró
en diciembre de 1926. Éste es el edificio más notable y
significativo de todos los que construyera en su vida, el que mejor
manifiesta su credo arquitectónico, convertido en un símbolo de
racionalismo arquitectónico. A pesar de su austeridad formal,
revela una libertad de composición extraordinaria y altamente
dinámica. No puede abrazarse, como una obra clásica, desde un
único punto de vista y es necesario recorrerlo para poder llegar a
su comprensión. El juego de volúmenes planos y transparencias
lo asimila a las preocupaciones estéticas del cubismo que podemos advertir en la obra

22
de Picasso. Por su racionalismo y funcionalismo sigue las máximas de su autor. En él
se rompe la vieja línea divisoria entre elementos monumentales y decorativos en aras
de una unidad indivisible.
En 1934, perseguido por el nazismo, se ve obligado a emigrar a Inglaterra, hasta que,
en 1937, es llamado a presidir la Facultad de Arquitectura de la Universidad de
Harvard, en Estados Unidos. Ahora puede, de nuevo, ocuparse en lo que siempre ha
sido su principal objetivo: la educación. A través de sus discípulos influye
poderosamente en la evolución de la arquitectura moderna de los Estados Unidos,
pero, por su espíritu permeable se deja influir a su vez por el medio americano, que
con sus tendencias orgánicas suaviza la rigidez exagerada de los esquemas
racionalistas.
En 1946 constituye una oficina de arquitectura en donde trabaja en equipo con
algunos de sus discípulos. En 1952 se jubila como decano de Harvard, aunque cada
vez hace viajes más frecuentes a Alemania, donde recibe los más altos homenajes y
es considerado como el gran patriarca de la arquitectura alemana.
http://www.bauhaus.de/english/index.htm INICIO

HAUSSMANN, GEORGE EUGÈNE DE. (Urbanista. 1.809–1.891): Abogado francés,

ejerció como subprefecto departamental bajo la Monarquía de Orleáns. Durante la
Segunda República apoyó a Napoleón III quien, proclamado emperador, le nombró
prefecto del departamento del Sena, cargo que conllevaba el gobierno de la capital.
Desde ese cargo, que ocupó entre 1853 y 1870, emprendió una
profunda remodelación de París, que dio a la ciudad su fisonomía
actual. Invirtió grandes sumas en modificar el trazado de las
calles, abriendo avenidas anchas y rectilíneas, que partieron el
laberinto de callejuelas del París antiguo: con ello buscaba
racionalizar y modernizar la capital, pero también facilitar la
represión de los movimientos populares, permitiendo el empleo
de la caballería y la artillería y dificultando el levantamiento de
barricadas como las que habían hecho triunfar la Revolución del
48. La reforma expulsó del centro de la ciudad a las clases
modestas, dando lugar a la construcción de viviendas burguesas, mientras las familias
trabajadoras se veían confinadas en los suburbios del norte y este, incorporados a la
ciudad en una vasta operación de ampliación. Toda esta actividad constructora dio
lugar a movimientos especulativos de los que no estuvo ausente la corrupción. La
oposición republicana hizo responsable a Haussmann de los efectos económicos,
sociales y políticos de sus reformas, criticándole ásperamente hasta que fue depuesto
por el gobierno en 1870.
http://gallery.sjsu.edu/paris/architecture/Haussman.html INICIO

HERRERA, JUAN DE. (Arquitecto. 1530-Madrid, 1593): Figura española del

Renacimiento, se interesó por todas las ramas del saber. Su “Discurso sobre la figura
cúbica” revela, por ejemplo, sus notabilísimos conocimientos de geometría y
matemáticas. En 1563 pasó a ser colaborador de Juan Bautista de Toledo en la
construcción de El Escorial y, a la muerte de éste en 1567, le sucedió en la dirección
de las obras. Este monasterio fue su gran realización y su apellido ha dado nombre a
un estilo, el herreriano, que siguieron destacados alarifes españoles, sobre todo en el
siglo siguiente. Herrera modificó y amplió los planos primitivos e intervino
decisivamente en la ornamentación interior de la iglesia y la traza de su fachada, así
como en la concepción de la fachada del monasterio. En estas obras se encuentran
las líneas maestras de su estilo, basado en la horizontalidad, la uniformidad
compositiva y una absoluta sobriedad en la decoración, que se reduce al empleo
ordenado de las formas constructivas y las líneas arquitectónicas. Antes de la
finalización de El Escorial en 1584, intervino en algunos proyectos, por ejemplo la
fachada sur del Alcázar de Toledo, pero su otra gran realización la comenzó en 1585;
se trata de la catedral de Valladolid, obra de gran envergadura para la cual el
arquitecto ideó una estructura de enorme complejidad pero que quedó inconclusa. La
obra de Herrera supuso toda una novedad en el panorama arquitectónico del

23
Renacimiento español, dominado por el decorativismo del plateresco y por las formas
italianizantes. Con sus realizaciones, el artífice creó una arquitectura singular que ha
dado imagen al reinado de Felipe II.
http://www.arsvirtual.com/monum/escorial.htm INICIO

HORTA, VÍCTOR. (Arquitecto. 1.861-1.947: Nacido en Bélgica, en los inicios de su

carrera, a partir de 1893, creó un lenguaje original, basado en el predominio de la línea
curva y en la integración entre elementos arquitectónicos y
decorativos, con el que se convirtió en uno de los pioneros y
principales representantes del modernismo arquitectónico. En
la casa Tassel, en Bruselas, su primera realización, se advierte
ya esta orientación estilística, que culminó en el hotel Solvay,
caracterizado por una original decoración diseñada por él
mismo e inspirada en motivos vegetales. Posteriormente
evolucionó hacia una mayor sobriedad y, tras una estancia en
Estados Unidos a comienzos del siglo XX, pasó a cultivar una
arquitectura purista con la que no logró tanto éxito como había
obtenido con sus edificios modernistas.
http://www.hortamuseum.be/ INICIO

HURTADO IZQUIERDO, FRANCISCO. (Arquitecto y escultor. 1.669-1.725):

Exponente temprano del rococó, se formó en la escultura de retablos. En 1693
empezó el camarín de Nuestra Señora de la Victoria en Málaga. Sus diversas obras en
Granada evidencian su gran capacidad creativa, destacando especialmente la
Sacristía de la Cartuja de dicha ciudad.
http://www.legadoandalusi.com/legado/contenido/rutas/monumentos/818.htm INICIO

ICTINOS. (Arquitecto. Segunda mitad del siglo V a.C.): Arquitecto griego,

contemporáneo de Pericles y coincidente, por tanto, con la época de mayor desarrollo
cultural y artístico de la ciudad de Atenas, en cuya acrópolis construyó, en
colaboración con Calícrates, el templo del Partenón, considerado el modelo de la
arquitectura clásica en estilo dórico.
http://harpy.uccs.edu/greek/parthenon.html INICIO

IMHOTEP. (Arquitecto. Siglo XXVII a.C.): Uno de los personajes más

importantes de toda la historia del antiguo Egipto. Ostentó innumerables
cargos, entre los que destacan los de visir del faraón Djeser (de la
tercera Dinastía), médico, administrador del palacio y gran sacerdote.
Por otra parte, como arquitecto, fue el constructor de la primera gran
pirámide, (la escalonada de Saqqara, con la que puede decirse que se
incia la arquitectura monumental egipcia). En virtud de sus trabajos y
sabiduría llegaría con el tiempo a ser deificado.
http://www.let.leidenuniv.nl/saqqara/homepage.htm INICIO

ISIDORO DE MILETO. (Arquitecto. S. VI): Arquitecto bizantino. Junto con Artemio de

Tralles, construyó la basílica de Santa Sofía de Constantinopla (537).
http://www.islamicarchitecture.org/architecture/hagia.sophia.mosque.html INICIO

JOHNS, JASPER. (Pintor. 1.930): Ha sido uno de los máximos

representantes del new-dada y del pop-art. Imágenes triviales y
objetos cotidianos son absorbidos por un contexto pictórico de
gran cromatismo, en el que es patente la huella del
expresionismo abstracto. Sobresalen sus creaciones sobre
banderas.
http://myclimatspainters.free.fr/johns.htm INICIO

JUNI, JUAN DE. (Escultor. H. 1.507-1.577): De origen borgoñón, se desconoce

prácticamente todo acerca de su período de formación, si bien por sus rasgos

24
estilísticos se supone que se formó en su Borgoña natal y que completó sus
conocimientos en una estancia en Italia. Lo seguro es que en 1533 trabajaba en León,
y que en lo sucesivo residió siempre en España (se le considera, de hecho, el gran
escultor español del siglo XVI, junto con Alonso Berruguete).
Fue un artista versátil, que trabajó indistintamente la madera y la piedra, el barro
cocido y el alabastro, y se dedicó por igual al retablo, la sepultura monumental y las
esculturas exenta y decorativa. Sus obras destacan de manera particular por su
acentuado dramatismo, que se deriva de los gestos exagerados de los personajes y
los acentuados escorzos, y también del tratamiento de los ropajes, que a menudo
adquieren gran volumen y se retuercen en pliegues y repliegues.
En 1540 se estableció en Valladolid, donde se conservan sus obras más admiradas,
en particular la Virgen de los Cuchillos, que constituye la culminación de su estilo
exaltador de los sentimientos, y el Santo Entierro del Museo Nacional de Escultura, del
cual existe otra versión la catedral de Segovia. De su producción restante, lo más
destacado es la decoración en piedra del convento de San Marcos de León y el
magnífico retablo mayor de la Antigua de Valladolid.
http://www.mne.es/espanol/principal.htm INICIO

JULIANO ARGENTARIO (Musivario y arquitecto. Siglo VI): Autor de los mosaicos

de Justiniano y Teodora en la Iglesia de San Vital de Ravena. Se le asigna también,
como arquitecto, la realización de la iglesia de San Apolinar in Classe, de la misma
ciudad.
http://www.vista.it/zoom/comra/web/dynamic.asp?din=comra-svitale1 INICIO

KANDINSKY, VASÍLI. (Pintor. 1.866-1.944): Pintor de origen ruso, nacionalizado

alemán y posteriormente francés. Kandinsky compaginó sus estudios de derecho y
economía con clases de dibujo y pintura. Al tiempo que se interesaba por la cultura
primitiva y las manifestaciones artísticas populares rusas, también descubrió la obra
de Rembrandt y Monet.
Cuando cumplió los treinta años, fue a estudiar pintura a Munich y conoció a Paul
Klee, con el que mantendría una prolongada amistad. Su interés por el color está
presente desde el comienzo de su carrera, y se puede apreciar en sus primeras
pinturas la influencia del postimpresionismo y el fauvismo.
Entre 1902 y 1907 Kandinsky realizó diferentes viajes a Francia, Países Bajos, Túnez,
Italia y Rusia, para instalarse finalmente en Murnau, donde pintó una serie de paisajes
alpinos. Por entonces se dio cuenta de que la representación del objeto en sus
pinturas era secundaria e incluso perjudicial y que la belleza de sus obras residía en la
riqueza cromática y la simplificación formal.
Este descubrimiento le condujo a una experimentación continuada que culminó, a
finales de 1910, con la conquista definitiva de la abstracción.
Kandinsky refundió la libertad cromática de los fauvistas con la
exteriorización del impulso vivencial del artista propuesto por
los expresionistas alemanes en una síntesis teñida de lirismo,
espiritualidad y una profunda fascinación por la naturaleza y
sus formas.
Entre 1910 y 1914 pintó numerosas obras que agrupó en tres
categorías: las impresiones, inspiradas en la naturaleza; las
improvisaciones, expresión de emociones interiores; y las
composiciones, que aunaban lo intuitivo con el más exigente
rigor compositivo. Estos cuadros se caracterizan por la
articulación de gruesas líneas negras con vivos colores y en
ellos se percibe todavía un poco la presencia de la realidad.
En 1911 fundó junto a Franz Marc y August Macke el grupo Der Blaue Reiter,
organizando diversas exposiciones en Berlín y Munich. Paralelamente a su labor
creativa, reflexionó sobre el arte y su estrecho vínculo con el yo interior en muchos
escritos, sobre todo en De lo espiritual en el arte (1910).
Al estallar la Primera Guerra Mundial, Kandinsky volvió a Moscú y allí emprendió
varias actividades organizativas en el marco del Departamento de Bellas Artes del

25
Comisariado Popular de la Educación. En 1921 se trasladó a Alemania para
incorporarse a la Bauhaus en la primera etapa de Weimar, donde continuaría como
profesor hasta poco antes de su disolución. Con la influencia del entorno de la
Bauhaus su obra experimentó una transición hacia una mayor estructuración, tanto
compositiva como formal, que se ha dado en llamar el período arquitectural de su
pintura, al cual siguió otro de transición en que experimentó con los trazos circulares y
concéntricos (Círculos, 1926). También publicó el libro Punto y línea sobre el plano.
En 1933, clausurada la Bauhaus por los nazis, el pintor se instaló en Francia. En esta
última etapa de su vida continuó en su particular búsqueda de formas inventadas, que
plasmó por medio de colores combinados de manera compleja e inspirándose en
signos geométricos y en motivos decorativos eslavos.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/kandinsky/ INICIO

KIRCHNER, ERNST LUDWIG. (Pintor y grabador. 1.880-1.938): De origen alemán,

fue miembro fundador en 1905 del grupo expresionista Die Brücke, con el que trabajó
hasta 1911, fecha de su traslado a Berlín. Entre las influencias de su
pintura es perceptible la huella del gótico alemán, lo mismo que en la
evolución posterior la de artistas como el noruego Munch, los fauves
franceses, Van Gogh e incluso Picasso, pero siempre con una
vigorosa personalidad y una fidelidad absoluta al expresionismo de su
primera época. Es peculiar de su pintura el colorido vigoroso, violento
incluso, y el dibujo recio en el que se aprecian similitudes con el
primitivismo africano. Su Strasse, Berlín (1913) es un cuadro típico de
su forma de hacer. En Suiza, donde se estaba tratando de un
desequilibrio nervioso, se suicidó cuando las autoridades nazis en
Alemania condenaron su pintura como «decadente».
http://www.museothyssen.org/museovirtual/fichas/fichaautor.asp?codigo=177&IdAutor=
409 INICIO

