• Le dessin Histoire d’un art.

• Essai de définition
• Dessin : du latin designo = dessiner designer

• Qu'est-ce que le dessin ?

•
• À l'origine, le dessein, le projet, l’intention de montrer n’est pas un autre mot que le dessin, lequel
s’écrivait de la même manière jusqu’au XVIIIe siècle.
• L’un et l’autre sont des doublets issus du même mot de-signare d’où designo qui signifie dessin en italien et
qui recoupe plusieurs sens.
•
• Le dessin est "cosa mentale" issue d'abord de l'esprit ; le geste suit, le dessin est un mouvement à la fois
mental et physique.
• En France, la Renaissance va scinder le designo en deux, le desseing ou dessein concerne la pensée du
tableau à venir, l'esquisse, les premières ébauches, constitueront le dessin.
• Ces définitions entreront dans les traités qui serviront de références à l'Académie. Il est à noter qu'au XVIIe
siècle, on écrira indifféremment desseing ou dessin. Le dessin est alors considéré comme une technique
préparatoire à l’œuvre.
• Il est assujetti à la peinture, la sculpture, l’architecture, dont il est le constituant principal.
• On distingue généralement dans l'élaboration d'une œuvre des étapes ou des états de réalisations partant
d'une première pensée, rapides croquis, esquisses, puis une mise en place générale de la composition suivie
d'études de détails, puis du modello, dessin souvent très pictural donnant des indications de valeurs et
enfin le carton, dernière étape précédant l'exécution définitive.
• Si de nombreux dessins sont des études préparatoires à des œuvres plus importantes, très tôt, il existe
cependant des catégories de dessins qui ont d’autres finalités. Outil de connaissance et de maîtrise du réel,
le dessin d’observation, le dessin sur le vif, le dessin de mémoire, n’ont pas toujours de relations directes
avec une œuvre à venir.
• Si le XVIIIe siècle, est généralement considéré comme l’époque où l’on commence à exécuter un dessin pour
sa seule valeur artistique, indépendamment de toute destination. Le goût grandissant du public pour ces
dessins qui nous paraissent des œuvres accomplies ne doit pas nous leurrer, pour l’amateur de l’époque,
l’instant capturé par le dessin indique la virtualité d’une œuvre à venir.
• Ce ne sera qu’à la fin du XIXe siècle que le dessin sera vraiment reconnu comme un art
autonome.
• Si le dessin prépare à l’œuvre, il lui est aussi totalement lié, dans certaines langues anciennes
on utilisait les mêmes termes pour signifier peinture ou dessein. Pour l’artiste, le dessin n’est
pas seulement nécessaire à l’élaboration de l’œuvre, il est déjà l’œuvre.
• Pour Cézanne « le dessin et la couleur ne sont point distincts, au fur et que l’on peint, on
dessine. Plus la couleur s’harmonise plus le dessin se précise. Quand la couleur est à sa
richesse, la forme est à sa plénitude. Les contrastes et les rapports de ton, voilà le secret du
dessin modelé ».

• Où est la limite entre un dessin et une peinture ?

• Conventionnellement on devrait dire que l’art du dessin privilégie la notation des limites, par le
trait par rapport à une représentation picturale résultant de l’emploi des couleurs et matières.

• Pourtant, depuis les premières représentations pariétales, il y a une relation intime entre la
peinture et le dessin, relevant de l’ambiguïté entre l’acte de peindre et de dessiner.

• Léonard de Vinci en améliorant la technique du « Sfumato » souligne, en noyant les contours de

la représentation dans les vapeurs de l’air, le caractère énigmatique de la vision qui, pour mieux
saisir le réel, le vaporise. La peinture et le dessin viennent de cette hésitation entre la tâche et
le trait, entre l’ombre et la lumière.
Le dessin comme geste.
Le dessin est une trace: trace d’une idée qui, à travers le geste, se fixe sur la feuille. Ce geste peut alors
être éduqué et formé à imiter le réel, ou bien laissé libre d’exprimer l’intériorité du dessinateur.

Les traces de doigts imprimés dans l'argile des grottes préhistoriques correspondent aux premiers gestes de
l’humanité , quand ces traces furent organisées en système cohérent, naquirent les premiers dessins.

Le geste est à la source du tracé graphique.

- 1 Calligraphie chinoise. Encre sur papier, pinceaux. Tracé d’un geste parfaitement maitrisé.(Liang K’ai
XIIIes)

- 2 Dripping (égouttement )de Jackson Pollock. Pollock devient lui-même pinceau ou crayon. Le tableau
posé à l’horizontal sur le sol, reçoit la trace de ses déplacements et de ses gestes qui se superposent
jusqu’à un résultat final.

- 3 Abstraction lyrique de Hans Hartung .Succession de vigoureux traits noirs, gestes nerveux de l’artiste
sur un carton blanc qui constitue l’affirmation d’une présence qui devient alors expression.

- 4 Frontière entre le geste et le signe: Lucio Fontana. Tableaux coupés, entaillées comme des
blessures inguérissables infligées au support pictural et à l’ âme de l’artiste.

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 Préhistoire.

Dessin: première manifestation d’une pensée créatrice.
Art symbolique avec une puissance magique.

Grottes de Lascaux. France. Vers 1500 av Bison. Grottes de Lascaux. Vers 1500 av J.C
J.C
Techniques:
Gravure à l’aide d’outils en pierre ou en bois pour inciser les parois.
Crayon de bois carbonisé
Craie blanche
Lavis passés au doigt ou au pinceau végétal
Peinture soufflée dans des pailles
Pigments d’ocre, de charbon, d’oxyde de manganèse
Lions. Grottes de Chauvet. Ardèche France Antilope couchée. peinture rupestre gravée
7000-15000 avt JC paléolithique moyen. du Tassili n'Ajjer Algérie néolithique 10000 ans
L'Egypte antique.

Représentation symbolique, très codifiée destinée
aux Dieux.
Idée de contour.
Les artistes égyptiens représentaient une figure en représentant
chacune de ses parties vues sous son angle le plus caractéristique.

La représentation humaine se faisait de profil pour la tête, l’œil est

représenté de face, les épaules sont représentées de face pour
rendre visible les deux bras, les jambes de profil pour représenter le
mouvement, les deux pieds sont représentés par leur face interne
pour une facilité de représentation, comme si le personnage avait
deux pieds gauches.

