L'Art de L'aquarelle - Decembre 2017

N ° 34
l’Aquarelle
L’A RT DE
q LE
Nouveau
AGAZINE
CAHIER TECHNIQUE
Carrière, psycho,
D’ART DES AQUARELLISTES
composition,
inspiration…
16 pages
EUGENIU GOREAN
Ses dernières
peintures
DYLAN SCOTT PIERCE
Les couleurs de l’Afrique
PORTFOLIO p. 48 DOSSIER : ÊTRE p. 76 ’:HIKTOD=XU]UUV:?a@a@n@o@a"

RICK HUANG, JEUNE FEMME ET ARTISTE
M 09433 - 34 - F: 8,00 E - RD
PRODIGE DU PORTRAIT 7 FEMMES TÉMOIGNENT

RESTER CRÉATIF
DANS LA DURÉE p. 88
KEN THRIFT RUHYIE YALGIN p. 72 DÉMO FLEURS

LA FORCE DE VISAGES, NATURE MORTE : JASMINE HUANG VOUS
L’IMPROVISATION p. 32 LA PASSION DU DÉTAIL LIVRE SES SECRETS p. 68
KATHLEEN MALING : COMMENT DONNER DE L’IMPACT À VOS ŒUVRES p. 90 IMPRIMÉ
EN FRANCE
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MULHOUSE STRASBOURG
NANCY STRASBOURG GARE
NANTES TOULOUSE
édito
Aborder l’aquarelle
sous toutes
ses facettes
La rentrée est déjà là et nous espérons que
vous avez mis à profit la période estivale pour
faire le plein de Salons, d’expositions et surtout
que vous avez pu vous adonner à la peinture
autant que vous le souhaitiez. Si vous rêvez
encore de dépaysement, nous vous donnons
dans ce numéro la possibilité de vous évader
dans l’île de Patmos, en compagnie de
Pedro Cano, grâce au compte rendu d’un de
ses stages sous le soleil de la Grèce.
Envolez-vous également pour l’Afrique avec
Dylan Scott Pierce, jeune prodige américain
dont les portraits sont empreints d’une
délicatesse rarement atteinte.
Ce numéro de l’Art de l’Aquarelle fait également
la part belle aux conseils pratiques, avec
notamment notre cahier technique, où vous
trouverez les recommandations avisées de
Joseph Zbukvic sur la manière de mener une
carrière artistique, des astuces pour savoir
si votre peinture est terminée, ainsi que 7 clés pour réussir votre composition. Ken Thrift,
Blue Mountain.
Deux aquarelles des artistes américains Ken Thrift et Denny Bond sont également 76,2 x 56 cm.
analysées en profondeur par Janine Gallizia, vous permettant ainsi de mieux
comprendre leurs ressorts en matière de création visuelle.
Enfin, n’oublions pas notre important dossier sur ce que signifie aujourd’hui le fait
d’être femme et artiste. L’aquarelle est sans doute l’une des rares techniques où
les artistes féminines sont aussi nombreuses (voire plus nombreuses ?) que leurs
homologues masculins. Pour preuve, dans ce numéro, des reportages consacrés à
des artistes femmes du monde entier : Olga Litvinenko, Martine Humbert, Xi Guo,
Ruhyie Yalgin et Jasmine Huang. Nous avons pourtant posé la question afin de Notre couverture :
tenter d’en savoir plus : est-il plus difficile d’être artiste quand on est une femme ? Eugeniu Goran,
Parlement en
De quoi donner matière à réflexion, car l’Art de l’Aquarelle cherche à aborder bleu. 37 x 53 cm
la création sous tous les angles et l’aquarelle sous toutes ses facettes.
Bonne lecture et bonne rentrée !
La rédaction
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 3

Sommaire
22 32 48
40 92
6 CONCOURS LECTEURS 32 KEN THRIFT

Plus de lauréats, plus de conseils ! Peignant dans un style expressionniste abstrait, l’artiste
exprime ses émotions intérieures à travers la couleur,
12 ACTUS FRANCE & MONDE sur un mode opératoire tout aussi intuitif qu’organique.
16 LE TOUR DU MONDE DES SOCIÉTÉS 38 MARTINE HUMBERT