LACER, CAYO JULIO. (Arquitecto. Fines siglo I – Comienzos siglo II): Romano,
autor del Puente de Alcántara (Cáceres), sobre el río Tajo. Fue enterrado en un
templete edificado en una de las salidas del puente.
http://www.terra.es/personal6/estherdurant/ INICIO

LE BRUN, CHARLES. (Pintor. 1619-1690): Nacido en Francia, fue

nombrado pintor del rey y director y organizador de las obras de
Versalles, palacio en el que llevó a cabo la decoración pictórica de
la galería de los Espejos, en la que relato las victorias de Luis XIV,
con una concepción monumental y didáctica de la pintura, a veces
de magnitudes épicas.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/le-brun/ INICIO

LE NÔTRE, ANDRÉ. (Arquitecto y diseñador de jardines. 1613-1700): Nacido en

Francia, aprendió todo lo referente al arte de la jardinería de su
padre y su abuelo, famosos jardineros reales, aunque se formó
también como arquitecto y pintor. En 1637 sucedió a su padre en
el cargo de jardinero real, llegando a convertirse en uno de los
diseñadores de jardines más famosos de todos los tiempos. De
las numerosas obras que realizó su gran creación fue los jardines
de Versalles, donde impuso una concepción geométrica conocida
más tarde como jardín francés y muy imitada hasta el siglo XVIII,
cuando apareció el jardín inglés. Los jardines de Le Nôtre, de
concepción monumental, se caracterizan por composiciones
variadas en las cuales se combinan parterres geométricos, flores, fuentes y esculturas.
http://www.chateauversailles.fr/ INICIO

LEONARDO DA VINCI. (Pintor. 1.452-1.519): Este italiano representa el modelo más

acabado del hombre del Renacimiento. Se formó como artista en Florencia, en el taller

26
de Verrochio; pero gran parte de su carrera se desarrolló en otras ciudades italianas
como Milán o Roma. Aunque practicó las tres artes plásticas, no se ha conservado
ninguna escultura suya y parece que ninguno de los edificios que diseñó llegó a
construirse.
Es la obra pictórica de Leonardo la que le ha hecho destacar como un personaje
cumbre en la historia del arte, debido a una veintena de cuadros conservados, entre
los cuales destacan La Gioconda, La Anunciación, La Virgen de las Rocas y La Santa
Cena. Son composiciones basadas en la perfección del dibujo y en las que la
gradación del color contribuye a completar el efecto de la
perspectiva. En ellas introdujo la técnica del sfumato, que
consistía en prescindir de los contornos nítidos de la pintura del
Quattrocento y difuminar los perfiles envolviendo las figuras en
una especie de neblina característica.
Interesado por todas las ramas del saber y por todos los
aspectos de la vida, los apuntes que dejó Leonardo (escritos de
derecha a izquierda y salpicados de dibujos) contienen también
incursiones en otros terrenos artísticos, como la música o la
literatura. Según su criterio no debía existir separación entre el
arte y la ciencia, como no la hubo en sus investigaciones,
dirigidas de forma preferente hacia temas como la anatomía
humana, la zoología, la geología, la astronomía, la física o la ingeniería.
Sin embargo, el genio de Leonardo le encaminó a tal cantidad de objetivos diferentes
que muchos de los proyectos que emprendió quedaron inacabados cuando otros
nuevos atrajeron su interés; y, en cuanto a los inventos, se limitó a concebir ideas
útiles, pero no se esforzó por plasmarlas en modelos viables.
http://www.mos.org/leonardo/
http://www.leonardo.net/ INICIO

LE BARON JENNEY, WILLIAM. (Arquitecto. 1.832-1.907): Nacido en los EE.UU.,

estudia en la Escuela Politécnica de París. Durante la guerra de Secesión trabaja
como ingeniero militar y adquiere una experiencia que utiliza
después como arquitecto. La construcción del Home Insurance
Building (1883-1885) le convierte en el primer arquitecto americano
moderno. La fachada del edificio, recubierta de albañilería –útil
contra el fuego-, está disociada de su estructura metálica de
sostén. En 1890 proyecta el Manhattan Building: dieciséis pisos y
setenta y dos metros de altura que marcan el comienzo de los
rascacielos. Poco después construye el Sears, Roebuck &
Company Building, uno de sus edificios más conocidos.
http://www.archinform.net/arch/1175.htm?ID=6O70uhVvdPr575xV
INICIO

LE CORBUSIER. (Charles-Édouard Jeanneret. Arquitecto. 1.887-1.965): Francés

de origen suizo, su vasta obra de arquitecto, pintor y escritor fue decisiva en la
revolución artística que, después de la I Guerra Mundial, conformó el curso futuro de la
arquitectura. Después de realizar los primeros trabajos arquitectónicos, se concentró
en la pintura, y creó el «purismo» como una reacción contra el cubismo y la
continuidad de éste. Luego continuaría pintando durante el resto de su vida y realizaría
un considerable número de obras. Diseñó también tapices y, a partir de 1945, hizo
esculturas de madera. Fue un escritor prolífico. En 1950 publicó el Modulor, un sistema
para obtener proporciones correctas a escala humana, que empleó en sus últimas
edificaciones.
En 1922 había abierto un estudio de arquitectura en París. Este período fue un
torrente continuo de importantes realizaciones. Entre éstas se incluyen casas
individuales, salas de exposiciones, el pabellón suizo en la Ciudad Universitaria de
París y, en colaboración con otros, el ministerio de Educación y Salud Pública en Río
de Janeiro. Con el empleo integral del hormigón armado, entonces un material nuevo,

27
y la aplicación a su obra de nuevos conceptos plásticos y espaciales, sugeridos en
parte por los pintores contemporáneos, llegó en esos años a creaciones que estaban
ciertamente en la vanguardia del desarrollo arquitectónico y urbanístico.
Después de la II Guerra Mundial, cuando ya se hallaba en
sus años de madurez, tuvo oportunidades de diseñar y
construir en mayor proporción que lo había hecho antes.
Surgen sus grandes bloques de apartamentos (unités
d'habitation); sus iglesias, en las que se incluye la de
Ronchamp, con su estilo que señaló un decisivo cambio en la
arquitectura de mediados del siglo XX; sus edificios de
Chandigarh, nueva capital del estado indio de Punjab que él
planificó enteramente; sus construcciones en Ahmedabad, Tokio y Firminy; y el
monasterio de La Tourette. Estos proyectos muestran una inextinguible capacidad de
imaginación y una incansable preocupación por mantener una equilibrada y perfecta
interacción entre los volúmenes conjuntados y la luz. Esta refinada interrelación de luz,
sombra y espacio es la que marca esencialmente la arquitectura de Le Corbusier.
http://www.fondationlecorbusier.asso.fr/ INICIO

LE VAU, LOUIS. (Arquitecto. 1612-1670): Fue el más destacado arquitecto francés

del siglo XVII, en particular desde que en 1655 fue nombrado arquitecto y consejero de
Luis XIV. Con anterioridad había realizado algunas mansiones parisinas, en las que se
aprecia ya su gusto por la arquitectura escenográfica. Al servicio del rey, su primera
gran realización fue el castillo de Vaux-le-Vicomte, donde los planteamientos
constructivos del arquitecto triunfaron plenamente, dado que a continuación se le
encomendó la construcción del palacio de Versalles. De este último realizó el bloque
central, con la fachada sobre el parque y las dos alas sobre el patio. Un sentido
grandioso y volumétrico propio de la arquitectura barroca preside la concepción de
estas obras, al igual que su intervención en el diseño del Louvre.
http://www.vaux-le-vicomte.com/ INICIO

LISIPO. (Escultor, H. 360 a.C. - H. 305 a.C.): Fue uno de los escultores más famosos
de la Grecia clásica y precursor del estilo helenístico. De sus numerosas obras no se
ha conservado ninguna, pero se conocen algunas a través de copias helenísticas y
romanas. Su obra más famosa es el Apoxiómeno, un atleta que se limpia el cuerpo
con el estrígilo, y que ejemplifica uno de sus rasgos estilísticos más característicos:
una mayor profundidad espacial, conseguida en este caso mediante la proyección de
los brazos hacia adelante. El acentuado realismo de sus estatuas, otra de sus
singularidades, se advierte en el Hércules Farnesio. Las figuras de Lisipo son siempre
altas y esbeltas, ya que sustituyó el canon de Policleto por uno nuevo, en el que la
cabeza representa una octava parte de la altura del cuerpo.
http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc17.html INICIO

LOUP, JEAN LE. (Arquitecto, mediados s. XIII): Francés, participó en la dirección de

las obras de la Catedral de Reims, correspondiéndole el trazado del transepto y los
primeros tramos de las naves del templo.
http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO

MACHUCA, PEDRO. (Arquitecto y pintor. 1.490-1.550): Se formó en Italia, donde

se relacionó con Miguel Ángel y Rafael. Esta circunstancia hizo de él un caso
excepcional en la España de su tiempo, ya que cultivó en arquitectura un estilo
italianizante, de líneas severas y puras, muy alejado del estilo plateresco por entonces
en boga. Desde 1520 residió en Granada, donde realizó sus obras más importantes,
en particular el palacio de Carlos V en la Alhambra y la Puerta de las Granadas,
también en el recinto del palacio nazarí. Fue más brillante como arquitecto que como
pintor, pero en este campo desplegó una amplia actividad con obras religiosas de
estilo manierista.
http://www.moebius.es/ggranada/alhambra/carlos.htm INICIO

28
MAGRITTE, RENÉ: (Pintor. 1.898-1.967). Nacido en Bélgica, durante un primer
período su obra estuvo fuertemente influida por la figura de De Chirico y por la
atmósfera misteriosa de sus pinturas. Más tarde
entró en contacto con la vanguardia parisina del
momento, presidida por André Breton, y comenzó a
desarrollar un surrealismo que iría evolucionando
con los años hacia un estilo muy personal, cuyos
símbolos giran con frecuencia alrededor de la
relación entre el lenguaje y sus objetos. Son
habituales en sus cuadros los juegos de
duplicaciones, ausencias y representaciones dentro
de representaciones. Una de sus obras más
representativas es Esto no es una pipa, (1.928),
cuyo entramado de remisiones entre texto e imágenes parece incapaz de hallar ningún
objeto real.
http://interiors.intendo.net/
http://www.mcs.csuhayward.edu/~malek/Java/Magritte.html INICIO

MANSART, JULES HARDOUIN. (Arquitecto. 1646-1708): Fue

el arquitecto preferido de Luis XIV, quien le encargó la ampliación
del palacio de Versalles (e el que construyó la galería de los
Espejos, la Orangerie, la columnata del parque, la iglesia de
Nuestra Señora y el Gran Trianón). Llevó a cabo también la
iglesia del hospital de los Inválidos y puntuales intervenciones
urbanísticas e la capital francesa, como la plaza Vendôme, que
resultan claros exponentes del solemne clasicismo francés.
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=57 INICIO

MARTÍN, MAESTRO. (Arquitecto. Primera mitad s. XIII): Primer director de las

obras de la Catedral de Toledo, iniciadas en el año 1.227.
http://www.architoledo.org/catedral/ INICIO

MARC, FRANZ. (Pintor. 1.880-1.916): Nacido en Alemania, realizó estudios de

filosofía y teología. Desde 1906 comenzó a estudiar la anatomía de los animales
detalladamente, labor a la que consagraría toda su carrera artística. Para Marc los
animales encarnan la belleza pura y es a través de la naturaleza como se busca la
espiritualidad.
En 1910 coeditó con W. Kandinsky el primer ejemplar de Der
Blaue Reiter, publicación que dio nombre a un grupo artístico cuyos
miembros matizarían el primer expresionismo alemán con
características que les acercarían a la abstracción. En un primer
período, su obra fue plenamente figurativa, aunque más adelante
su trabajo se vería afectado por el cubismo, lo que le llevaría a la
fragmentación de planos en la que animales y entornos se
entrelazan entre sí.. Esta investigación le condujo hacia una mayor
complejidad constructiva, favoreciendo la abstracción y reduciendo
su interés por la viveza cromática tan característica de sus
anteriores pinturas.
http://hs.riverdale.k12.or.us/~dthompso/art/marc/ INICIO

MARTÍNEZ MONTAÑÉS, JUAN. (Escultor. 1.568-1649): Es una figura sobresaliente

de la escultura en madera policromada, que alcanzó gran desarrollo en la España de
los siglos XVI-XVII, y que respondió al ambiente de piedad y
devoción característico de la Contrarreforma. Martínez Montañés
fue la cabeza visible de la escuela andaluza o sevillana. Llevó a
cabo una producción vastísima, religiosa en su totalidad con la
única excepción de un busto perdido de Felipe IV. El Cristo de la
Clemencia y La Inmaculada Concepción de la Catedral de Sevilla

29
se cuentan entre sus estatuas más admiradas. Pero su obra maestra es el retablo
mayor del monasterio de San Isidoro del Campo, en Santiponce, que incluye las
magníficas figuras orantes de Alonso Pérez de Guzmán el Bueno y doña María Alonso
Coronel. Su obra influyó en escultores como Alonso Cano y Juan de Mesa, de quienes
fue maestro, y también en los principales pintores de la escuela sevillana del siglo
XVII, entre ellos Velázquez y Zurbarán.
http://www.ctv.es/USERS/ags/00013mm_.htm
INICIO

MARTINI, SIMONE. (Pintor. H. 1285-1344): Nacido en Siena, fue el mejor intérprete

del estilo gótico en la pintura italiana. Debió de formarse en
el círculo de Duccio, pero mostró un gran interés por los
efectos de perspectiva, reflejo de las tendencias vigentes en
la época. Su estilo apenas evolucionó a lo largo de toda su
vida, desde su primera obra documentada, el gran fresco de
la Majestad del Palacio Público de Siena. Hizo un uso
decorativista de la línea y del color, y creó composiciones
elegantes y amables, imbuidas de armonía y refinamiento.
Entre 1319 y 1325 ejecutó varias obras religiosas para
iglesias, y en 1328 realizó el retrato del condotiero
Guidoriccio da Fogliano en el Palacio Público de Siena, un
retrato ecuestre en el que destaca la figura grandiosa y solitaria del condotiero sobre
un fondo de paisaje difuminado; la modernidad de esta obra ha llevado, en fechas
recientes, a discutir su atribución a Martini, por considerarla de época posterior. De
1333 data la famosísima Anunciación, en la que se ha querido ver la síntesis de su
estilo delicado. En la misma época se fechan los frescos sobre la Vida de San Martín
en la iglesia inferior de Asís.
http://cgfa.sunsite.dk/martini/ INICIO