Techniques:
Gravure sur pierre, sur bois , sur enduit de chaux, stuc
Papyrus, lin

Portrait de Hesire, portail de son tombeau, vers 2778-2723 av JC,

bois, h 115cm.
Le Caire musée égyptien.
 La forme la plus
caractéristique du bassin

,, est celle vue de haut. Les

poissons et les oiseaux
sont vus de profil. Les
arbres sont vus de profil
pour que l’on distingue
leur espèce.

Méthode de dessin qui se

rapproche plus de celle
d’un cartographe que
celle du peintre.
Le dessin doit être
complet et conserver
l’essence même de la
chose représentée le plus
durablement possible.
L’art égyptien n’était pas
destiné à être apprécié
des vivants ,il était
destiné à accompagner le
pharaon dans l’autre
monde .

Le jardin de Nébaton, vers 1400 av JC, peinture murale, 64 x 74.2cm.

Provient d’un tombeau de Thébes. Londres British muséum.
 Techniques:
Technique de la grille de proportion,
faite à partir d’une corde imbibée
d’encre rouge.
Dessin effectué par un scribe
dessinateur. Le peintre a
essentiellement pour fonction de
préparer ses couleurs, ses pinceaux
et tout le matériel accessoire.
Pigments colorés, d'origine minérale
(carbonate de cuivre pour le bleu,
oxyde de fer hydraté pour le jaune),
délayés avec de l'eau et un adhésif,
soit avec de l'albumine, avec de la
gomme d'acacia, soit avec de la
gélatine issue des os, peaux, graisses
et cartilages d'un animal.
Les pinceaux sont des roseaux ou
joncs, auxquels étaient ajoutés en
cas de nécessité du crin de cheval,
des cheveux humains ou encore des
fibres végétales.
Utilisation symbolique des couleurs.
Les couleurs appliquées dans leurs
périmètres indiqués par aplat .
Une convention régissait les
couleurs, bleu pour Amon et ,vert
pour Osiris ,rouge pour Seth .Les
populations étaient également
Scène inachevée - tombe de Horemheb .Vallée des rois, Thèbes ouest. différenciées par leur couleur, brun
pour les Égyptiens et les Européens,
noir pour les Africains, jaune pour les
Asiatiques ; hommes et femmes
étaient représentés, en brun pour les
premiers, plus clair pour les
seconds . La palette est cependant
réduite.
 La Grèce antique.


• Achille et Ajax jouant

aux dames, vers 540 Le départ du
av J.C. h 61 cm. Vase guerrier vers 510-
• à fond noir signé par 500 av J-C, h 61cm.
Exekias. Rome. Musée Vase « à fond
du Vatican. rouge » signé par
Euthymidès.
Traces de l’art égyptien.
Les deux figures sont représentées de profil, . Munich.
mais les corps ne sont plus représenté à la Découverte du raccourci. Pied vu de face.
manière égyptienne. Son bouclier est vu de profil et non pas symboliquement
On ne voit pas le bras gauche d’Achille qui est de face .
dissimulée par son corps. La représentation se dégage du sacré et évolue vers la
recherche de la vraisemblance.
 Moyen Age.

Art religieux qui véhicule des concepts théologiques abstraits. Idée de contour.

Miniature du roman de Mélusine par Couronnement de la Vierge – Lettrine D


les maitres de Guillebert de Mets. Livre d’heures de Gysbrecht de Brederode, en latin

1410. Miniatures des collections de l’Université de Liège
Technique de l’enluminure:
Esquisse, puis mélange des pigments de couleurs minérales et animales avec de la colle animale et
coloriage par couche s successives (les couleurs ne se mélangent pas), sur un parchemin préparé à l’aide de
peaux d’animaux (le vélin, peau de chevreau est le meilleur). Les formes sont cernées d’un trait d’encre au
pinceau.
 Vitrail. Europe. Verres, plombs.
XIIIes.
Le vitrail est réalisé à partir
d’un carton d’étude qui sert
de patron afin de découper les
verres de couleurs. Un réseau
de plomb maintient les verres
entre eux, structure et
Album de Villard de Honnecourt, parchemin relié de cuir. XIIIes. Bibliothèque délimite le dessin.
nationale de France.
Le livre des portraitures est un recueil de schémas utiles pour les architectes et maitres d’œuvre. Ses
représentations sont schématiques, sans couleurs ni modelé ,pour que l’utilisateur puisse voir par le simple
contour les traits essentiels nécessaires à la compréhension.
Techniques du dessin: Dessins préparatoires :
Parchemin Architecture. Peinture. Sculpture. Enluminures
Plume
Mosaïque. Fresques. Vitraux. Icones.
Pointe d’argent
Tapisseries.
Bistre, sépia
Grisaille pour donner les nuances d’ombres Joaillerie. Arts du métal…
 La Renaissance
Le dessin de la Renaissance est un moyen de connaissance analytique de la nature,
étude préparatoire aux tableaux à venir.

Giorgio Vasari,(1511-1574) ,peintre et architecte italien.

Auteur de « Vies », considéré comme un livre fondateur de l’histoire de l’art.

Giorgio Vasari , Athéna dans la forge de Vulcain,musée du

Louvre. Dessin papier coloré, pierre rehaussée de blanc. Giorgio Vasari, Judith et Holofernes, 1554.
Léonard De Vinci, peintre florentin (1452-1519)

Etude de l’anatomie, d’animaux, d’herbier, de la perspective, des effets de clair-obscur….

Planche anatomique. Etude de chevaux vers 1490 Étude à la sanguine

Dessins tirés du Codex (1478 à 1518)

Techniques:
plume, mine de plomb et d’argent, crayon de pierre noire d'Italie, sanguine, fusain.
Sainte Anne, la Vierge et l’Enfant Jésus
bénissant saint Jean Baptiste, dite Vierge à l’Enfant avec sainte Anne, saint
Carton de Burlington House
 Joseph et saint Jean Baptiste enfant.
Vers 1500, Pierre noire, rehauts de blanc Vers 1530,Florence.
sur un montage de huit feuilles de papier
collées sur toile. H. 141,5 ; l. 104,6 cm

The National Gallery, Londres.
Le sfumato est une des techniques picturales qui
produit, par la superposition de plusieurs couches
de peinture extrêmement délicates, un effet
vaporeux qui donne au sujet des contours
imprécis.
Elle fut mise au point par Léonard de Vinci, qui la
décrivait comme « sans lignes ni contours, à la
façon de la fumée ou au-delà du plan focal ».
Le terme sfumato, en italien, dérivé de fumo,
« fumée », signifie « évanescent ».