La Société française de l’aquarelle Tout en cherchant à créer une atmosphère, l’artiste cherche
à traduire l’aspect esthétique des paysages du Nord.
18 RETOUR SUR…
La biennale d’aquarelle de Brioude. 40 DYLAN SCOTT PIERCE
L’artiste américain saisit la beauté et la diversité du continent
20 RÉVÉLATIONS africain, pour lequel il ressent un sentiment profond.
Pierre Mach et Ken Karlic.
46 TABLEAU À LA LOUPE
22 ON Y ÉTAIT L’Attente, par Bertrand Martin.
En stage avec Pedro Cano à Patmos.
48 PORTFOLIO RICK HUANG
24 OLGA LITVINENKO Ce jeune peintre s’attache à représenter les peuples de Chine
Ses œuvres saisissent avec poésie la vie quotidienne au travers de portraits empreints de délicatesse et d’humanité..
à Saint-Pétersbourg, entre tradition et modernité.
30 MA PEINTURE PRÉFÉRÉE 58 TABLEAU À LA LOUPE
Soleil couchant sur les quais de Paris, par Éric Laurent. Once upon a time, par Denny Bond.
l’Aquarelle
L’ART DE E-mail : redaction@lartdelaquarelle.com DIFFUSION : Frédérik Favier, Président : Jean-Paul Cyr
Imprimé en France/Printed in France 05 49 90 09 19. Présidente Diverti Éditions : Édith Cyr-Chagnon
Directrice de publication : Édith Cyr-Chagnon Messagerie : Presstalis Imprimerie : MEGATOP, 13, avenue
www.lartdelaquarelle.com RÉDACTION RÉGLAGES ET CONTACTS du Cerisier Noir 86530 Naintré
Directeur de la rédaction : Jean-Philippe Moine DÉPOSITAIRES : Christelle Czornyj, L’envoi des textes ou photos implique l’accord des
Directrice artistique : Janine Gallizia tél. : 05 49 90 37 52. auteurs pour une reproduction libre de tous droits
Rédacteur en chef adjoint : Laurent Benoist RESPONSABLE E-COMMERCE : Sonia Seince et suppose que l’auteur se soit muni de toutes les
Édité par DIVERTI Éditions - S.A.S. au autorisations éventuelles nécessaires à la parution.
Secrétaire générale de la rédaction : Élodie Blain ABONNEMENTS : Nathalie Réveillon
capital de 250 000 € - 490 317 369 Tous droits réservés pour les documents et textes
Secrétaire de rédaction : Caroline Duchesnes PUBLICITÉ : régie Tahoma, Cédric Célestin, publiés dans l’Art de l’Aquarelle. La reproduction
RCS Poitiers - 17, avenue du Cerisier
Première rédactrice graphiste : Audrey Salé 06 24 38 66 21 - c.celestin@tahomafrance.com totale ou partielle des articles publiés dans
Noir 86530 Naintré, France
Tél. : 05 49 90 37 64. Rédacteurs graphistes : H. Magnin ADMINISTRATION : Fabien Richard l’Art de l’Aquarelle. sans accord écrit de la société
Scannériste : Franck Sellier. Principal actionnaire : Capelitis Groupe Diverti Éditions est interdite, conformément à
NOUVEAU
N° 34
Au sommaire
psycho/astuces/carrière/inspiration de ADA 35
• Être femme et artiste : le challenge d’une vie ? (sortie le 5 déc. 2017)
• Composition : 7 clés pour la réussir
• Joseph Zbukvic : ses conseils pour rester créatif
• K. Maling : donner de l’impact à ses œuvres
Toutes les réponses aux questions que vous vous

posez réunies en un seul cahier. p 76 et suivantes
ALISA SHEA
Des œuvres hyperréalistes et
rafraîchissantes qui combinent
l’art et l’humain.
90 60
60 XI GUO
Teintée de mélancolie, la peinture de Xi Guo est une réflexion ET AUSSI
sur le cycle de la vie, reflet de la nature. JUDY SALTZMAN
66 LIBRAIRIE Une approche mêlant support
photographique et multiples
68 LEÇON DE PEINTURE 76 VOTRE couches d’aquarelle.
Alliant expressivité et délicatesse, élégance et modernité, CAHIER TECHNIQUE
les peintures florales de Jasmine Huang sont des jeux de forme
où l’ensemble prime sur le détail. 98 VOS PETITES
ANNONCES
72 RUHIYE YALGIN
La passion du détail anime cette artiste turque, qu’elle jette
son dévolu sur des personnages, des objets ou des textures.
92 NOTRE LAURÉAT, EUGENIU GOREAN