MASACCIO. (Tommaso di Giovanni di Mone Cassai. Pintor. 1.401-1.428): Pintor

italiano, su carrera artística es interesante por la relación entre la brevedad de su vida
y la importancia de sus creaciones y por su aportación decisiva al Renacimiento, ya
que fue el primero en aplicar las reglas de la perspectiva científica.
Masaccio se trasladó a Florencia cuando aún era muy joven, y en 1422 figuraba
inscrito en el gremio de pintores de esta ciudad. Nada se sabe de
con quién se formó. Su primera obra documentada, el tríptico de
San Juvenal, es una creación que supera plenamente el gótico.
En el posterior políptico para el Carmine de Pisa (1426), la
composición a base de pocas figuras esenciales y la plasmación
natural de la luz definen su estilo, que se despliega plenamente
en su obra maestra: el ciclo de frescos sobre la Vida de San
Pedro y la Expulsión del Paraíso, que pintó para la capilla
Brancacci de Santa Maria del Carmine, en Florencia. Las figuras
de Adán y Eva expulsados del Paraíso son prototípicas de la
concepción que Masaccio tenía de la pintura, basada en la masa
y el volumen de las figuras, en una única fuente de luz y en la representación de la
perspectiva. La importancia de estos frescos fue tal que todos los grandes pintores
posteriores, incluidos Leonardo, Rafael y Miguel Ángel, los estudiaron. Probablemente,
en 1428, Masaccio realizó su última obra: un fresco de la Trinidad en Santa Maria
Novella, que ha pasado a la posteridad como un ejemplo emblemático de perspectiva
y composición. Poco después de acabar esta pintura, Masaccio se trasladó a Roma,
donde murió de repente.
http://www.masaccio.it/ INICIO

MATEO, MAESTRO. (Escultor. H. 1.250-H. 1.220): Arquitecto y escultor, cuya

actividad artística se localiza únicamente en Galicia, destacando el pórtico de la Gloria
de la Catedral de Santiago de Compostela, una de las obras fundamentales del arte
medieval español.

30
http://www.fbarrie.org/fundacion/webcoro/inicio.htm
http://www.archicompostela.org/Catedral/Por-Gloria.html INICIO

MATISSE, HENRI. (Pintor. 1.869-1.954): Nacido en Francia, le cabe, como figura

central del movimiento pictórico de los fauves, la gloria de haber inaugurado el arte
moderno del s. XX. Abandonó la carrera de derecho para entrar
en la Escuela de Bellas Artes de París. Falto de dinero, se costeó
sus estudios copiando antiguos maestros en el Louvre. En 1897
conoció a Pissarro, quien, le animó a que probara la pintura
impresionista. Con este impulso, estudió al inglés Turner, cuyos
paisajes de nieve, concebidos según una nueva técnica, habían
influido en Pissarro y Monet hasta el punto de señalarles el
camino que luego seguiría el impresionismo francés.
En este tiempo conoció también a André Derain. Ambos
descubrieron a Cézanne, al que Pissarro y Manet declararon una
guerra fría. Las «feas» pinturas de Cézanne no agradaban a los impresionistas, que
veían en él un obstáculo para la aceptación total de su movimiento artístico.
Vollard, traficante en cuadros, en 1904 ofreció a Matisse una exposición de los
cuadros distorsionados, asombrosamente nuevos, en que Matisse trabajaba y, al año
siguiente, los llevó al Salón de Otoño, en el que Matisse y otros jóvenes
experimentadores, especialmente Derain, Vlaminck y Rouault, se ganaron el
sambenito de fauves (bestias salvajes).
De este movimiento había de nacer tres años más tarde el cubismo de Picasso y
Braque, aunque Matisse no quiso saber nada de este estilo. Fue él quien bautizó a la
nueva herejía al tildar de «cubista» a uno de los cuadros de Braque.
Matisse, al contrario que Picasso, un genio más inquieto, no quiso inventar y
desarrollar nuevos «ismos». Aunque no dejó de trabajar, siguió pintando según el
estilo que ya definiera en 1905.
http://www.matissepicasso.org/ INICIO

MESA, JUAN DE. (Escultor. 1.583-1.627): Se formó en el taller de Martínez

Montañés. Abandonó el clasicismo de su maestro en favor de un estilo realista e inició
un barroquismo caracterizado por un perspicaz sentido del dramatismo. Su obra más
notable es Nuestro Padre Jesús del Gran Poder.
http://www.arrakis.es/~nautylus/imagineros/jmesa.htm INICIO

MIES VAN DER ROHE, LUDWIG. (Arquitecto. 1.886-1.969): Nacido en Alemania, en

1900 empezó a trabajar en el taller de su padre, que era cantero, y en 1905 se
trasladó a Berlín, donde conoció a Walter Gropius y Le Corbusier, que son, junto con él
mismo y el estadounidense, F. Ll. Wright, los mayores arquitectos del siglo XX.
Inicialmente se orientó hacia la arquitectura neoclásica, pero un viaje a los Países
Bajos en 1912 le llevó a cambiar sus intereses. Tras el paréntesis de la Primera
Guerra Mundial, se adhirió a diversos movimientos de vanguardia y empezó a realizar
proyectos revolucionarios, como el destinado a un edificio de oficinas en Berlín,
constituido por dos torres de veinte pisos unidas por un núcleo central para escaleras y
ascensores. Durante este período se relacionó con algunos de los artistas más
avanzados del momento, como Tristán Tzara. A partir de 1926 llevó ya a cabo obras
de cierta envergadura, como la casa Wold en Guben, toda de ladrillo.
A raíz de estos proyectos, se convirtió en un arquitecto de
prestigio y empezó a recibir encargos oficiales. Su consagración
se produjo en 1929, cuando realizó el pabellón de Alemania
para la Exposición Internacional de Barcelona, considerado su
obra maestra y una de las obras arquitectónicas más influyentes
del siglo XX. Su enorme simplicidad y la continuidad de los
espacios, que parecen no tener principio ni fin, son sus
cualidades más admiradas. En la misma línea realizó algunas
otras obras, caracterizadas por el uso de los nuevos materiales
de construcción (cemento armado, acero y vidrio) y una gran

31
simplicidad, que lleva a dejar las estructuras desnudas y a dotarlas de formas casi
lineales en las que se cifra la creación de belleza.
Tras dirigir la Bauhaus de 1930 a 1933, la evolución de los acontecimientos en
Alemania le obligó a emigrar a Estados Unidos, donde fue nombrado director de la
facultad de arquitectura del Illinois Technology Institute de Chicago (1938), para el que
proyectó un nuevo campus que, una vez finalizado, extendió su fama por todo el país.
En lo sucesivo le llovieron los encargos y trabajó fundamentalmente en la capital de
Illinois, donde llevó a sus últimas consecuencias los postulados de la escuela de
Chicago. En 1958-1959 puso broche de oro a su carrera con el famosísimo Seagram
Building de Nueva York, del que se dice que es el rascacielos más hermoso en vidrio
ahumado y aluminio.
http://www.miesbcn.com/ http://whitney.org/mies/ INICIO

MIGUEL ÁNGEL. (Michelangelo Buonarrotti. Escultor, pintor y arquitecto 1.475-

1.564): Habitualmente se reconoce a Miguel Ángel como la gran figura del
Renacimiento italiano, un hombre cuya personalidad artística dominó el panorama
creativo del siglo XVI. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel
Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados
extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las
realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede
atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor
físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las
obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables.
La vida de Miguel Ángel transcurrió entre Florencia y Roma,
ciudades en las que dejó sus obras maestras. Aprendió pintura
en el taller de Ghirlandaio y escultura en el jardín de los
Médicis, que habían reunido una excepcional colección de
estatuas antiguas.
En 1496 se trasladó a Roma, donde realizó dos esculturas que
lo proyectaron a la fama: el Baco y la Piedad de San Pedro.
Esta última, su obra maestra de los años de juventud, es una
escultura de gran belleza y de un acabado impecable.
Al cabo de cinco años regresó a Florencia, donde recibió
diversos encargos, entre ellos el David, el joven desnudo de
cuatro metros de altura que representa la belleza perfecta y
sintetiza los valores del humanismo renacentista.
En 1505, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que esculpiera su tumba; Miguel Ángel
trabajó en esta obra hasta 1545 y sólo terminó tres estatuas, el Moisés y dos Esclavos;
dejó a medias varias estatuas de esclavos que permiten apreciar cómo extraía de los
bloques de mármol unas figuras que parecían estar ya contenidas en ellos. Julio II le
pidió también que decorase el techo de la Capilla Sixtina, encargo al que Miguel Ángel
se resistió, puesto que se consideraba ante todo un escultor, pero que se convirtió en
su creación más sublime. Alrededor de las escenas centrales, que representan
episodios del Génesis, se despliega un conjunto de profetas, sibilas y jóvenes
desnudos, en un todo dominado por dos cualidades: belleza física y energía dinámica.
En 1516, regresó a Florencia, donde proyectó dos obras magistrales: la Biblioteca
Laurenciana y la capilla Medicea o Sacristía Nueva. Ambas realizaciones son en el
aspecto arquitectónico herederas de la obra de Brunelleschi, aunque la singular
escalera de acceso a la biblioteca, capaz de crear un particular efecto de
monumentalidad en el escaso espacio existente, sólo puede ser obra del genio de
Miguel Ángel. La capilla Medicea alberga dos sepulturas que incluyen la estatua del
difunto y las figuras magistrales del Día, la Noche, la Aurora y el Crepúsculo.
En 1534, Miguel Ángel se estableció definitivamente en Roma, donde realizó el fresco
del Juicio Final en la capilla Sixtina y supervisó las obras de la basílica de San Pedro,
en la que modificó planos y diseñó la cúpula, que es obra suya.
http://www.michelangelo.com/buonarroti.html
http://www.christusrex.org/www1/sistine/0-Tour.html INICIO

32
 MILLET, JEAN FRANÇOIS. (Pintor. 1.814-1.875): Nació en una familia de
campesinos de Normandía y, gracias a una beca, pudo estudiar
pintura en París. Sus primeros retratos y cuadros mitológicos
nada tienen que ver con sus posteriores obras de tema
campesino, en las que se enaltece la vida y las ocupaciones
diarias de las gentes que trabajan en el campo. La primera de
estas creaciones, a las que está indisolublemente unido el
nombre de Millet, fue El cribador, al que siguieron Las
espigadoras, El Ángelus, sin duda su obra más conocida, y El
sembrador, cuadros todos ellos de figuras humanas definidas
con vigor sobre un fondo de paisaje verídico. Con estas
creaciones imbuidas de un profundo sentido de lo cotidiano,
abrió el camino al realismo pictórico y dejó un modelo en el que se inspiró, entre otros,
Courbet. En 1849, se estableció en Barbizon, donde permaneció el resto de su vida.
Aunque propiamente no perteneció a la famosa escuela de pintores de Barbizon, sí
encarnó, como ellos, el deseo de huir de la vida urbana. A partir de 1863 se dedicó con
mayor intensidad al paisaje (La primavera, El crepúsculo). En 1859, El Ángelus le
reportó la fama y la fortuna que no había logrado con sus obras anteriores, y ello le
supuso salir por primera vez de la pobreza. Pintores como Van Gogh y Pissarro se
inspiraron en sus obras, y en Estados Unidos gozó de gran popularidad.
http://www.artcyclopedia.com/artists/millet_jean-francois.html INICIO

MIRÓ, JOAN. (Pintor. 1.893-1.983). Pintor, escultor, grabador y ceramista, estudió

comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que
una enfermedad le obligó a retirarse. De regreso a Barcelona,
ingresó en una Academia de Arte y conoció las últimas
tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo
dominada por un expresionismo formal con influencias
fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y
desnudos.
Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso y a algunos
miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Su
pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la
forma, con una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo
temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre
onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría
toda su trayectoria posterior.
Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra
inquietudes propias de dicho movimiento. La otra gran influencia de la época vendría
de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la
recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos.
En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus cuadros, lo
que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra. Durante estos años el
artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su
obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de
pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una
marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas y
poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los ballets Rusos de Diaghilev (1929).
Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y
abstracción conceptual.
La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento y
evasión ensoñadora, que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada
serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana
tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el
retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta
especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en
1956 construyó un estudio.