Portrait de Lisa Gherardini del

Giocondo, dit Mona Lisa, dit La
Joconde.
(version d’atelier qui a gardé ses coloris
vifs)

Huile sur bois .

Vers 1503-1516,Museo Nacional del
Prado.
Jérôme Bosch, peintre néerlandais, (1450-1516) .

Le jardin des délices. 1503. Huile sur bois. 220x389cm. Musée du Prado. Madrid. Etude.

Dans les autres pays d’Europe, le dessin conserve un caractère fortement linéaire.
Il faudra attendre le 17 ème siècle pour que la France subisse l’influence italienne.
Albrecht Durer, peintre allemand, (1471 -1528).

Autoportrait 1498 huile sur bois 52x41cm La mère de l'artiste ,1514, pierre noire sur papier
42.1x30.3cm
Rhinocéros gravure
Rhinocéros dessin Apocalypse gravure

Lièvre 1502 aquarelle et gouache sur

papier 25x22.5cm
 XVII ème.
Rembrandt, 1606-1669, peintre Baroque, néerlandais, célèbre pour ses eaux
fortes, et ses clair-obscur.

Autoportrait. « Rembrandt appuyé sur une

balustrade », gravure à l’eau forte, 1648.

L’annonce aux bergers. Eau-forte,

gravure et pointe sèche, 29.5 x 24.9
cm. 1634.
Rembrandt. Dessin préparatoire à l’eau forte.
L’Apotre Paul méditant, 1627, 1629, lavis, encre
de chine, rehauts de gouache, sanguine, haut: Rembrandt. L’apôtre Paul dans sa prison, 1627,
0,175m, larg: 0,178m. Musée du Louvre. peinture à l’huile, haut 73×60 cm.
Réalisme, forte expressivité, travail du clair-
obscur.
Abraham Bosse, le contrat, estampe, 1633, procédure de la taille rangée.
Abraham Bosse, 1604- 1676 membre de l'Académie royale de peinture et de sculpture, fut
l'un des meilleurs graveurs français du XVIIe siècle
Rubens Pierre Paul, 1577-1640, peintre belge, baroque.

Rubens. Etude du « Débarquement à Marseille » Rubens. Arrivée de Marie de Médicis à Marseille.

1622-1625. Huile sur toile,394 x 295 cm, 1622 – 1625, Louvre.
 Rubens, Deux chérubins endormis 1612 - 1613,
Rubens , portrait de son fils Nicolas, huile sur toile,50,5 x 65,5 cm

vers 1620, pierre noire et sanguine sur papier, Musée national d'art occidental, Tokyo, Japon.
25.2x20.3cm
Poussin Nicolas,1594-1665, peintre français classique,célèbre pour ses compositions.

Poussin, Sainte Famille au bassin. Paris, vers 1551 1671, Musée du Louvre.
Poussin, Eliezer et Rebecca, huile sur toile, 118 x 197 cm
Le Lorrain, 1600-1682, peintre français classique, célèbre pour ses paysages.

Claude Gellée, dit le Lorrain (1600 ou 1604/1605 – 1682)

Vue de l’abside et de la coupole de la basilique Saint-Pierre,
Rome
Vers 1630-1635

Plume et pinceau, encre brune H. 11,6 cm L. 18,5 cm
Haarlem, musée Teyler
Paysage pastoral : tempête
Plume, lavis brun, rehauts de blanc sur papier beige - 26 cm x
20 cm Haarlem, musée Teyler
Exécuté d’après nature à la pierre noire, avec juste quelques touches de lavis gris, ce dessin est l’un des plus
grands et des plus impressionnants parmi les nombreuses études d’arbres du Lorrain; c'est l’essence même de
l’arbre comme organisme vivant que l’artiste cherche à capter.
 XVIII ème s .
Watteau Antoine, 1684-1721, peintre français rococo.

Watteau, étude d’homme nu.

Watteau. Portrait à mi-corps d’un jeune homme vu de profil, tourné vers la gauche, accordant un
violon qu’il tient sous son bras droit. Vers 1718-1720 Pierre noire et sanguine 30,5 x 15,2 cm Dublin,
National Gallery of Ireland.
 Le passage du XVII au XVIII è n'apporte pas de grands
changements dans le domaine du dessin mais un
élargissement . A l’époque du rationalisme et des Lumières ,les
manuels pour apprendre à dessiner correctement se
multiplient.
Le mot « dessein » entre dans l’Encyclopédie de Diderot et
d’Alembert, « et veut dire l’art d’imiter par les traits, les
formes que les objets présentent à nos yeux ». L’artiste utilisait
le trait, la ligne qui attirait toutes les réflexions des
théoriciens, mais les notions de « tache , d’esquisse, de
première pensée » étaient présentes.

Watteau. Pierrot dit Gilles, 1718, 1719, Watteau, Nymphe et satyre ou Jupiter et Antiope, 1715-16.
Haut 185cm x 150cm. Musée du Louvre. Haut 73,5cm x 107cm. Musée du Louvre
 Le dessin est l’étude et l’imitation des corps;
il doit précéder la couleur, pour que l’on
puisse étudier et imiter les formes des corps,
indépendamment de leurs
couleurs » (C.H.Watelet)

Les systèmes optique s se développe nt pour

dessiner d’après nature (chambre optique de
Canaletto).

Fragonard, peintre francais,1732-1806.

Fragonard, main détail, sanguine.

Fragonard, paysage ,musée du Louvre.

Fragonard, L'Hermite, détail, Illustration pour les
Contes de La Fontaine, lavis au bistre.
Fragonard, L’ escarpolette, 1767,
Huile sur toile, 81 x 64,2 cm. Wallace collection.
 Boucher Antoine, 1703-1770, peintre français rococo.

Boucher, La naissance de Venus, 1754, Huile sur toile.

Haut 79,2cm x 138,7 cm. Collection Wallace.

Boucher. Dessin .Deux fleuves et deux naïades, ou

La réunion des fleuves (ancien titre).
 XIXe s.Le dessin devient un art autonome. Apparition du crayon Conté.
Au XIX è s, les certitudes des siècles précédents concernant le dessin sont en partie, remises en cause.
Les premières décennies subissent encore les influences du néoclassicisme à travers David et Ingres, tous
deux virtuoses du dessin. Ingres va attribuer une importance particulière à la ligne, faite de modulations,
d’inflexions de grâce sensuelle.