33
Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona
(1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica. En las décadas de
1950 y 1960 realizó varios murales de gran tamaño para la sede de la UNESCO en
París, la Universidad de Harvard y el aeropuerto de Barcelona; a partir de ese
momento y hasta el final de su carrera alternaría la obra pública de gran tamaño
(Dona i ocell, escultura), con el intimismo de sus bronces, collages y tapices.
http://www.bcn.fjmiro.es/
http://miro.palmademallorca.es/espanol/index.htm INICIO

MIRÓN. (Escultor. Siglo V a.C.): Nacido en Eleutera (Grecia), fue exponente del
llamado estilo severo y precursor de los grandes maestros del clasicismo pleno.
Desarrolló su actividad, entre el 470 y el 440 a.C., en Atenas. Sólo se le han podido
asignar con certeza tres obras, conocidas por copias romanas: el Discóbolo, el grupo
de Atenea y Marsias y el Anadumenos. Las dos primeras son emblemáticas del estilo
de Mirón, centrado en la plasmación del movimiento a través de las tensiones del
cuerpo. El Discóbolo, que está captado en el instante anterior a la realización de un
movimiento violento, constituye un ejemplo magistral de equilibrio dinámico: el brazo
derecho y la pierna izquierda insinúan el movimiento; el brazo izquierdo y la pierna
derecha sugieren equilibrio. Estas obras, de figuras estáticas, en las que se adivina el
movimiento, hacen que Mirón sea considerado un artista adelantado a su tiempo, que
buscaba superar la inmovilidad característica del estilo arcaico.
http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc12.html INICIO

MNESIKLÉS (Arquitecto. Siglo V a.C.): Autor griego, conocido por el proyecto de los
Propileos de la Acrópolis de Atenas (432 a.C.), de la misma época del Partenón. Ha
sido también identificado como el autor del Erecteion, en orden jónico, y de la stoa de
Zeus en el ágora de la ciudad de Atenas.
http://www.virtualbritain.org/movies/acropolis_tour2_FS.html# INICIO

MONET, CLAUDE. (Pintor. 1.840-1.926): Pintor francés, considerado el jefe del

movimiento impresionista de rebeldía contra la tradición académica de los siglos XVIII
y XIX. Empezó a interesarse por el arte a edad temprana y en 1856 expuso su primer
cuadro. Su éxito afirmó su resolución de dedicarse a la pintura. Se trasladó a París
para estudiar, conociendo a Renoir, Sisley y Bazille, que habían de ser sus amigos y
compañeros de impresionismo durante toda su vida.
Monet había estado investigando nuevas técnicas pictóricas, pero sólo cuando vio el
famoso Déjeuner sur l'herbe de Manet se afilió a la escuela que más tarde había de
conocerse con el nombre de impresionismo. Sus amigos, entre los que se contaban
también Cézanne y Pissarro, constituyeron el núcleo de un grupo que luchó contra el
tradicionalismo de los círculos artísticos parisinos. En esta época empezó a pintar del
natural y tomó cuerpo su fascinación por las cualidades efímeras
de la luz y el aire. El primero de sus cuadros en que aflora la
delicadeza que había de informar su obra posterior fue Mujeres
en el jardín.
Monet vivió algún tiempo en Holanda, aunque después se
trasladó a Inglaterra. En este país sufrió la influencia de Turner y,
a partir de esa época, pintó paisajes casi exclusivamente. Al
volver a París, el grupo impresionista se reunió de nuevo e hizo
una exposición de sus obras. Esta exposición dejó consternado al
público parisino. Incluso los paisajes de Monet fueron tachados
de puros pintarrajos. De 1874 a 1888, Monet siguió trabajando en
sus cuadros de luz y aire, sin afectarle el desprecio con que era
acogida su obra.
En 1889 el público comenzó a apreciar el arte de Monet y los demás impresionistas.
Monet empezó sus Meules, 15 estudios de escenas de cosecha bajo todos los
aspectos de la luz del sol. A estos estudios siguió su empresa más ambiciosa: las
pinturas de la fachada de la catedral de Ruán. Esa serie de cuadros, que comenzó en
1893, representa la fachada en 20 momentos distintos del día, desde el turbio

34
amanecer hasta el crepúsculo encendido de colores. Cuando estuvieron terminados,
causaron sensación en París. Monet subordinó los detalles de la fachada al aire
circundante y los cuadros parecían no tanto pinturas de un edificio como pinturas del
sol y la luz al reflejarse en una superficie.
El éxito obtenido con esta serie estimuló a Monet, que continuó sus estudios en
Londres y Venecia. Le interesaba grandemente la pintura del agua. El río Támesis, gris
bajo las nieblas londinenses, es el tema principal de su cuadro Londres: el Parlamento.
En la primera década del siglo XX recibió por fin el reconocimiento que se le negara en
sus años juveniles y sus cuadros colgaron en numerosos museos. Al igual que ocurrió
con La catedral de Ruán, su última gran obra fue una serie de estudios de un
estanque: Nenúfares. Monet, que entonces tenía 73 años, estaba bajo la amenaza de
perder la vista, pero continuó su trabajo durante 12 años hasta conseguir terminarlo.
Cuando lo completó, las cataratas casi le habían dejado ciego. Murió a los 86 años.
http://giverny.org/monet/welcome.htm INICIO

MONTAGUT, BERENGUER DE. (Arquitecto. S. XIV): Autor catalán cuya obra más
conocida es la iglesia de Santa María del Mar, en Barcelona. Se le relaciona también
con construcciones de Manresa y con diversas intervenciones en la catedral de Palma
de Mallorca. Llevó al extremo las tendencias características del gótico catalán, ya que
sus construcciones son excepcionalmente amplias, con una aversión a la
compartimentación hasta el punto que sus iglesias, todas de tres naves, parecen
querer conseguir el espacio unitario de la nave única. Es constante en él la austeridad
extrema de las diversas estructuras arquitectónicas: pilares octogonales desnudos y
sin molduras, paredes planas, pocos elementos decorativos, etc., La separación entre
pilares de sus iglesias es de las más grandes de todo el gótico europeo.
http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc37b.html INICIO

MUNCH, EDVARD. (Pintor. 1.863-1.944): Noruego, tuvo una infancia muy difícil, de la
que surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo
consideraba la base de su genio. En 1885 llevó a cabo el primero de sus numerosos
viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió
especialmente atraído por el arte de Gauguin. No tardó en crear un estilo sumamente
personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su
expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de
ahí su clasificación como pintor simbolista. De 1892 a 1908 vivió en Alemania, sobre
todo en Berlín, aunque hizo frecuentes viajes a Noruega y París. En Berlín presentó en
1892 una exposición que tuvo que ser retirada por el escándalo
que suscitó y que dio pie a la creación de la Secesión Berlinesa.
En 1908 volvió definitivamente a Noruega, donde pasó sus
últimos años en soledad. El pintor decía de sí mismo que, del
mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la
anatomía humana y disecado cuerpos, él intentaba disecar
almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los
relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas,
como la soledad (Melancolía), la angustia (El grito, tal vez su
mejor obra), la muerte (Muerte de un bohemio) y el erotismo
(Amantes, El beso). Se le considera precursor del
expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras.
http://www.munch.museum.no/content.aspx?id=15 INICIO

MURILLO, BARTOLOMÉ ESTEBAN. (Pintor.1.617-1.682): Nacido en Sevilla, quedó

huérfano de padres a los nueve años. Una de sus hermanas mayores se hizo cargo de
él y le permitió frecuentar el taller de un pariente pintor, Juan del Castillo. En 1630
trabajaba ya como pintor independiente en Sevilla y en 1645 recibió su primer encargo
importante, una serie de trece lienzos destinados al claustro de San Francisco el
Grande, que incluyen La cocina de los ángeles, la obra más celebrada del conjunto por
la minuciosidad y el realismo con que están tratados los objetos cotidianos. El éxito de
esta realización le aseguró trabajo y prestigio.

35
Empezó entonces a especializarse en los dos temas iconográficos que mejor
caracterizan su personalidad artística: la Virgen con el Niño y la Inmaculada
Concepción, de los que realizó multitud de versiones. Sus vírgenes son siempre
mujeres jóvenes y dulces, inspiradas seguramente en sevillanas conocidas del artista.
En esa época de máxima actividad recibió los encargos del retablo del monasterio de
San Agustín y, sobre todo, los cuadros para Santa María la Blanca, concluidos en
1665. Posteriormente trabajó para los capuchinos de Sevilla
(Santo Tomás de Villanueva repartiendo limosna) y para el
Hospital de la Caridad (cuadros sobre las obras de
misericordia).
Murillo destacó también como creador de tipos femeninos e
infantiles: del candor de La muchacha con flores al realismo
vivo y directo de sus niños de la calle, pilluelos y mendigos,
que constituyen un prodigioso estudio de la vida popular.
Después de una serie dedicada a la Parábola del hijo pródigo,
se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de
los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los Desposorios de Santa Catalina,
ya que falleció mientras trabajaba en ella.
http://www.abcgallery.com/M/murillo/murillo.html INICIO

NARBONA, ENRIQUE DE. (Arquitecto. Primera mitad siglo XIV): De origen francés,
fue el primer encargado, a partir de 1.312 de la dirección de obras de la Catedral de
Gerona, en la que se ocupó hasta el año 1.321.
http://www.lacatedraldegirona.com/intro/ INICIO

NASH, JOHN. (Arquitecto. 1.752-1.835): Arquitecto y urbanista

británico que edificó casas de campo, castillos y diversos edificios
públicos. Llevó a cabo la construcción del pabellón del Príncipe de
Gales en Brighton. Como urbanista, elaboró los planos del Regent's
Park y trazó la Regent Street. Preconizó el empleo de estructuras de
hierro en la construcción de puentes y edificios.
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=115 INICIO

ORBAIS, JEAN DE. (Arquitecto. Comienzos del s. XIII): Natural de

Francia, trazó en 1.211 los planos de la catedral de Reims, dirigiendo su construcción
en las primeras fases.
http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO

PALLADIO, ANDREA. (Arquitecto. 1.508-1.580): Nacido en Italia. se formó como

cantero, profesión que ejerció en su juventud. Hacia 1537, un acontecimiento fortuito
cambió su destino: un literato le encargó la construcción de su villa, cerca de Vicenza,
lo introdujo en los ambientes culturales y le impuso el nombre de Palladio. Además, lo
llevó consigo en una serie de viajes, en particular a Roma, que permitieron al artista
entrar en contacto con la obra de los mejores arquitectos vivos y
estudiar los edificios de la Antigüedad. El conocimiento de estas
realizaciones formó su estilo, absolutamente clasicista, pero muy
innovador al mismo tiempo. En 1549, el Concejo de la ciudad de
Vicenza le encargó la reconstrucción de las logias del palacio de
la Ragione, conocido como la Basílica. Palladio optó por revestir
las antiguas estructuras con una envoltura clasicista, y el éxito
de la obra fue tal que desde aquel momento se convirtió en el
arquitecto preferido de la aristocracia de Vicenza, ciudad en la
que construyó importantes palacios.
Entre las décadas de 1550 y 1570 se sitúa el aspecto más
conocido y admirado de su producción: las villas de los alrededores de Vicenza (de La
Rotonda a La Malcontenta), en las que aplicó por primera vez el esquema del templo
clásico a un edificio civil. Casi todas ellas presentan un bloque central, la zona
residencial, a la cual precede una o varias fachadas a base de pórtico y columnas, y

36
flanquean las alas bajas, que son los edificios agrícolas. A partir de 1566, desarrolló
gran parte de su actividad en Venecia, donde se le deben, entre otros edificios, las
iglesias de San Giorgio Maggiore y del Redentor. Su última obra maestra fue el Teatro
Olímpico de Vicenza, en donde intentó recrear un teatro romano. Fundamentales para
la difusión de su obra fueron sus Cuatro libros de la arquitectura (1570), uno de los
textos más difundidos del Renacimiento.
http://www.cisapalladio.org/
http://www.boglewood.com/palladio/home.html INICIO

PÉREZ, JUAN. (Arquitecto. Segunda mitad del siglo XIII): Sucedió al Maestro
Enrique en la dirección de las obras de la Catedral de Burgos y colaboró también en
las de León, cuyo claustro es de su autoría.
http://www.catedraldeburgos.es/ INICIO

PETRI, PETRUS. (Arquitecto. Siglo XIII): Sucedió al maestro Martín en la dirección

de las obras de la Catedral de Toledo.
http://www.architoledo.org/catedral/ INICIO

PICASSO, PABLO. (Pintor. 1.881-1.973): Figura excepcional como artista y como

hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que
revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura
neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía
para ballets. Su obra inmensa se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años
de actividad creadora.
Pablo Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido, nació en Málaga. El
padre era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios. La primera
infancia de Pablo transcurrió entre las dificultades económicas de la familia y una
estrecha relación entre padre e hijo. El niño era un escolar bastante perezoso y muy
distraído, pero con precoz facilidad para el dibujo.
En 1891 la familia se traslada a La Coruña. Pablo inicia sus ensayos pictóricos, y tres
años más tarde su progenitor y primer maestro le cede sus propios pinceles y
caballetes, admirado ante el talento de su hijo. En 1895, el
padre obtiene un puesto docente en la Escola d'Arts i Oficis de
Barcelona. Pablo resuelve en un día los ejercicios de examen
previstos para un mes, y es admitido en la escuela. En 1896,
con sólo quince años, instala su primer taller en la Ciudad
Condal. Dos años más tarde, obtiene una mención honorífica en
Madrid por su obra Ciencia y caridad, todavía de un realismo
académico, mientras sus trabajos, influenciados por El Greco y
Toulouse-Lautrec, obtienen nuevas medallas.
En 1898 realiza su primera muestra individual en Barcelona.
Finalmente, en 1900 hace una visita a París. Allí vende tres
dibujos al marchante Mañach, quien le ofrece 150 francos
mensuales por toda su obra de un año. Pablo es ya un artista profesional, y decide
firmar sólo con el apellido materno. En 1901 viaja nuevamente a París y comienza lo
que luego se llamará su «período azul». Al año siguiente expone su primera muestra
parisiense y en 1904 decide trasladarse definitivamente a la capital francesa. Allí
durante tres años pinta y dibuja sin cesar, rendido a la influencia de Cézanne, mientras
elabora con Braque las líneas maestras del cubismo analítico, cuya gran obra
experimental, Las señoritas de Aviñón, es pintada por Picasso en 1907.
Pronto sobreviene el asombro y el escándalo ante un estilo deforme que rompe todos
los cánones y va ganando nuevos adeptos, al tiempo que su audaz inventor expone en
Munich (1909) y en Nueva York (1911). Pablo, siempre seguido por Braque, se lanza a
inventar el cubismo sintético, que los acerca al borde de la abstracción (en su extensa
y tan variada obra, Picasso jamás llegaría a abandonar la figuración). Poco después,
se abren exposiciones suyas en Londres y Barcelona.
En 1914, con la guerra, Pablo abandona prácticamente el cubismo, y busca otros
caminos artísticos. Los encuentra en 1917, cuando conoce a Diáguilev, que le encarga

37
los decorados del ballet Parade. Hasta 1925 trabaja en diversos ballets que dan cauce
a su evolución pictórica. Un viejo retrato de su madre, pintado en 1918, le valdrá el
millonario premio Carnegie de 1930, que le permite adquirir una villa campestre y
pasarse más de un año viajando por España.
Al estallar la Guerra Civil, Picasso apoya con firmeza al bando republicano, y acepta
simbólicamente la dirección del museo del Prado, mientras en 1937 pinta el Guernica
en París. Dos años después se realiza una gran exposición antológica en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York. Deprimido por el triunfo de los nacionales y la posterior
ocupación de Francia por los nazis, pasa la mayor parte de la Segunda Guerra
Mundial trabajando.
En 1944, se afilia al Partido Comunista Francés y da a conocer 77 nuevas obras en el
Salón de Otoño. Después se entusiasma por la litografía. Se inicia así su etapa en la
que trabaja en sus magníficas cerámicas. En la década de 1950 realizó numerosas
series sobre grandes obras clásicas de la pintura, que reinterpretó a modo de
homenaje. Picasso seguirá creando, trabajando y viviendo intensamente hasta morir
en 1973. Dejó tras de sí la mayor y más rica obra artística personal del siglo XX.
http://www.museupicasso.bcn.es/index.htm http://www.musee-picasso.fr/
http://csdll.cs.tamu.edu:8080/picasso/ http://www.museopicassomalaga.org/
http://www.fundacionpicasso.es/ http://www.picasso.fr/espagnol/ INICIO
PIERO DELLA FRANCESCA. (Pintor. 1420-1492): Italiano, discípulo de Massaccio;
trabajó inicialmente en Florencia, en Ferrara y en Rímini (donde
ejecutó, en 1541, el fresco del templo malatestiano que
representa a Segismondo Malatesta). Hacia 1452 emprendió en
Arezzo la decoración del coro de la basílica de San Francisco,
con los frescos de La leyenda de la cruz, donde se percibe ya
claramente su personalidad artística y cuyas escenas le sirven
de pretexto para experiencias espaciales en una dimensión
monumental, confiriendo a esta obra una gran importancia para
el futuro de la pintura. Entre 1470 y 1480 sostuvo una activa
relación con los duques de Urbino, pintando durante ese
período el díptico con los retratos heráldicos del duque Federico
de Montefeltro y Battista Sforza y la Madona de Senigallia. La obra pictórica de Piero
della Francesca ejerció gran influencia entre los artistas de su época. Escribió dos
tratados de perspectiva, casi exclusivamente matemáticos. A principios del s. XX, los
pintores cubistas y los seguidores del arte abstracto redescubrieron la obra de este
artista, cuyas leyes sobre la perspectiva y la proporción le llevan a ser considerado
como una de las personalidades cumbres del arte.
http://www.pierodellafrancesca.it/piero_gb/ INICIO

POLICLETO. (Escultor. H. 480 a. C.- ¿?): Nacido en Argos (Grecia), se formó en la

tradición de los broncistas de dicha ciudad y realizó casi todas sus obras en este
material. En la actualidad sólo se conocen algunas de ellas a través de copias
helenísticas y romanas, realizadas en mármol. La más celebrada es el Doríforo
(«Portador de lanza»); denominada «el canon». El autor aplicó en ella el sistema de
proporciones de la figura humana que consideraba ideal y sobre el que escribió un
tratado. Otra de sus mejores obras es el Diadumeno, en la que también representa a
un atleta. Policleto fue, de hecho, un gran especialista en la plasmación escultórica de
la belleza del cuerpo humano y, junto con Fidias, la gran figura de la escultura griega
del siglo V a.C.
http://cv.uoc.es/~991_04_005_01_web/fitxer/perc15.html INICIO

POLICLETO EL JOVEN. (Arquitecto. Siglo IV a.C.): este autor griego es conocido

por las obras efectuadas en la ciudad de Epidauro, entre las que destaca el tholos
circular, en cuyo interior se emplean columnas corintias. Proyectó también el teatro de
la ciudad, que se construyó sobre un terreno inclinado alrededor de una escena
circular. A partir de este momento los teatros, que al principio tenían gradas de madera
sobre una colina, se construyeron en piedra.
http://www.ub.es/telemac/qtvr/grk/epidauro.htm INICIO

38
POLLOCK, JACKSON. (Pintor. 1.912-1.956): Artista estadounidense, en 1929 se
trasladó a Nueva York para estudiar pintura. Durante su período de formación conoció
la pintura de los muralistas mexicanos, que le impresionó hondamente. Comenzó su
carrera con obras figurativas, en las que presta ya particular atención a los valores
matéricos y el cromatismo. Hacia 1938 empezó a interesarse por la pintura abstracta e
irracional, y para las obras de este período buscó
inspiración en el mundo de los indios americanos.
El año 1947 fue decisivo en su trayectoria, ya que fue
cuando adoptó la peculiar técnica del dripping: en lugar
de utilizar caballete y pinceles, colocaba en el suelo el
lienzo y sobre él vertía o dejaba gotear la pintura, que
manipulaba después con palos u otras herramientas, e
incluso a veces le daba una gran consistencia mediante la
adición de arena e incluso fragmentos de vidrio. Gracias
al apoyo de algunos críticos, su nombre se convirtió en
uno de los más significativos del expresionismo abstracto y de la action painting,
tendencia de la que, con De Kooning, es el representante más típico y destacado. Fue
así mismo uno de los primeros artistas en eliminar de sus obras el concepto de
composición y en mezclar signos caligráficos con los trazos pictóricos. A partir de la
década de 1950, simultaneó la pintura abstracta con obras figurativas o semifigurativas
en blanco y negro, pero su nombre ha pasado a la posteridad, sobre todo, en relación
con los grandes lienzos abstractos de vivo colorido, donde los trazos se entrelazan
hasta formar una trama densa y compacta (una especie de maraña) de gran impacto.
http://www.beatmuseum.org/pollock/jacksonpollock.html INICIO

PRAXÍTELES. (Escultor. Siglo IV a.C.): Nacido en Atenas, su figura domina la

escultura del siglo IV a.C. y se sitúa casi al mismo nivel de prestigio que la de Fidias
en el siglo anterior. Sin romper con los rasgos estilísticos de la escultura ática,
Praxíteles los interpretó desde una visión muy personal, que sentó las bases para el
posterior desarrollo de la escultura helenística. Se alejó de la tradición al preferir como
material el mármol al bronce, pero se mantuvo en la línea de sus antecesores por su
elección como modelo para sus obras de la belleza juvenil idealizada. Desde ahí,
evolucionó hacia una mayor humanización de las estatuas, caracterizadas por la
suavidad del modelado y la postura de los cuerpos, que gravitan fuera de su eje,
descansando sobre un punto de apoyo.
Es emblemático el grupo de Hermes con Dioniso niño, que se considera un original, el
único que se conserva de un escultor griego de primera magnitud. Sus obras restantes
se conocen a través de copias romanas. La que gozó de mayor renombre en la
Antigüedad fue la Afrodita de Cnido, estatua de tamaño natural de la diosa en la que
por primera vez se la representa desnuda. El Sátiro en reposo y el Apolo Sauróctono
destilan el encanto sensual y la gracia delicada típicos de la obra de Praxíteles.
http://www.utexas.edu/courses/citylife/praxiteles.html INICIO

RAFAEL. (Raffaello Sanzio. Pintor y Arquitecto. 1483-1520): Italiano, cuyas obras

representan el paradigma del Renacimiento por su clasicismo basado en la perfección
de la luz, la composición y la perspectiva. Su padre, lo introdujo pronto en el arte de la
pintura y a los diecisiete años trabajaba ya como artista
independiente. No se conoce con exactitud qué tipo de relación
mantuvo Rafael con Perugino, del que unos lo consideran discípulo
y otros socio. Lo cierto es que lo superó rápidamente como se
desprende de sus Desposorios de la Virgen.
Desde 1504 hasta 1508, trabajó fundamentalmente en Florencia,
en donde recibió la influencia del arte de Leonardo. De entre sus
obras de este período las más celebradas son sus variaciones
sobre el tema de la Virgen y la Sagrada Familia. Los personajes
están situados en un marco de paisajes sencillos y tranquilos. Su
maestría en la composición y la expresión y la característica

39
serenidad de su arte se despliegan ya en plenitud en La Madona del jilguero, entre
otras obras.
En 1508, contando sólo veinticinco años, el Papa Julio II lo llamó a Roma para que
decorara sus aposentos en el Vaticano, conocidos como Estancias del Vaticano.
Rafael pintó uno de los ciclos de frescos más famosos de la historia de la pintura.
Entre 1509 y 1511 decoró la Estancia de la Signatura, donde pintó grandes
composiciones sobre las paredes, entre ellas La escuela de Atenas. En un espacio de
gran amplitud, organizado con un perfecto sentido de la perspectiva, Rafael dispone
una serie de grupos y figuras, con un absoluto equilibrio de fuerzas y una sublime
elegancia de líneas. En la Estancia de Heliodoro, decorada de 1511 a 1514, Rafael
desarrolló temas históricos. En la estancia del Incendio del Borgo y en la Estancia de
Constantino predomina ya la aportación de los discípulos sobre la del maestro.
El pintor simultaneó la decoración de las Estancias del Vaticano con la realización de
otras obras, como los frescos de El triunfo de Galatea para la Villa Farnesina. A este
período corresponden también numerosos retratos, de gran veracidad y penetración
psicológica. El dibujo es inigualable y el colorido, discreto, servidor de la forma.
A partir de 1518, Rafael se ocupó de la decoración de las Logias del Vaticano con
pequeñas escenas del Antiguo Testamento envueltas en paneles de grutescos. La
Transfiguración, última obra del artista, es considerada por algunos el compendio
perfecto de su arte. Sus trabajos arquitectónicos, de menor importancia que los
pictóricos, incluyeron la dirección de las obras de San Pedro del Vaticano.
http://www.artenelweb.com/raffaello/
http://digilander.libero.it/debibliotheca/Arte/sanzio/page_01.htm
http://www.christusrex.org/www1/stanzas/ INICIO

REMBRANDT. (Rembrandt Harmenszoon van Rijn. Pintor. 1.606-1.669): Holandés,

recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, pero
decidió dedicarse a la pintura. En 1625, considerándose ya
formado, abrió taller en Leiden y no tardó en contar con una
amplia clientela. Durante estos años su arte evolucionó desde
unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia
una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo
de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra
una fuerza y una personalidad indiscutibles. Ya en época
temprana, hacia 1630, el claroscuro se convierte en el más
poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian
obras como La presentación de Jesús en el templo. En 1630 se
trasladó a Amsterdam, donde se casó. Comenzó entonces para
él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó
repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se
sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias. Las
dos etapas, próspera y adversa, de la vida de Rembrandt se reflejan en sus obras,
particularmente en los autorretratos, un género que el artista cultivó a lo largo de toda
su carrera; mientras que los primeros son alegres, brillantes y un tanto superficiales,
los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad
muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los
dos en que más brilló su talento.
A Rembrandt se le recuerda sobre todo por sus magistrales retratos de grupo,
absolutamente alejados de los convencionalismos. La maestría compositiva, la
perfecta caracterización de los personajes, el detallado estudio de los ademanes, la
agudeza de los rostros, hacen de sus tres grandes creaciones de este género (La
lección de anatomía del doctor Tulp, La ronda de noche y Los síndicos del gremio de
pañeros) unas obras llenas de vida. En las creaciones de los últimos años (El hombre
del yelmo de oro o La novia judía), el pintor eleva todas sus conquistas al plano de la
madurez y manifiesta un absoluto dominio de las técnicas y de los efectos. Rembrandt
fue así mismo un gran dibujante y grabador, que dejó cerca de 1 500 dibujos y 400
grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas,
dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del

40
mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En
todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la
mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.
http://www.rembrandthuis.nl/2004/index_main.html INICIO

RENOIR, PIERRE AUGUSTE. (Pintor. 1.841-1.919): es uno de los pintores franceses

más ilustres de su época, clasificado entre los impresionistas. Cuando apenas contaba
20 años, sus cuadros eran ya aceptados en el Salón. Posteriormente, sin embargo,
sufrió la influencia de los artistas que exponían en el Salon des Refusés, así como de
la obra de Manet, y quedó tan íntimamente vinculado a los impresionistas que en 1874
y 1878 figuraron sus cuadros en las exposiciones de esta escuela. El estilo de su
madurez es enteramente personal, por lo que no se le puede encuadrar en ninguna de
las múltiples escuelas pictóricas establecidas.
Sus experiencias juveniles constituyeron una preparación verdaderamente única para
su carrera. En París, trabajó como decorador de abanicos y sombrillas. Este trabajo
requería la copia de cuadros, especialmente de los pintores
franceses del siglo XVIII. Esta actividad artesana influyó
decididamente sobre su preferencia posterior por los tonos
claros y por los pintores de este período. Sus primeras obras
muestran, sucesivamente, la influencia de Courbet, Delacroix y
Manet. Entre los cuadros más famosos de la época
impresionista destaca Le Moulin de la Galette, representación al
aire libre con numerosas figuras bañadas por jirones de luz
solar. El color es desigual y carece de negro, elemento que por
entonces Renoir descartó de su paleta. Corresponde también a
este período El columpio.
Sus retratos de mujeres y de niños figuran entre sus obras más
conocidas. En 1879 era especialmente famoso en este terreno y comenzó a atraerse
una clientela distinguida. A este período corresponde Madame Charpentier y sus hijas,
que presenta a una madre con sus hijas, lujosamente ataviadas, con un perro a los
pies. El fondo del cuadro muestra en el ángulo superior derecho un bodegón.
A partir de esta época Renoir revela mayor elaboración en sus diseños. Asimismo
empieza a prestar mayor atención a los maestros antiguos, y dedica más atención a
los problemas del volumen de las formas humanas y sus valores plásticos que a la
simple captación de la coloración fugitiva y fluctuante de la superficie. Mientras tanto,
continuó pintando una gran variedad de temas con estilos dispares, dentro siempre de
su característico colorido y de su predilección por cuanto de bello se hallaba a su
alcance: flores, paisajes, niños y grupos de personas unidas por lazos familiares.
Finalmente evolucionó a su tema favorito del desnudo femenino en forma de ninfas o
bañistas. Los desnudos, expresados con tonos cálidos y resplandecientes, forman
generalmente parte del paisaje.
Durante los últimos 20 años vivió Renoir casi completamente impedido por la artritis,
aunque continuó pintando a pesar de su enfermedad, aun cuando tenía que atarse los
pinceles a las muñecas, ya que no podía sujetarlos con los dedos. Durante esta época
sus lienzos se nutren de amplias formas plásticas. Ya no eran posibles las delicadas
tonalidades de sus primeras obras y los cuadros de esta época se caracterizan por el
predominio de los rojos intensos. La obra última del pintor tiene ecos de Rubens y
demuestra que había aprendido mucho de los venecianos.
http://www.renoir.org.yu/ INICIO