Ingres Jean Auguste Dominique, 1780-1867, peintre français néoclassique.

Ingres. Dessin, crayon conté. Musée Ingres

Montauban.

Ingres. Dessin, crayon conté. Musée Ingres

Montauban. Ingres. La Grande odalisque, huile sur toile, 91cm x 1,62m,
1814, Paris, Musée du Louvre.
 Delacroix Eugène,1798-1863, peintre français romantique.

Delacroix. Etude pour la Liberté Delacroix . La liberté guidant le peuple. 1830 260 x 325cm.
guidant le peuple. Dessin à la plume. Huile sur toile. Musée du Louvre
Delacroix. Etude de détail La mort Delacroix. La mort de Sardanapale. 1826 1827. Huile sur toile.
de Sardanapale. 1826 1827. H. : 3,92 m. ; L. : 4,96 m. Musée du Louvre. Paris.
Sanguine et pastel sur papier
ocre.
 Goya Francisco, 1746-1828, peintre espagnol, romantique.

Goya. Série Les Proverbes : Manière de voler.

Vers 1816-1824.
Eau-forte, aquatinte brunie et pointe sèche.
32cm x 47 cm. Collection musée Goya.

Goya. Le colosse ,manière noire, vers 1810-1817.208 x 287cm.

Friedrich Caspar David ,1774-1840, peintre allemand romantique.

Friedrich .Vue de l'est de la ruine Eldena Friedrich. La ruine du monastère Eldena, près de
près de Greifswald ,dessin à l’ aquarelle, Greifswald, 1824-1825, huile sur toile, 350 c x 490 cm,
crayon graphite, pinceau. Allemagne, Dresde. Allemagne, Berlin, National galerie
William Blake, 1757-1826, peintre et poète anglais, romantique.

William Blake. L’ancien des jours. 1794. William Blake. Le grand dragon rouge et la femme aux
Gravure, aquarelle, plume et encre. habits de soleil. 1806-1809. Tempera , Encre , Mine de
22,3cm x 16,8 cm. British muséum. Londres. plomb et Or. 42x34,3 cm. Musée de Brooklyn, New York.
Millet Jean François, 1814-1875, peintre français, réaliste.
Millet représente des scènes de la vie quotidienne, le plus souvent des scènes rurales
dans le nord de l’Europe. Ces peintures sont réalisées dans de très grands formats..
L’intérêt du peintre pour les gens ordinaires fascinera d’autres artistes comme
Pissarro, Monet et Van Gogh. Son trait vigoureux et sa prédilection pour les pastels
influenceront les impressionnistes.

Millet. Les glaneuses. Eau forte.1857. Millet .Les Glaneuses, 1857, huile sur toile, 83.5 x
110 cm, musée d'Orsay, Paris.
 Le premier changement est constitué par l’apparition de la « tache » et la remise en
cause des leçons académiques du clair-obscur. Les impressionnistes comprennent
que les ombres ne sont pas seulement noires mais colorées. Le dessin s’adapte à
cette nouvelle lecture de la réalité en employant des techniques diverses: fusain,
plume, pinceau et lavis non plus pour décrire les formes mais pour capter la lumière.

Van Gogh Vincent, 1853-1890, peintre néerlandais.

Van Gogh Trois maisonnettes aux Saintes Maries -. Van Gogh. Trois cabanes blanches aux Saintes
Dessin à la plume -.4 juin 1888 . Maries - Huile sur toile -.Début juin 1888 .
Musée van Gogh à Amsterdam. Kunsthaus Zurich.

Van Gogh employait couleurs et formes pour exprimer son sentiment relatif aux objets qu’il peignait.
• Avec l’apparition de la photographie, qui fixe les formes de la réalité de
manière objective, les artistes réagissent de plusieurs façons:
• ils tentent d’adapter le dessin à cette objectivité en utilisant la chambre
optique, qui avait déjà connu un grand succès au XVIII ès,
• Ils se démarquent de la photographie en utilisant de très grands formats
(Les Nymphéas de Monet)
• Ils adoptèrent l’idée de subjectivité, qui se traduit par un dessin plus
libre, plus spontané, plus propre à communiquer les états d’esprit.
• Le plus grand représentant de cette nouvelle manière de dessiner est
Vincent Van Gogh capable de traduire en peinture les mouvements de son
âme. De son art nait l’expressionnisme des fauves et de Die Brücke.

« Le dessin est une lutte entre la nature et l’artiste, ou l’artiste triomphera
d’autant plus facilement qu’il comprendra mieux les intentions de la nature »
Charles Baudelaire.
 Degas Edgar, 1834-1917, peintre français , rattaché aux impressionnistes.

Degas. Danseuse rajustant son brodequin, Degas. Danseuse ajustant ses chaussons. Env 1880 1885.
dessin rehaussé. Pastel. 47cm x 43 cm.
Degas à travers ses thèmes de prédilection comme celui des danseuses et des
chevaux de course, tente de fixer sur la feuille ou sur la toile, la scène prise sur le
vif, l’image du mouvement et de l’énergie des corps, de l’espace, des jeux de la
lumière et de l’ombre.

1. Edgar Degas Cavalier étude pour La Fille de Jephté.

2. Danseuse debout 1877.
3. Edgar Degas Deux danseuses rose et jaune 1898.
Pastels.

3
 Hokusai Katsushika (1760- 1849), le « fou du dessin » japonais .
Le dessin et estampe japonais exercèrent une grande influence sur le monde occidental dès le XVIII ès.
Au XIX ès, l’intensification des échanges commerciaux avec le Japon a permis à de nombreuses estampes qui
servaient souvent de papier d’emballage ,de pénétrer en occident.. Ces œuvres jouèrent un rôle fondamental
dans le développent de la poétique de nombreux courant s artistique s du XIXè s comme celle des
impressionnistes (Manet , Monet..)et des artistes de l’Art nouveau comme Klimt, Beardsley…). Ces artistes
trouvèrent une tradition étrangère aux règles et aux clichés académiques (répétition des modèles de
l’Antiquité et de la Renaissance) dont ils cherchaient à s’affranchir. Les artistes du Japon goutaient tout ce
qui peut y avoir d’imprévu dans l’aspect fugitif du monde extérieur.