RIAÑO, DIEGO DE. (Arquitecto. ¿?-1.534): Una de las principales personalidades del
plateresco español. En Sevilla realizó la sacristía de los Cálices y las cuatro capillas en
los muros laterales del coro de la catedral, así como el Ayuntamiento. También realizó
la traza de la catedral de Valladolid, y hacia 1533 estuvo al frente de la obra del
refectorio de la Cartuja de Jerez.
http://www.sevilla5.com/monuments/ayuntamiento_es.html INICIO

41
RIBERA, JOSÉ DE. (“EL ESPAÑOLETO”. PINTOR. 1.591-1.652): Nacido en España,
se cree que fue discípulo de Francisco Ribalta. Hacia 1608-1610 marchó a Italia,
donde se interesó por la obra de Correggio. Hasta 1616 estuvo en Roma, donde
admiró a Rafael, Miguel Ángel y, especialmente, a Caravaggio. Allí consiguió
celebridad y realizó obras de una gran calidad, como evidencian El gusto y El tacto, de
la serie de Los cinco sentidos.
Se estableció en Nápoles definitivamente, donde se impuso como el pintor más
destacado. Gozó de la protección de los virreyes, que le fueron adoptando como pintor
de cámara. Trabajó para diversas iglesias napolitanas y, sobre todo, para la cartuja de
San Martín, que conserva un magnífico conjunto (serie de Profetas, Piedad). De 1620
a 1626 no se tienen noticias de obras pictóricas, pero a este período corresponden la
mayoría de sus grabados, técnica que cultivó con maestría.
De su origen español conservó el gusto por la temática religiosa
(La bendición de Jacob), con figuras aisladas de santos,
abundando los penitentes y mártires plasmados con crudo
realismo (San Jerónimo), así como milagros, martirios,
episodios del Nuevo Testamento, vírgenes con Niño, etc. Sin
embargo, también cultivó el género mitológico, el retrato y
realizó las series de los Filósofos, así como representaciones
de mendigos y tipos populares. Hasta 1634 su estilo se
caracterizó por un acusado tenebrismo, con violentos
contrastes de luz, un crudo realismo en los detalles y cierta
tendencia a la monumentalidad. A partir de ese momento, optó
por una pictoricidad más libre, un colorismo más rico, así como
temas y formas más amables, asimilando influencias venecianas y boloñesas. En su
producción final parece advertirse un repliegue hacia formas de su período juvenil,
retornando al tenebrismo y los contrastes lumínicos.
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=352 INICIO

RIBERA, PEDRO DE. (Arquitecto. 1683-1742): Fue maestro mayor del Ayuntamiento
de Madrid, ciudad donde llevó a cabo su obra más destacada, el puente de Toledo, y
otras realizaciones relevantes como la iglesia de Montserrat, el cuartel del Conde-
Duque y el Hospicio de San Fernando, cuya portada es uno de los más notables
ejemplos del estilo churrigueresco. También construyó gran número de fuentes, que en
la actualidad se encuentran en los parques madrileños del Oeste y del Retiro. Fue uno
de los principales representantes de la arquitectura churrigueresca.
http://usuarios.lycos.es/juancato/ficios/hospicio.htm INICIO

RIETVELD, GERRIT. (Arquitecto. 1.888-1.964): Nacido en Holanda, en 1911 abrió un

taller de carpintería especializado en muebles. De 1917-1918 es
su butaca «roja-azul», basada en la descomposición en
elementos geométricos y combinaciones de colores primarios.
En 1921 inició su colaboración con el decorador T. Schroeder
(Casa Schroeder, Utrecht). A pesar de seguir vinculado al
neoplasticismo hasta 1931, se acercó al racionalismo
arquitectónico. Entre sus últimas obras destacan el pabellón
holandés para la Bienal de Venecia y el Museo Van Gogh
(Amsterdam).
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=138
http://www.geocities.com/gerritrietveld/ INICIO

RODIN, AUGUSTE. (Escultor. 1.840-1.917): nacido en Francia, por sus modestos

orígenes, se vio obligado a ganarse la vida como ayudante de decoración. En 1875
emprendió un viaje a Italia para conocer la obra de Miguel Ángel. El resultado de su
contacto con el genio del Renacimiento fue La edad del bronce, presentada en el
Salón de 1877, que desagradó profundamente por su extraordinario realismo. Seguía
sin triunfar como escultor, lo que consiguió al fin en 1881, cuando presentó en el Salón
San Juan Bautista predicando. Entonces recibió la gran petición de su vida: las puertas

42
monumentales del futuro Museo de Artes Decorativas de París, que nunca llegaron a
realizarse, si bien se fundieron en bronce en 1928 gracias a un admirador del artista, y
para las que Rodin esculpió una de sus obras maestras, El pensador. Cuando todavía
trabajaba en los modelos de las puertas, aceptó el encargo
de levantar el monumento de Los burgueses de Calais, una
obra de dramatismo contenido. Fueron éstos sus años de
máxima creatividad, con obras como El beso, entre otras,
que han llevado a considerarlo el principal escultor
impresionista, por sus estudios texturales y lumínicos. Con
posterioridad, siguió creando obras de inspiración personal,
pero se centró en los retratos y en la realización de
monumentos públicos, tales como los dedicados a Víctor
Hugo y a Balzac.

http://www.musee-rodin.fr/ INICIO

ROTHKO, MARK. (Pintor. 1.903-1.970): Pintor estadounidense de origen lituano,

emigró a Estados Unidos cuando todavía era un niño. Cursó estudios universitarios y
su formación artística fue esencialmente autodidacta. Tras unos inicios en que se
acercó al surrealismo y el expresionismo, llegó a un estilo absolutamente personal que
lo convirtió en una de las figuras más destacadas del expresionismo abstracto, siendo
a menudo encuadrado en la corriente denominada del
campo de color.
Sus obras, normalmente de grandes dimensiones y
agrupadas en series, presentan muy poca variación
compositiva y consisten básicamente en rectángulos de
varios colores que se suceden paralelamente de arriba
abajo, con bordes ligeramente irregulares en las zonas de
separación tonal. La intención del artista fue siempre
aprehender el absoluto por medio de una aproximación
contemplativa. Su paleta cromática fue oscureciéndose
con el paso de los años, se especula que en
correspondencia con un estado depresivo que lo llevaría al suicidio.

http://www.nga.gov/feature/rothko/rothkosplash.html INICIO

RUBENS, PIETER PAUL. (Pintor. 1.577-1.640): Pintor flamenco, aunque nacido en

Alemania, fue la gran figura del Barroco en la Europa septentrional. Tuvo más
influencia que Rembrandt a pesar de que a su pintura grandilocuente le falta algo de
sinceridad. En 1587, la muerte de su progenitor le permitió desplazarse a Amberes,
donde estudió pintura.
Realizó el tradicional viaje a Italia, que resultó decisivo para su
formación. A lo largo de ocho años (1600-1608), recorrió los
principales centros artísticos italianos. Durante el período italiano
produjo sus primeras obras, muy influidas todavía por la pintura
italiana y alejadas de su estilo de madurez. Lo más relevante de
esta época es la serie de retratos aristocráticos que pintó en
Génova.
Después de un viaje a España, donde realizó algunas obras, en
1608 regresó a Amberes y se estableció definitivamente en esta
ciudad. Abrió una casa-taller en la que, con la colaboración de
numerosos ayudantes especializados, ejecutó gran número de
obras en respuesta a la multitud de encargos que recibía. En las realizaciones de los
años 1601-1614 (Adoración de los Magos, Anunciación), su personalidad artística
aparece ya definitivamente formada: grandiosidad y sentido dramático, dinamismo
intenso, pasión por el dibujo. Paulatinamente añade el género mitológico al religioso,
así como el paisaje y el género costumbrista. Mitológicas son algunas de sus obras
más conocidas, como Las tres Gracias, en las que resulta evidente la inclinación hacia

43
las musculaturas poderosas, las carnes sonrosadas y exuberantes y las tonalidades
claras.
Por otra parte, revalorizó el cuadro de caza y de batallas y sobresalió también como
creador de escenas costumbristas (El jardín del amor) y de cartones para tapices. A
partir de 1620 recibió importantes encargos de varias cortes europeas, entre ellos el
de la historia de María de Médicis para el palacio del Luxemburgo de París. En estas
obras destinadas a la decoración de amplios ambientes, pudo dar rienda suelta a su
sentido monumental y decorativo de la pintura a través de enormes frescos cargados
de figuras y de motivos ornamentales, en los cuales la composición se basa en
grandes líneas diagonales que añaden, si cabe, mayor sensación de movimiento. En
su faceta de retratista, se inclinó por la idealización de los rostros y la magnificencia de
las actitudes; además de personajes importantes, retrató a sus dos esposas.
http://museum.antwerpen.be/rubenshuis/ INICIO

RUIZ, DIEGO. (Arquitecto y carpintero de lo blanco. Primera mitad del siglo XV):
Maestro mayor del Alcázar de Sevilla, autor, en 1.427, de la suntuosa cúpula
semiesférica a la que debe su antiguo nombre de Salón de la Media Naranja, el
actualmente denominado Salón de Embajadores del citado palacio.
http://www.patronatoalcazarsevilla.es/apuntes/apuntes2/investigacion2/contenidos_inv
2.html INICIO

SACOMA, PERE. (Arquitecto. ¿?-1.393): Nacido probablemente en Gerona, fue

maestro mayor de las obras de la Catedral de dicha ciudad entre los años 1.368 y
1.393, en que falleció. A él corresponde el proyecto de nave única que caracteriza al
edificio.
http://www.lacatedraldegirona.com/ INICIO

SALZILLO, FRANCISCO. (Escultor. 1.707-1.783): Se formó en el taller de su padre,

el escultor napolitano Nicolás Salzillo, establecido en Murcia. A la muerte de su padre,
Francisco se hizo cargo del taller familiar, en el que continuó al principio el estilo
paterno.
Su primera obra enteramente personal es también la más valorada en la actualidad, el
famoso Pesebre de más de 800 piezas realizado al estilo de los belenes napolitanos
de finales del siglo XVII; estas figuras, esculpidas en barro cocido, madera o cartón,
sobresalen por su realismo extremo y su enorme expresividad, hasta el punto de que
se consideran inspiradas en tipos populares.
Su otra gran realización la comenzó en 1752, cuando la cofradía de Jesús Nazareno le
encargó un conjunto de ocho pasos procesionales, que se han convertido en su
creación más famosa. Los más logrados son los dedicados a la Oración en el huerto,
la Última Cena y la Dolorosa, pero en todos triunfa el personal estilo del autor,
exaltador de la belleza y del naturalismo. Los rostros de sus estatuas son tan
hermosos y están tan bien modelados que recuerdan las porcelanas de la época,
motivo por el cual se considera a Salzillo un magnífico exponente de la escultura
rococó. Realizó muchas otras obras, todas ellas de temática religiosa.
http://webs.ono.com/usr000/salzilloescultor/msalzillo.htm
http://www.museosalzillo.es/ INICIO

SENMUT O SENENMUT. (Arquitecto. Siglo XV a.C.): Arquitecto egipcio, fue también

ministro de la reina Hatshepsut. Se le conoce sobre todo por haber sido el artífice
constructor del templo funerario de esta reina en Deir el-Bahari.
http://www.egiptologia.org/arte/templos/deir-el-bahari_hatshepsut/
INICIO

SEURAT, GEORGE. (Pintor. (1.859-1.891). Nacido en Francia,

participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes,
que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el
neoimpresionismo o el puntillismo. Llevó al límite la experiencia
impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz,

44
empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus
características esenciales. En sólo siete años realizó sus cuadros más importantes,
como El baño (1884) o Un domingo de verano en la Grande Jatte (1886), su obra
maestra. Los aspectos técnicos de su obra influyeron en los fauves, y sus rigurosos
estudios teóricos, en los cubistas.
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=369 INICIO

SIGNAC, PAUL. (Pintor. 1.863-1.935). Nacido en Francia,

inicialmente se alineó con los impresionistas, pero después de
conocer a Seurat en 1884 se adscribió, como artista y teórico, al
neoimpresionismo o puntillismo. En sus obras plasmó sobre todo
escenas marineras, primero con un puntillismo estricto y después
con un toque más amplio, proporcional a las dimensiones del
cuadro. Son sus obras de estilo más libre, las que revisten mayor
interés.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/signac/ INICIO

SILOÉ, DIEGO DE. (Arquitecto y escultor. H. 1495-1569): Se formó con su padre, el

escultor Gil de Siloé, y merced a una estancia de dos años en Italia, entró en contacto
con el arte renacentista. Precisamente por ello, es una de las grandes figuras del
Renacimiento español, al que aportó un elegante dominio de los esquemas
italianizantes, enriquecidos a menudo con una profusa decoración.
En 1517 se estableció en Burgos, donde realizó la escalera dorada de la catedral, una
de las obras maestras del Renacimiento hispánico. En la propia catedral se le deben
varias obras en la capilla del Condestable, en particular el retablo mayor. Sus figuras,
poderosas y monumentales, se enmarcan en espacios arquitectónicos de claro sabor
italianizante. En 1528 se trasladó a Granada, donde labró las estatuas orantes de los
Reyes Católicos para la Capilla Real. En Andalucía, donde trabajó principalmente
como arquitecto, dejó dos grandes creaciones: la catedral de Granada y la iglesia de
San Salvador de Úbeda. En la primera, creó un templo de cinco naves en el que
demostró su gran dominio del espacio; resulta notable la concepción de la cabecera,
constituida por la capilla mayor y la girola y precedida por siete espectaculares arcos
de medio punto, de los que se derivan singulares efectos espaciales. Siloé compaginó
el trabajo en la catedral de Granada, con la dirección de las obras del Colegio de los
Irlandeses, en Salamanca, en el que trazó un patio de un clasicismo impecable.
http://www.ubeda.com/El_Salvador/ INICIO

SOISSON, BERNARD DE. (Arquitecto, mediados s. XIII): Dirigió las obras de la

Catedral de Reims en una fase avanzada de su construcción, atribuyéndosele el
rosetón de la fachada de los pies.
http://www.cathedrale-reims.com/ INICIO