La grande vague de Kanagawa,

(1831) est la première des 46
estampes composant les Trente-
six vues du Mont Fuji, l'une des
œuvres majeures d'Hokusai. Hokusai. « Tête de vieil homme » stylisée à
la limite de la caricature.
Hokusai qui était aussi un habile graveur, maitrise parfaitement le pinceau et l’encre. Il est capable de doser
l’intensité des pigments, d’employer un pinceau plus ou moins chargé ,pour obtenir des pleins et des déliés.


Odilon Redon, 1840-1916, peintre français, symboliste.

Odilon Redon Odilon Redon. L ’œil comme un

Araignée souriant, 1881
Fusain sur papier
49,5 x 39 cm
Paris, musée d’Orsay.
ballon bizarre se dirige vers l’infini
26,2 x 19,8 cm. À Edgar Poe,1882
Lithographies sur Chine appliqué
sur vélin
Bibliothèque nationale de France.

Odilon Redon 1840 – 1916, Hommage à Léonard de Vinci.

Vers 1914. Pastel sur papier. Amsterdam, Stedelijk Museum.
Gustave Moreau, 1826 – 1898, peintre symboliste français.

Gustave Moreau. Dessin préparatoire à Salomé Gustave  Moreau, Salomé dansant devant Hérode ,
1876,  92x60 cm. Collection privée  New York
dansant devant Hérode. 1876.
Beardsley Aubrey Vincent ,1872 -1898, illustrateur anglais, art nouveau.

Beardsley. 
 Beardsley. La jupe-paon


Illustration pour Salomé d'Oscar Wilde ,1893. Illustration pour Salomé d'Oscar Wilde,1893.
papier , graphite, encre,16 x 22.7 cm papier , graphite, encre,16 x 22.7 cm
Klimt Gustave,1862-1918, peintre viennois, art nouveau.

Klimt. Judith II (Salomé), 1909

Klimt,. Sang de poisson, illustration pour la revue Ver Sacrum n°3, Huile sur toile, sans cadre 176x46 cm
1897-1898 Fondazione Musei Civici di Venezia
Egon Schiele ,1890-1918, peintre, dessinateur, expressionniste viennois .

Schiele, autoportrait,1912.

 Femme nue allongée,1914.

Schiele, femme assise genoux plié, 1917.

Le dessin est très net, le trait est mouvementé,

énergique, il reflète l’intériorité torturée des
corps.
Munch Edvard, 1863 - 1944, peintre et
graveur expressionniste norvégien.

1 3

2 4
1 Séparation. 1896.
2 Homme et femme, gravure sur bois, 40 x 54 cm –
1905.
3 Vampire ou Amour et douleur 3eme version.
4 Vampire ou Amour et douleur 1893–94 huile sur toile,
91cm x 109cm, version in National Gallery, Oslo.
 Gustave Doré , 1832-1883, illustrateur, graveur, peintre et sculpteur, français .

Doré. Contes de Charles Perrault, le petit chaperon

rouge, gravure.1867.

Le dessin au service de l’imaginaire.

Doré. La Divine Comédie. Dante. Gravure.
1861 à 1868
Alfons Mucha, 1860-1939, affichiste, illustrateur, graphiste, peintre, sculpteur,
tchèque.

Affiches publicitaires: Job. 1896 Salammbô 1896. Savonnerie de Bagnolet. 1897.

 XXe s.
Le XX è siècle commence avec le bouleversement de la 1ere guerre mondiale.
C’est le début de l’art moderne ,le siècle des avant-gardes, à commencer en 1905 par les fauves (Matisse) et
die brücke (Kirchner) , en 1907 avec le cubisme (Braque et Picasso), en 1909 avec le futurisme (Balla) , le
constructivisme russe (Tatlin) le dadaïsme (Duchamp).,le surréalisme (Dali) (cf « Les Ismes de l’art », livre
de Hans Arp et El Lissizki).
Le dessin ne mise plus l’imitation, il est un projet essentiellement visuel.
Des dessins comme « verre et paquet de tabac » de Braque (1912) sont des exercices
intellectuels,s’affranchissant de toutes les règles de la perspective, de l’espace.
Le processus de l’abstaction nait avec « Aquarelle abstraite » de Kandinsky en 1910.

Dans la seconde moitié du siècle, plusieurs tendances se distinguent:

-le travail préparatoire composé de croquis, de réflexions, d’annotations qui montrera l’œuvre en train des e
faire: « Le grand verre » de Duchamp
-la pensée elle-même en train de se faire, « penser c’est agir »: Art conceptuel (Beuys)
- La création sous l’impulsion du geste, peinture abstraite: l’expressionnisme abstrait (Pollock, Hartung)
-les arts graphiques se renouvellent entièrement, l’affiche est collectionnée (Lichtenstein), la bande dessinée
connaît un énorme succès.
La culture populaire est mise à l’honneur avec le Pop Art (Andy Wharol) . Les objets de la société de
consommation sont érigés en œuvres d’art.
-l’arrivée de nouvelles technologies, ordinateur, traceur, imprimante, vidéos…(Art photographique :Cindy
Sherman, Art vidéo: Nam June Paik...) révolutionnent les pratiques plastiques.
-L’art s’interroge sur ses différents supports (Support surface, Arte povera), sort des galeries, atteint la rue
(Street art) et investi des espaces monumentaux, des bouts de paysages (Land art)…
 Vassily Kandinsky, 1866-1944, peintre russe et théoricien de l’art abstrait.

Cette aquarelle est un

véritable point de non
retour de la peinture
occidentale. Les formes
abstraites, qui avaient
toujours eu une fonction
décorative, pouvaient à
présent devenir de
véritables sujets.
Kandinsky construit
l’image à travers les
relations spatiales entre
points, lignes, plans,
couleurs, rythmes.

Aquarelle. 1910, 1913? Mine de plomb, aquarelle et encre de Chine


49,6 x 64,8 cm
Kasimir Malevitch, 1879-1935, peintre polonais, suprématiste.
« zéro des formes », idée de l’art à la limite du néant, d’un rien pensé comme
l’interface du visible et du non visible.

Dessin suprématiste, 

Crayon sur papier ligné, 16,5x10,8 cm, 1915

Carré blanc sur fond blanc, huile sur toile,

Croix noire, huile sur toile, 80cmx80cm, 1915.
79,’cmx79,4cm, 1918 Musée d’art moderne de NY..
George Braque , 1882-1963, peintre cubiste français.