SULLIVAN, LOUIS HENRY. (Arquitecto. 1.856-1.924): Norteamericano que trabajó

durante algún tiempo en Filadelfia y luego en Chicago, con William Le Baron Jenney,
autor del primer rascacielos construido con armazón de acero.
El fuerte resurgimiento del clasicismo estorbó sus esfuerzos en favor de una
arquitectura al mismo tiempo americana y funcional, de acuerdo con su lema: «la
forma sigue a la función», mostrando su definitivo divorcio con la tradición y su deseo
de originalidad. En el Wainwright Building, de Saint Louis, daba
cabal expresión a sus principios constructivos.
En la arquitectura de rascacielos, el Gage Building de Chicago,
en que el vidrio y la terracota se acoplan a un esqueleto de
hierro, supone casi un logro perfecto. Su Schlesinger and
Mayer Department Store (1899-1904), actual edificio Carson,
Pirie, Scott and Company, de Chicago, es un modelo de
edificación de acero. Proyectó también el Stock Exchange
Building y el mausoleo de Getty, ambos en Chicago, el Union

45
Trust Building, en St. Louis, y una serie de pequeños bancos para diferentes
poblaciones.
http://www.geocities.com/SoHo/1469/sullivan.html INICIO

SUNAIF. (Arquitecto. Siglo X): Autor del famoso Salón Rico de la ciudad palatina de
Medina Zahara, en Córdoba. El edificio fue mandado construir por Abd al-Rahman
entre los años 953-957.
http://www.juntadeandalucia.es/cultura/museos/CAMA/ INICIO

TEODOTOS. (Arquitecto. Siglo IV a.C.): Autor griego responsable de la edificación

del tholos en mármol de Atenea Pronaia. (350 a.C.), de la ciudad de Delfos.
http://sacredsites.com/europe/greece/tholos_temple_delphi.html INICIO

TIZIANO VECELLIO. (Pintor. H. 1490-1576): Italiano. Recibió su primera formación

en el taller de Giovanni Bellini, del que salió a los dieciocho
años para integrarse en la escuela de Giorgione. La
concepción poética de la pintura de éste dejó una profunda
huella en Tiziano, como resulta evidente en todas sus obras de
juventud, y muy especialmente en la enigmática alegoría Amor
sagrado y amor profano, lienzo con el que se consagra ya
como un maestro del desnudo femenino, además de
manifestar un talento natural en la plasmación del paisaje. No
tardó en convertirse en el artista más importante de Venecia y
fue nombrado pintor oficial de la República. Aunque sus obras
más admiradas en el presente son las de tema alegórico y
mitológico, comenzó la parte más brillante de su carrera con
una serie de retablos de colores fuertes y contrastados y figuras poderosas, como La
Asunción. Son obras de composición enérgica que muestran una gran vitalidad. Por
entonces, Tiziano se reveló también como un gran retratista, con obras en las que
establece un esquema nuevo: el protagonista aparece reproducido de medio cuerpo,
con las manos visibles y unos rasgos reales pero idealizados.
Hacia 1530, su estilo evolucionó hacia composiciones menos dinámicas, más
pausadas, y hacia colores mucho más claros. Por entonces, la fama del pintor llegaba
a todas las cortes europeas, lo que le permitió recibir encargos de Carlos I de España
y Francisco I de Francia, a los que retrató en obras magistrales. El emperador quedó
tan entusiasmado con el arte de Tiziano que lo nombró pintor de la corte. También los
príncipes italianos solicitaron sus servicios, y así para el duque de Urbino pintó la
famosa Venus de Urbino, de una sensualidad nueva en el arte del Renacimiento. En
1545-1546, Tiziano realizó un viaje a Roma, que supuso el punto de partida hacia un
nuevo tratamiento del color a base de pinceladas largas y atrevidas, y de manchas y
toques que deshacen las formas y dan una apariencia ligera y agradable a las
pinturas. Entre 1548 y 1562 fue reclamado por Carlos I y luego por Felipe II, para
quien, además de retratos, realizó una serie de cuadros de tema mitológico. Su última
obra es la Piedad de Venecia, que presenta afinidades con el manierismo.

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=389
http://www.revistakatharsis.com/gallery/ INICIO
TOLEDO, JUAN BAUTISTA DE. (Arquitecto. ¿?-1.567): Se formó en Italia, donde se
cree que colaboró con Miguel Ángel en las obras de la basílica de San Pedro. Regresó
a España en 1559 y, un año más tarde, fue nombrado arquitecto del rey Felipe II. A su
servicio realizó diversas intervenciones en el Alcázar y el palacio de Aranjuez, antes de
ocuparse de sus dos grandes realizaciones. La primera fue el convento de las
Descalzas Reales, donde la austeridad de la concepción y el empleo de figuras
geométricas como único motivo ornamental manifiestan su formación italiana. Su obra
de mayor alcance fue el Real Monasterio de El Escorial, comenzado bajo su dirección
en 1563 y del que fue autor del proyecto, del patio de los Evangelistas y de los
claustros menores. Murió sin poder acabar esta obra.
http://www.arsvirtual.com/monum/escorial.htm INICIO

46
TOULOUSE-LAUTREC, HENRI DE. (Pintor. 1.864-1.901): Pintor, dibujante y
cartelista francés, es una de las figuras más originales del arte del siglo XIX. Nació en
el seno de una familia aristocrática y tuvo una infancia y una adolescencia felices,
aunque sufrió dos caídas graves que le atrofiaron los miembros inferiores y le
impidieron alcanzar una estatura normal. Pero su deformidad no le impidió
relacionarse y mantener una vida social normal.
Comenzó a dibujar en la infancia y posteriormente se formó
en academias. En 1885 abrió un taller en Montmartre y
desde entonces se dedicó a la creación pictórica,
integrándose plenamente en el ambiente artístico parisino
que en aquella época buscaba la superación del
impresionismo. Se relacionó con Van Gogh y Gauguin, y de
este último tomó algunos rasgos estilísticos, como el uso de
los contornos pronunciados. Pero las obras que más
influyeron en su peculiar estilo fueron las de Degas y las
estampas japonesas.
En el ambiente bohemio de Montmartre frecuentó cafés
cantantes, teatros, prostíbulos y salas de baile. Estos
ambientes constituyen, de hecho, lo más peculiar de su
creación artística, en la que bailarinas de cancán y personajes de circo son los
protagonistas más entrañables. Además de cuadros llenos de vivacidad y movimiento,
realizó innumerables apuntes y dibujos rápidos, así como unos treinta carteles
publicitarios de cabarés y productos comerciales. Para los carteles, Toulouse-Lautrec
creó un tipo de figura estilizada y adoptó unas tonalidades que ejercieron una
influencia profunda y duradera en posteriores realizaciones de este tipo.
http://www.toulouselautrec.free.fr/ INICIO

TURNER, JOSEPH MALLORD WILLIAM. (Pintor. 1.775-1.851). De origen británico,

fue un artista precoz. Su prematura inclinación hacia la pintura se concretó desde el
primer momento en una vocación de paisajista, hasta el punto
de que fue el paisaje el único tema que cultivó, y del cual llegó a
ser un maestro indiscutible. A partir de 1792 adoptó la
costumbre de realizar apuntes de paisajes para venderlos a
grabadores o convertirlos luego en óleos o acuarelas. Esta línea
de actuación, mantenida a lo largo de toda su vida, está en el
origen de la gran cantidad de dibujos que dejó a su muerte.
Aunque su obra fue muy discutida, contó con admiradores y
mecenas incondicionales. Gozó, por ello, de un gran desahogo
económico. Desde sus inicios, sus paisajes son plenamente
románticos por el dramatismo de los temas tratados y
manifiestan un interés particular por el espacio atmosférico y los efectos luminosos.
Estos dos rasgos, los más característicos de su estilo, se mantuvieron hasta el final de
su carrera, aunque en composiciones cada vez más esquemáticas y abstractas en las
que el color adquirió un protagonismo absoluto.
http://www.tate.org.uk/britain/turner/default.htm INICIO

TUTMÉS: (Escultor. Siglo XIV a.C.): Artista egipcio que dirigió un taller escultórico en
la época de Amenofis IV, quien lo nombró escultor-jefe de Tell-Amarna. En esta
localidad se ha excavado su taller, donde fue localizado el famoso busto de la reina
Nefertiti, junto a un numeroso grupo de estatuas de la familia real.
http://sapiens.ya.com/antiqvae/imagenesegipto040.htm INICIO

VANDELVIRA, ANDRÉS DE. (Arquitecto. 1509-1575): Español, quizá de origen

flamenco, en 1530 trabajó en la construcción del convento de Uclés (Cuenca), y en
1536, junto a Diego de Siloe, en la iglesia del Salvador de Úbeda, siendo nombrado
maestro de obras de la catedral de Jaén en 1554. Fue autor también de la cabecera

47
de la iglesia de San Francisco en Baeza (Jaén); del palacio Vázquez de Molina, del de
Vela de Cobos y del Hospital de Santiago en Úbeda.
http://www.ubeda.com/Andres_de_Vandelvira/
http://www.iglesiajaen.com/ INICIO

VAN DER WEYDEN, ROGIER. (Pintor. 1.400-1.464): Aunque fue el pintor flamenco
de mayor proyección internacional en su tiempo y uno de los grandes maestros del
siglo XV en Flandes, su figura resulta problemática por las confusas referencias
documentales. En general, se acepta que es el Rogelet de la Pasture que ingresó en
1427 en el taller de Robert Campin, en Tournai, y que salió de él convertido en
maestro pintor en 1432. De hecho, existen coincidencias estilísticas básicas entre
ambos artistas, ya que Van der Weyden partió del estilo expresivo, lineal y naturalista
de su maestro para dotarlo de una mayor intensidad dramática y un mayor grado de
sofisticación y refinamiento.
Una de sus primeras obras y quizá la más conocida, el Descendimiento, condensa
todas las características estilísticas que hacen sus creaciones inconfundibles: las
figuras, dispuestas en una composición dominada por el sentido del movimiento,
expresan toda la fuerza de sus sentimientos con una riqueza iconográfica sin
precedentes; el decorativismo, relegado a un segundo plano, se somete a la fuerza del
color. En 1436, Van der Weyden está en Bruselas como pintor oficial de la ciudad,
donde tuvo un taller con numerosos discípulos, desde el que ejerció una gran
influencia no sólo en los pintores flamencos, sino en muchos pintores europeos de la
época. Realizó innumerables obras de temática religiosa y retratos; en éstos, la
representación naturalista de los rasgos de los personajes está sublimada por sutiles
efectos luminosos.
http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/weyden/ INICIO

VAN EYCK, JAN. (Pintor. 1390-1441): Nacido en Flandes, está considerado uno de
los grandes maestros de la pintura de todos los tiempos. Durante mucho tiempo se le
atribuyó la invención de la técnica pictórica del óleo, pero en la actualidad se piensa
más bien que la llevó a unos niveles de perfección elevadísimos, desconocidos antes
de él. Trabajó en La Haya y en Lille como pintor de corte de Felipe el Bueno.
En 1430 se estableció en Brujas, donde vivió hasta su muerte. En 1432 acabó su obra
maestra, el gran retablo de la Adoración del cordero místico, realizado para la catedral
de Gante. Esta obra presenta, no obstante, problemas de atribución, ya que incluye
una inscripción en el marco según la cual fue ejecutada por Hubert y Jan Van Eyck. El
problema radica en lo oscuro de la figura de Hubert, al cual no se atribuye ninguna otra
obra y de quien nada se sabe con certeza, hasta el punto de que algunos especialistas
han llegado a dudar de su existencia. Por otra parte, no hay en el retablo diferencias
estilísticas que permitan atribuir partes distintas a cada uno de los dos hermanos. La
obra, que consta de más de doce tablas, es notable por su vivo colorido, la riqueza
paisajística, el complejo programa iconográfico y el extremo cuidado de los detalles,
rasgo característico de Van Eyck y extensivo a toda la pintura flamenca.
Se le atribuyen unas veinte pinturas más, muchas de las
cuales no han llegado hasta nosotros. Las que han sobrevivido
son retratos y cuadros religiosos. Entre los primeros, el más
conocido es el Matrimonio Arnolfini, ambientado en un interior
repleto de pequeños detalles. Gracias a la riqueza del
empaste, el artista fue capaz de reproducir a la perfección las
texturas más diversas, desde el pelo sedoso del perrillo al latón
pulido de la lámpara y la superficie convexa del espejo del
fondo, donde da una segunda versión de la escena al mismo
tiempo que crea efectos de profundidad. El hombre del
turbante rojo se considera un autorretrato del artista; la
representación del modelo, impasible como todos los de Van
Eyck, no resulta tan interesante como la reproducción del
espléndido turbante con que se toca. La Virgen del canciller Rolin y La Virgen del
canónigo Van der Paele son las dos obras que se le conocen de temática religiosa. El

48
esquema es el mismo en ambas: la Virgen con el Niño como figura central rodeada de
los donantes y comitentes; en las dos telas, el mérito reside en el lujo de detalles de
los interiores donde se ambienta la escena. La primera, no obstante, supera a la
segunda por la profundidad que le añade el paisaje reproducido al fondo, que
contribuye igualmente a la mayor luminosidad de la obra.
http://cgfa.sunsite.dk/eyck/ INICIO

VAN GOGH, VINCENT. (Pintor. 1.853-1.890): Nacido en Holanda, al finalizar sus

estudios trabajó en una sociedad de comerciantes de arte. Trabajó después como
profesor, ayudante de un pastor metodista y empleado de una librería, oficios en los
que no logró permanecer. La obsesión de Van Gogh era entonces convertirse en
pastor, aunque acabó perdiendo la fe.
Van Gogh pasó esta crisis espiritual vagando por Francia y Bélgica y escribiendo a su
hermano Théo. Animado por éste, en 1880 decidió dedicarse a la pintura. En 1885
conoció el impresionismo y el arte japonés (Retrato del père Tanguy), y se relacionó
con Toulouse-Lautrec, E. Bernard y Gauguin.
El contacto con el impresionismo sería determinante para su
obra. Establecido en Arles (La habitación de Vincent, 1888) por
consejo de su hermano, la soledad se le hacía insoportable.
Gauguin se instaló con él a instancias suyas pero la relación fue
haciéndose más y más difícil por el carácter violento de ambos;
Van Gogh se cortó el lóbulo de una oreja al intentar golpear a
Gauguin en una pelea.
Tras la marcha de Gauguin, Théo le visitó e hizo que ingresara
en el hospital de Arles, y más tarde en un asilo. En este período
Van Gogh pintó intensamente: paisajes, naturalezas muertas,
retratos, campos de trigo bajo un cielo azul plomo con vuelos de
cuervos, etc. Regresó entonces a París y se instaló en Auvers-
sur-Oise; el 27 de julio de 1890 se disparó un tiro y murió dos días después, dejando
una producción de aproximadamente ochocientos cuadros y otros tantos dibujos y
aguafuertes.
Autor de escaso éxito en vida, la exposición retrospectiva de 1891 que el Salón de los
Independientes dedicó a Van Gogh hizo que fuera reconocido como uno de los genios
de la pintura, cuya producción habría de ejercer una influencia determinante en todo el
arte del siglo XX, especialmente en el fauvismo y el expresionismo. Pintor de la luz, su
pincelada tosca y torturada cautiva por la intensidad de su pasión interior.
http://www.vangoghmuseum.nl/ INICIO

VELÁZQUEZ, DIEGO DE SILVA. (Pintor. 1.599-1.660): Nacido en Sevilla, además de

ser la personalidad artística más destacada de su tiempo, Velázquez es también la
figura culminante del arte español, sin rival hasta los tiempos de
Goya.
Realizó su aprendizaje en Sevilla, en el taller de Pacheco, con
cuya hija casó en 1617. Cuando todavía era un adolescente,
pintó algunas obras religiosas (La Adoración de los Reyes
Magos) con un realismo inusual y pronunciados efectos de
claroscuro. A la misma época pertenece una serie de obras de
género con figuras de prodigiosa intensidad y una veracidad en
la reproducción de los tipos humanos y de los objetos
inanimados (Vieja friendo huevos y El aguador de Sevilla).
También por entonces pintó inusitados cuadros de temática
religiosa ambientados en escenarios cotidianos, como Cristo en
casa de Marta o Cristo en Emaús; de hecho, la capacidad de convertir las escenas
religiosas en algo cercano y realista constituye una característica del barroco sevillano
que Velázquez legó a otros artistas de su tiempo.
Estas obras, de un estilo por lo demás muy distinto del de su época de madurez, le
valieron cierta reputación, que llegó hasta la corte, por lo que en 1623 fue llamado a
Madrid por el conde-duque de Olivares, valido de Felipe IV, para que pintara un retrato

49
del rey; tanto gustó la obra al soberano que lo nombró pintor de corte. Comenzó así
para Velázquez una larga y prestigiosa carrera cortesana, a lo largo de la cual recibió
destacados títulos, como el de caballero de la Orden de Santiago. Desde su
nombramiento oficial hasta el final de sus días pintó numerosos retratos de Felipe IV y
de diversos miembros de su familia, a pie o a caballo.
Se trata de obras de gran realismo y excepcional sobriedad en las que el magistral
empleo de la luz sitúa los cuerpos en el espacio y hace vibrar una atmósfera real que
los envuelve. Los fondos, muy densos al principio, se suavizan y aclaran con el paso
del tiempo. En los retratos femeninos (Mariana de Austria), el artista se recrea en los
magníficos vestidos, en los que muestra sus grandes cualidades como colorista.
La culminación de su carrera como retratista es Las Meninas, considerada por algunos
como la obra pictórica más importante de todos los tiempos. Hay que destacar
igualmente las incomparables series de enanos y tullidos de la corte.
Velázquez realizó dos viajes a Italia, uno en 1629-1631 y otro en 1648-1651. En
ambos produjo obras importantes: La túnica de José y La fragua de Vulcano en el
primero; los retratos de Juan de Pareja y de Inocencio X en el segundo; el del Papa es
un retrato portentoso, dotado de una vivacidad y un colorismo excepcionales.
Al genio sevillano se debe también una obra maestra de la pintura histórica, La
rendición de Breda. El mérito de la obra reside en la ausencia del engolamiento
habitual en los cuadros de temática histórica y en la plasmación de las facetas más
humanas del acontecimiento; en la composición admirablemente resuelta y en la
atmósfera de extraordinario realismo.
Artista prolífico, Velázquez dejó también importantes creaciones de temática religiosa
(Crucificado) y algunas de tema mitológico en clave cotidiana, como Los borrachos o
Las hilanderas, ésta una de las obras capitales del artista por la perfección que
alcanza en ella la perspectiva aérea. El tono de cotidianidad, de acontecimiento vivo,
confiere a estas realizaciones un particular atractivo. De temática mitológica es así
mismo la magistral Venus del espejo, el único desnudo femenino que pintó y uno de
los pocos de la historia de la pintura española.
http://www.museovirtual.org/velazquez.htm INICIO

VERMEER, JOHANNES. (Pintor. 1.632-1.675): Pintor holandés que no fue famoso

en su tiempo, pese a lo cual en nuestros días se le considera la gran figura del siglo
XVII holandés, después de Rembrandt. Probablemente, lo que más gusta de su arte
es lo inusual de la temática, la fuerza de la composición y el empleo de pocos colores,
claros y brillantes. Pasó toda su vida en Delft, donde perteneció al gremio de pintores,
que dirigió en dos ocasiones.
Se cree, sin embargo, que nunca se dedicó profesionalmente a
la pintura, sino que regentó el hostal heredado de su padre y un
negocio de marchante de arte. La necesidad de mantener a una
familia de once hijos le impidió gozar de suficiente desahogo
económico, tal como demuestra el hecho de que, un año
después de su fallecimiento, la viuda solicitara ser declarada
insolvente. Sus obras, realizadas probablemente por el puro
placer de pintar, representan escenas de la vida cotidiana, por
lo general interiores con una o dos figuras y algunos objetos,
plasmados con pinceladas densas y pastosas y con una
iluminación que realza el efecto de intimidad y otorga a la
escena cierto halo de misterio. Muy pocas de sus creaciones se
apartan de esta línea general (algunas escenas religiosas y
mitológicas), que es con diferencia la más valorada del artista. Por el rigor de la
perspectiva y los reflejos se ha llegado a sugerir que pudo servirse de una cámara
oscura para producir sus obras. Creaciones muy destacadas son también los dos
únicos paisajes de su mano que se conocen, en particular la Vista de Delft, obra que
supera las realizaciones de los mejores paisajistas de la época.
http://essentialvermeer.20m.com/ INICIO

50
 VILLANUEVA, JUAN DE. (Arquitecto. 1.739-1.811): Máximo
exponente de la arquitectura neoclásica en España, obtuvo
una beca para completar su formación en Italia. Residió en
dicho país de 1758 a 1765, pero la principal fuente de
inspiración para sus obras fueron los españoles Juan Bautista
de Toledo y Juan de Herrera, artífices de El Escorial. Su
carrera comenzó en 1767 con realizaciones para particulares.
En 1768 fue nombrado arquitecto de la comunidad de los
Jerónimos de El Escorial.
En 1777 Carlos III lo nombró arquitecto del príncipe y los
infantes. En lo sucesivo trabajó casi en exclusiva para la casa
real, para la que realizó sus obras más importantes: el
Observatorio Astronómico de Madrid y, sobre todo, el Museo del Prado, construido en
1785 como Museo de Historia Natural. Este edificio compendia a la perfección su estilo
caracterizado por el predominio de las líneas rectas y por la disposición simétrica de
los elementos arquitectónicos. Con sus materiales preferidos (granito y piedra blanca)
levantó edificios de enorme austeridad ornamental, en los que la armonía proviene de
la acertada combinación de las formas arquitectónicas (columnas, frontones,
ventanas). Fue un arquitecto prolífico, al que se deben también el edificio de la
Academia de Historia y el oratorio del Caballero de Gracia, ambos en Madrid, ciudad a
la que contribuyó a dar el nuevo aspecto de urbe moderna y monumental que deseaba
el rey Carlos III.
http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=175 INICIO

WRIGHT, FRANK LLOYD. (Arquitecto. 1.869-1.959): Este arquitecto estadounidense

pasó su infancia y adolescencia en una granja, donde vivió en estrecho contacto con la
naturaleza, algo que condicionó su posterior concepción de la arquitectura. En su
juventud se trasladó a Chicago, donde trabajó con L. H. Sullivan, con quien colaboró
estrechamente a lo largo de seis años.
Su primera obra en solitario fue la Charnley House de Chicago (1892), a la cual siguió,
algo más tarde, toda una serie de viviendas unifamiliares que tienen en común su
carácter compacto y la austeridad decorativa. En estas primeras realizaciones de
arquitectura doméstica, conocidas como prairies houses o «casas de las praderas»,
están presentes algunas de las constantes de su obra, como la concepción
predominantemente horizontal, el espacio interior organizado a base de dos ejes que
se cruzan y la prolongación del techo en alas que forman pórticos.
Con anterioridad, su genio innovador se había puesto de manifiesto en el Larkin
Company Administration Building de Buffalo (1904), donde
dejó el espacio central vacío desde la planta baja hasta el
techo, con el fin de que todas las plantas se abrieran mediante
balconadas a este amplio ámbito. Tras un viaje a Japón y otro
por Europa, se estableció en Spring Green (Wisconsin), donde
realizó para él y su familia el Taliesin I, destruido por un
incendio. La pérdida de su familia en este accidente lo afectó
de tal modo que decidió abandonar Estados Unidos y
trasladarse a Japón. En 1921 regresó al país y realizó una
serie de obras como la Millard House de Pasadena.
Siguió una época de reflexión y de planteamientos teóricos,
antes de volver a la actividad con obras en las que desempeña
un papel fundamental el hormigón armado. Entre ellas ocupa
un lugar destacado su creación más famosa, la Casa Kaufmann o Casa de la
Cascada, que se adapta al escalonamiento del terreno y prolonga hacia el exterior el
espacio interior, buscando la integración entre arquitectura y naturaleza. A raíz de esta
construcción, se definió el concepto de arquitectura orgánica u organicismo, corriente
de la que Wright es considerado el máximo exponente, pese a que no la formuló
teóricamente.
Esta arquitectura orgánica tuvo su máxima expresión en el complejo de Taliesin West,
en Phoenix, donde logró sintetizar todos los elementos formales que habían

51
caracterizado su obra hasta la fecha. Su carrera, que se prolongó a lo largo de más de
sesenta años, se cerró con el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York,
donde el arquitecto experimentó una nueva concepción del espacio, basada en el
desarrollo orgánico de plantas curvas o circulares de forma continuada.
En los últimos años de su vida realizó sobre todo proyectos, algunos de los cuales se
convirtieron en realidades concretas después de su muerte. El legado arquitectónico
de Wright puede resumirse en dos conceptos que constituyen el centro de su reflexión:
la continuidad exterior del espacio interior dentro de la armonía entre naturaleza y
arquitectura y la creación de un espacio expresivo en el interior de un volumen
abstracto.
http://www.franklloydwright.org/
http://www.paconserve.org/index-fw1.asp
http://www.wrightplus.org/flw/flw.html INICIO

ZURBARÁN, FRANCISCO DE. (Pintor. 1.598-1.664): Nacido en la provincia de

Badajoz, a los quince años se trasladó a Sevilla, donde fue discípulo del pintor Pedro
Díaz y donde conoció a Velázquez. Entre 1617, y 1628 permaneció en Llerena.
(Extremadura), aunque no se conoce ninguna obra suya que con seguridad pueda
situarse en esta época. En 1627 pintó su primera gran obra importante firmada y
datada: la Crucifixión del oratorio de la sacristía del convento dominico sevillano de
San Pablo el Real. Entre 1628 y 1629 llevó a cabo un ciclo de pinturas para el colegio
franciscano de San Buenaventura de la misma ciudad.
El arte de Zurbarán aparece ya perfectamente definido, y se aprecian en su pintura la
fuerza realista propia de los mejores pintores españoles de la época, su sentido de la
ordenación y de la monumentalidad. Además, el fondo oscuro de sus cuadros subraya
ya entonces la presencia volumétrica de las figuras.
En 1629 se estableció en Sevilla por invitación del Consejo Municipal de la ciudad.
Entre 1630 y 1639 se sitúa la etapa más fecunda de su obra, que abarca tanto
naturalezas muertas (Bodegón con naranjas, 1633) como obras de tema religioso
(Apoteosis de Santo Tomás de Aquino).
Llamado a Madrid en 1634, participó en la decoración del salón de Reinos del Buen
Retiro (La defensa de Cádiz contra los ingleses, y una serie de los Trabajos de
Hércules); durante este período, y siguiendo el ejemplo de Velázquez, renunció al
tenebrismo. En el clasicismo toscano, influido por los maestros venecianos, encontró
un estilo acorde con sus aspiraciones. Las pinturas del
retablo de la capilla de San Pedro de la Catedral de
Sevilla (1635-1636) permiten apreciar su evolución
artística.
Otra vez en Sevilla, trabajó para el convento de la
Merced Descalza (1636), para el que pintó varias obras
religiosas. Pintó también varios cuadros para la iglesia
de Nuestra Señora de la Granada, en Llerena, y para la
cartuja de la Defensión de Jerez de la Frontera, y en
1639 firmó un contrato con el monasterio de San
Jerónimo de Guadalupe para la realización de varios
cuadros. Son especialmente destacables las obras
realizadas para la cartuja de las Cuevas de Sevilla (San
Bruno y el Papa Urbano II, San Hugo en el refectorio de
los cartujos, Virgen de los cartujos).
En 1650 pintó la Anunciación para el conde de Peñaranda; muestra aquí un nuevo
estilo, en el que el uso del difuminado intenta atenuar la rigidez de las formas. En su
Inmaculada Concepción niña (1656) se detecta además una clara influencia de Guido
Reni. En 1658 se trasladó a Madrid, donde falleció seis años después.
http://www.imageandart.com/tutoriales/biografias/zurbaran/
http://www.epdlp.com/pintor.php?id=410 INICIO

ARQUITECTOS ESCULTORES PINTORES OTROS

52
 DICCIONARIO
BIOGRÁFICO
DE ARTISTAS.
(Para la elaboración de
este diccionario se han
consultado numerosas
fuentes en la red. Es
necesario citar
expresamente la
siguiente dirección:

http://www.biografiasyvidas.com/).

53