Cubisme: Les peintres décomposent les sujets et

objets en couleurs et éléments géométriques
simples (cônes, cylindres, et cubes). Ils
abandonnent la perspective, réinventent la
manière de figurer des plans sur un support
bidimensionnel (toile).

La technique du collage apparaît avec Braque et

Picasso en 1912. Désormais, comme l’écrit
Apollinaire en 1913, « on peut peindre avec ce
qu’on voudra, avec des pipes, des timbres poste,
des cartes postales ou à jouer, des candélabres,
des morceaux de toiles cirées, des faux cols. »
L’environnement quotidien se révèle un réservoir
inépuisable de matériaux.

Georges Braque, Compotier et cartes, début

1913. Huile rehaussée au crayon et au fusain
sur toile,
81 x 60 cm. Paris, Centre Pompidou.
Antonio San’ Elia (1888-1916), Giacomo Balla (1871-1958) Futuristes italiens.
Le futurisme est né en Italie autour du poète Filippo Tommaso Marinetti (Manifeste du futurisme, 1909).
Auteurs de deux manifestes en 1910, les premiers peintres du mouvement, Giacomo Balla, Umberto Boccioni,
Carlo Carrà, Gino Severini, Luigi Russolo, prônent la vitesse, le mouvement,le dynamisme, la machine.

Antonio Sant’Elia « Città Nueva » Station ferroviaire et aéroport de la « Città Nuova »

Dans sa volonté de restituer graphiquement le mouvement de la réalité, ce

dessin exprime la poétique du futurisme, courant artistique né en 1909 peu après
le cubisme. Tandis que le cubisme est statique et que la décomposition des objets
sur le plan se borne à les représenter simultanément de point de vue différents,
le futurisme veut saisir les formes en mouvement et les fixer sur la toile en
« sensation dynamique/énergique »
Balla décrit en bleu les évolutions de l’avion et le tourbillon de l’hélice, tandis
qu’il représente en jaune des embryons de silhouettes du paysage vu de l’avion
avec effet de soleil.

Giacomo Balla, Linee Forza Aereo Caproni. 1915.

 Marcel Duchamp,1887-1968, peintre, plasticien français, naturalisé américain.
Malgré ses affinités avec Dada ou les surréalistes, Duchamp reste un artiste indépendant.
Les toiles cubistes qui marquent ses débuts sont jugées incongrues et en 1912, le Nu descendant un escalier ,
proposé au salon des indépendants de Paris, est refusé. La toile est envoyée aux Etats-Unis pour attirer et
exposer l’avant-garde européenne, Duchamp y est perçu comme l’artiste phare de l’école de Paris. A New
York se crée le salon des indépendants qui s’engage à exposer tout ce qui lui sera envoyé. Duchamp propose
Fontaine, 1917, un urinoir posé à plat et signé « R.Mutt », pseudonyme issu du nom du fabriquant. L’oeuvre
est refusée!
Duchamp conçoit chaque oeuvre comme une aventure de l’esprit partagée
avec le
public. « Ceci est une œuvre d’art. « C’est le regardeur qui fait le tableau »
Marcel Duchamp.

Duchamp. Fontaine, 1916.

Duchamp .Nu descendant
l’escalier, 1912
Huile sur toile 146 X 89CM
Philadelphia, Museum of Art
Ready made.
Les ready-mades sont des
objets manufacturés
arrachés au fonctionnel
du quotidien érigés au
statut l’œuvre d’art par
l’artiste.
Duchamp. La boite verte. La mariée mise à nu
par ses célibataires, même,.1934. Fac-similés
sur papier et emboîtage de carton avec
application de cuivre et plaque de verre,
2,2 x 28 x 33,2 cm.
Surréalisme.

Le groupe des Surréalistes s’est formé à partir de l’esprit de révolte qui caractérise les avant-gardes
européennes des années 20. Tout comme le mouvement Dada, auquel certains ont appartenu, ces poètes
et ces artistes dénoncent l’arrogance rationaliste de la fin du 19e siècle mise en échec par la guerre.
Constatant néanmoins l’incapacité du Dadaïsme à reconstruire des valeurs positives, les Surréalistes s’en
détachent pour annoncer l’existence officielle de leur propre mouvement en 1924.
Dominé par la personnalité d’André Breton, le Surréalisme est d’abord d’essence littéraire. Son terrain
d’essai est une expérimentation du langage exercé sans contrôle. Puis cet état d’esprit s’étend rapidement
aux arts plastiques, à la photographie et au cinéma, non seulement grâce aux goûts de Breton, lui-même
collectionneur et amateur d’art, mais aussi par l’adhésion d’artistes venus de toute l’Europe et des États-
Unis pour s’installer à Paris, alors capitale mondiale des arts.
Les artistes surréalistes mettent en œuvre la théorie de libération du désir en inventant des techniques
visant à reproduire les mécanismes du rêve. S’inspirant de l’œuvre de Giorgio De Chirico, unanimement
reconnue comme fondatrice de l’esthétique surréaliste, ils s’efforcent de réduire le rôle de la conscience
et l’intervention de la volonté. Le frottage et le collage utilisés par Max Ernst, les dessins automatiques
réalisés par André Masson, les rayographes de Man Ray, en sont les premiers exemples. Peu après, Miró,
Magritte et Dali produisent des images oniriques en organisant la rencontre d’éléments disparates.
Leur première exposition collective a lieu à Paris en 1925. Puis le mouvement se diffuse à l’étranger pour
atteindre une renommée internationale avec les expositions de 1936 à Londres et à New York, de 1937 à
Tokyo, de 1938 à Paris, notoriété renforcée par l’immigration aux États-Unis de la majeure partie du
groupe pendant la guerre. Le Surréalisme a ainsi profondément inspiré l’art américain : la pratique de
l’automatisme est par exemple l’une des origines du travail de Jackson Pollock et de l’Action Painting,
tandis que l’intérêt porté par les Surréalistes au thème de l’objet annonce le Pop Art.
Le Surréalisme est un mouvement qui se développe pendant plus de quarante ans, depuis les avant-gardes
historiques du début du siècle jusqu’à l’émergence de nouveaux courants dans les années 60 : outre la
peinture américaine et le Pop Art, l’art surréaliste a motivé l’apparition d’une seconde vague avant-
gardiste en Europe dans les années 60, dont le Nouveau Réalisme est l’éminent représentant.
 «En 1934 et sur la
recommandation de
Picasso, l'Editeur
Suisse Albert SKIRA
demande à Dali de lui
illustrer les "Chants de
Maldoror",
René Magritte,Le rêve de l'androgyne ,1924. le célèbre et unique
ouvrage du Comte de
Lautréamont,
(Isidore Ducasse)

Max Ernst, Collage pour « Une semaine de Juan Miro Constellations,

bonté », 1934. 1941, gouache.
Institute of Chicago,USA.
 Pablo Picasso, 1881-1973, peintre, dessinateur et sculpteur espagnol, cubiste.

Pablo Picasso,11 états successifs de la lithographie Le Taureau ,

1945.
“J'ai mis toute ma vie à savoir dessiner comme un enfant.”
Alberto Giacometti, 1901-1966, sculpteur
et peintre suisse. Les portraits de Giacometti
se caractérisent par
l'absence de décor, le
caractère quasi
monochrome et sombre de
la palette, l'attitude figée
du modèle, toujours de
face, qui contraste avec
l'abondance des retouches
au niveau du visage, jusqu'à
en effacer l'esquisse
initiale.
Personnages filiformes et
émaciés sortant des
horreurs de la seconde
Giacometti ne voulait pas guerre mondiale.
d'un art lisse, "propre" et Dessin ou les traits sont
affirmait : enchevêtres.
"Une sculpture n'est pas un
objet, elle est une
interrogation, une question,
une réponse. Elle ne peut
être ni finie, ni parfaite »
 De fait, ses figures sont
comme rongées, usées par le
temps. Elles évoquent les
silhouettes qu'on distingue
dans le lointain, aux
contours flous, ou ce que
notre mémoire permet de
conserver des formes.
Hans Hartung, 1904 1989, peintre français, abstraction lyrique.
Pierre Soulages, 1919, peintre français abstrait. « le noir lumière ou outre noir »

Pierre Soulages, Brou de noix 65 x 50

cm, 1948. Collection Centre
Pompidou, Musée national d’art
Hans Hartung. moderne
"Je pense , que pour la compréhension de ma peinture, il y a plusieurs éléments qui jouent des rôles
primordiaux.
C'est d'abord le temps, le temps d'éxécution, le temps senti par le spectateur. Le temps d'éxécution d'un trait,
les ralentissements, les accélérations; le temps lent, spécialement pour les grandes taches, le temps »
H Hartung.
Jackson Pollock, 1912-1956,peintre américain. Expressionnisme abstrait.
Action painting. Dripping. Oversize painting. All over painting. Dessin = geste.

La technique du « dripping » lui a valu le surnom de Jack the

Dripper (« Jack L'égoutteur », jeu de mots avec Jack the Ripper -
Jack l'éventreur). Jackson Pollock a produit plus de 700 œuvres.
Sur certains de ses tableaux, Pollock a laissé couler la peinture
sur les toiles, à plat, qu'il déplaçait en même temps (dripping:
goutte à goutte) est une technique consistant à tremper un
ustensile (très souvent un pinceau) dans la peinture et à la
laisser goutter sur le support. Le pouring (« coulée »), lui,
consiste à laisser couler la peinture sur la toile avec un ustensile
percé au fond. Son travail était une sorte de quête spirituelle
exigeant une extraordinaire force psychique. Se confronter à la
surface vide de la toile et chercher à y projeter de l'ordre et du
sens était, selon lui, une démarche représentative de la crise
existentielle de l'homme moderne.
 Joseph Beuys, 1921-1986, artiste allemand , art contemporain, Fluxus..
La pensée elle-même en train de se faire.
« Tout homme est artiste » Beuys

Unbetitelt, undatiert,
Datierungsvorschlag, 1957.Musée
Schloss Mayland
Infiltration homogène de piano à queue 1966. Centre Pompidou.
Le « plan énergie » 1974. Joseph Beuys a lui-même décrit la
phase expérimentale essentielle dans ses premiers dessins comme
fondamentale pour l'ensemble de sa carrière artistique.
C'est là qu'il a développé son "plan énergie" qui a sous-tendu ses
idées pour ses projets d' "art élargi" et de "sculpture sociale."
Le concept de sculpture sociale devait permettre d'arriver à une
société plus juste ; il pense que tout homme est artiste, et que si
chacun utilise sa créativité ,nous seront libres. Les travaux de
Beuys ont donc de nombreuses clefs d'entrée ; ils participent à la
fois à ce qu'on appelle une œuvre d'art totale et à de formes
artistiques basées sur la sensation et sur le sensationnel.
Il est l’artiste de la performance.
Roman Opalka, 1931-2011, artiste peintre conceptuel, franco-polonais.
L’œuvre de sa vie est d'inscrire une trace du temps irréversible.

Autoportraits, de 1965 à 2011.

De 1 à l’infini.1965, Peinture acrylique sur

toile de coton. 196 x 135 cm.
Centre Pompidou.
Richard serra, 1939, artiste contemporain, minimaliste, sculpteur.


 Richard Serra « Bessie Smith », estampe (1999)

La Matière du temps , 1994–2005

Huit sculptures, acier patinable (acier corten)
Dimensions variablessur 66,5m long et 11,5m de profondeur.
Guggenheim Bilbao.
L’optique post moderne tend à considérer l’œuvre non dans sa valeur
esthétique mais dans l’impact qu’elle a dans son environnement - la façon
dont elle transfigure l’espace qui l’entoure et l’impression qu’elle produit
sur l’observateur.
Richard Serra construit d’énormes plaques d’acier et des rouleaux et
travaille à différentes intensités d’usure de la matière. Il crée des rapports
de tension entre l’immensité des plaques, leur lourdeur, leur inclinaison et
leur difficile équilibre ; ce qui trouble le centre de gravité du spectateur. Il
travaille aussi sur les lignes de fuites et les perspectives et explore la façon
dont ces sculptures structurent ou déstructurent l’espace environnant.
Christo, et Jeanne Claude, le land art.

Emballage du Pont Neuf, Paris, 1985.

Valley Curtain, Colorado,

1972.
Pop Art: Jasper Johns (1930-) ,Roy Lichtenstein (1923-1997), Andy Warhol,
1928-1987), James Rosenquist (1933-) …

Jasper Johns, Trois Drapeaux, 1958.

Roy Lichtenstein
Ohhh... Alright...1964

Culture populaire, dessin publicitaire,

Andy Warhol, 1928-1987.
« Si vous voulez tout savoir sur Andy
Warhol, vous n’avez qu’à regarder la
surface de mes peintures, de mes
films, de moi. Me voilà. Il n’y a rien
dessous. » Warhol (extraits de Andy
Warhol. Rétrospective, Centre
Roy Lichtenstein - Georges Pompidou, 1990, pp.
Drowning Girl. 457-467)

art sérigraphique, bande dessinée,
couleurs violentes, gigantisme des
œuvres, ironie sur la société de
consommation.
Définition du peintre anglais
Hamilton :: « Populaire, éphémère,
jetable, bon marché, produit en
masse, spirituel, sexy, plein
d’astuces, fascinant et qui rapporte
gros. »
Jean Michel Basquiat, (1960-1988), peintre américain. Figuration libre.
Keith Haring, (1958-1990), dessinateur, peintre, sculpteur américain.

Keith Haring, Saint Sébastien, 1984

Basquiat,
sans titre,
l’ange qui
tombe.
Keith Haring, email et dayglo sur métal, 1982.
Le dessin contemporain et la feuille:
Tracer: Organiser: Découper. Déchirer.

Jean Degottex, ETC (V), 1967 Joan Miró, Sans titre I, 1970 Eduardo Chillida, Gravitacion, 1989 Jean Degottex, Arr Blanc 6,
29-4-1972

Estamper. Coller. Effleurer. Tacher. Gribouiller…

Eduardo Chillida, Filippo Tommaso Marinetti,
Gudari Txiki, Bombardamento, 1915.
1979.
« Si ce sont les plumes qui
font le plumage, ce n’est pas
la colle qui fait le collage. »
Max Ernst
Robert Groborne, Francis Picabia, Jean Dubuffet,
Dessin 234777 B, 1977. La Sainte Vierge II, Activation XLV, 1985.
1920.
Une trace seulement, celle
d’un fil de coton
trempé d’encre de Chine,
répétée dans
l’espace de la feuille.
 Le dessin sans papier:Sur les murs, sur le sol, dans la ville...
Le dessin est alors un lien entre l’individu et la ville, une trace de leur passage, de leur interaction physique
avec la rue.
Dessiner pour sortir de l’anonymat, pour trouver une emprise sur la ville, pour passer un message à un large
public.

Motoko Tobashi. Bansky. Blublu.

Dans l’oeuvre de Francis Alÿs, le

dessin et le geste s’exécutent
dans un même temps pour
rendre compte de la « dérive »
de l’artiste à travers la ville.

Edgar Mueller. Francis Alÿs, The leak 1, 1995

Sur la peau…
Le corpus des dessins cutanés est multiple et complexe. Il contient à la fois les dessins naturels
(pigmentations insolites, grains de beauté, rides), les traces laissées par l’histoire de l’individu et son
rapport au monde extérieur (coups de soleil, cicatrices, réactions épidermiques psychosomatiques), les
interventions volontaires, définitives ou provisoires (maquillage, tatouage, scarification).
Puisque la peau est un support fugitif, tous ces dessins ont en commun un rapport au temps particulier qui
implique une inéluctable perte de la présence originale et une dimension performative très forte.

Dennis Oppenheim,
A feed-bach situation,
1971, Dennis et Erik
Oppenheim, Aspen,
Colorado.
« Je suis à l’origine du
mouvement qu’Erik traduit et
me renvoie.
Ce que je reçois en retour,
c’est mon mouvement passé à
travers son système
sensoriel. » Dennis
Oppenheim.
Orlan, Refiguration
Wim Delvoye, Rex, 2006. Wim Delvoye, Sebastian, 2002.
Self-hybridation
précolombienne n°1,1998.
Cet autoportrait d’Orlan est
Wim Delvoye trouve une solution à cette perte de
la présence composé d’un mélange hétéroclite
de critères de beauté de manière
originale en séparant la peau de la personne et en
à interroger la prétendue
utilisant comme support celles des cochons. Ainsi le
universalité de la beauté.
tatouage qui « fait mauvais
Le dessin rituel et ornemental se
genre » retourne à l’animal, lui-même personnifié.
confond alors avec le dessin
préparatoire d’une possible
intervention chirurgical
esthétique.
Le dessin contemporain tient désormais une place prépondérante dans le champ de l'art actuel.
Depuis les années 2000, le dessin contemporain s’expose, passant du statut d’esquisse préparatoire à celle
d’œuvre d’art.
En parallèle à la célèbre FIAC de Paris, d’autres manifestations d’art émergent nous faisant découvrir de
nouveaux artistes représentés par leurs galeries. En témoignent le succès du Salon du Dessin contemporain
« Drawing now » et de la foire Slick Dessin, ainsi que les diverses revues qui lui sont consacrées.

Le dessin, depuis une bonne décennie, n'est plus considéré comme un genre mineur. Sa récente réévaluation a
été en partie encouragée par le marché de l'art, qui trouve là non seulement le moyen de vendre à bas prix
des œuvres d'artistes cotés, mais aussi d'attirer les jeunes collectionneurs moins argentés ou de lancer de
jeunes artistes.
Le « dessin contemporain » désigne de manière assez vague les œuvres à deux dimensions d'artistes
dits « contemporains », avec toute la diversité de pratiques et de résultats que cela implique.

On ne peut réduire le dessin contemporain aux œuvres sur papier : certains artistes le pratiquent sur des
surfaces murales . Les traditionnels crayons et pinceaux ne sont pas les uniques outils permettant de tracer :
l'artiste polonaise Jagna Ciuchta, par exemple, crée des formes en faisant brûler des allumettes.
Champ d'expression à dimensions variables, le dessin contemporain s'étend d'un côté au graff, de l'autre à la
bande dessinée ; il se pratique sur ordinateur (dessin 3d aux complexités spatiales maitrisées), emploie le
néon, la pyrotechnie… C’ est un domaine de création qui donne aux artistes une grande liberté de moyens et
de formes.
• Bibliographie:
• Histoire de l’art. E.H. Gombrich. Edition Phaidon.
• Comment regarder… le dessin. Marco Bussagli. Edition Hazan.
• Histoire de la peinture. Les Essentiels de National Geographic.
• Comme le rêve le dessin, sous la direction de Philippe-Alain Michaud, Musée du Louvre- Centre
Georges Pompidou, Paris, 2005.
• Lire l’Art contemporain, dans l’intimité des œuvres. Isabelle Ewig, Guitemie Maldonado. Edition
Larousse.
• Dennis Openheim, Le dessin hors du papier, Publications de la Sorbonne, 2009.