Le gagnant de notre précédent concours lecteurs nous parle
de son amour pour la peinture de plein-air. MARIE-FRANÇOISE INGELS
Comment et pourquoi libérer
sa créativité.
96 APPELS À CANDIDATURES
La liste des prochains concours internationaux
et tout ce qu’il faut savoir pour y candidater.
www.lartdelaquarelle.com
la loi du 11 mars 1957 sur la propriété littéraire 1070 Bruxelles. December) by Diverti Éditions c/o Distribution
et artistique. Les articles et photos non retenus Tél. : 02 556 41 40/Fax : 02 556 41 46. Grid. at 900 Castle Rd Secaucus, NJ 07094,
ne sont pas renvoyés. La rédaction n’est pas Web : www.viapresse.be. Compte bancaire : USA. Periodicals Postage paid at Secaucus, NJ.
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qui lui sont communiqués. Important ! Nous prions nos abonnés belges to L’Art de l’Aquarelle c/o Express
d’indiquer lisiblement sur le talon de versement Mag, P.O box 2769, Plattsburgh, NY
Commission paritaire : 0917 K 90149. leurs noms et adresses et de spécifier que 12901-0239.
l’abonnement est destiné à l’Art de l’Aquarelle. DENNY BOND
ISSN : 2103-2653. Dépôt légal à la date
de parution. Trimestriel – N° 34 – Origine du papier : France Ce maître de la composition
Septembre-Novembre 2017. Ce numéro comporte 3 encarts brochés Taux de fibres recyclées : 0%
Abonnement France 1 an (4 nos) : 27 €. p. 18, 66 et 82. Certification : PEFC nous explique ce qui marche…
Abonnement Belgique : Service Abonnements L’Art de l’Aquarelle ISSN : 2103-2653 is published Eutrophisation : et ce qui ne marche pas.
quarterly, 4 times a year (March, June, September, Ptot 0.01 Kg/tonne
Partner Press, 451, Route de Lennik,
Concours
lecteurs
Encore un excellent concours ! Nous avons reçu
une vaste sélection de peintures de très bonne
qualité. Bravo à tous ceux qui ont participé.
LES CHOIX DU JURY
N’oubliez pas que, même si vous ne voyez pas
votre œuvre dans ces pages, cela ne signifie pas
qu’elle est mauvaise. Pour réussir dans quelque
concours que ce soit, il faut surtout comprendre
les raisons qui ont poussé les organisateurs à le
mettre sur pied. En analysant simplement leurs
intentions, vous allez augmenter vos chances
de réussite et, de surcroît, profiter pleinement de
l’occasion. Certains concours existent pour attirer
de nouveaux artistes, pour favoriser l’émergence
de nouveaux styles, pour encourager les artistes
à produire des œuvres de très grande qualité
ou à être encore plus créatifs. L’Art de l’Aquarelle
est le plus prestigieux magazine d’aquarelle du
monde. Il est publié en français et en anglais
(The Art of Watercolour) et distribué dans 36 pays.
Notre concours n’est pas une exposition. Notre
motivation est très simple : nous souhaitons inciter
les artistes à produire des œuvres de très grande
qualité et les publier ensuite pour qu’ils puissent
profiter d’une visibilité internationale grâce à
notre magazine. Notre action n’est pas seulement
profitable aux lauréats, mais devrait inspirer
d’autres artistes à viser encore plus haut.
C’est pour cette raison qu’il y aura toujours une
diversité de styles, de sujets et de techniques
parmi les peintures sélectionnées, ainsi que des
approches différentes en termes de couleurs et de
valeurs. Si nous recevons 10 portraits magnifiques,
nous ne pouvons pas tous les publier. Nous nous
efforçons d’illustrer la qualité du travail actuel,
mais également la diversité. Si vous souhaitez
augmenter vos chances de voir
votre œuvre dans ces pages ou
de gagner un prix, c’est quelque
Janine Wiget
chose à garder à l’esprit. Escargots au repos. 2017. 36 x 24 cm.
/$9,6 '( -$1,1(
Janine Gallizia Un sujet intéressant avec un choix sympa de fond et de
palette. Un peu plus d’ombre sur les coquilles donnerait
plus de lumière et de profondeur, sinon, très bien !
6 A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

Alexis Le Borgne
U
Underwater World II. 2017. 61 x 46 cm.
/$9,6'(-$1,1(
Anne-Marie Alicot
Un bon portrait animalier.
Regard de jaguar. Le résultat est bien, mais
2015. 50 x 70 cm attention à ne pas trop séparer le
fond du sujet ; cela crée un effet
copié/collé. Sinon, belle peinture !
François Durand
Méli-vélo. 2012. 48 x 71 cm.
/$9,6'(-$1,1(
Une bonne illustration de la patience ! Cette peinture
est très bien, mais rien ne se détache concrètement
de l’ensemble ; il nous manque un point principal qui
donnerait beaucoup plus de force à cette peinture.
/$9,6 '( -$1,1(
Un sujet extrêmement
difficile ! Mais l’effet sous
l’eau est très bien rendu,
félicitations. Le jeu des
bleus est bien maîtrisé
et bien pensé, et la
composition nous invite et
nous tire en avant pour en
découvrir davantage.

CONCOURS LECTEURS
PREMIER
PRIX
Jean-Louis Thibaut
Portrait d’Yves.
1990. 95 x 76 cm.
/$9,6'(-$1,1(
Un portrait superbe qui
montre un savoir-faire qui
se respecte. L’attention aux
détails qui permet de sentir
les différents types de tissus
vestimentaires, le volume des
poches au-dessus des yeux
et la rondeur de la cigarette
entre les lèvres, l’épaisseur du
béret en cuir… La composition
est classique, mais même
si le personnage est centré
sur la feuille, tout est décalé
ou coupé pour éviter une
symétrie qui le rendrait
ordinaire. Son regard est
parfait ! Une belle peinture.

NOS COUPS DE CŒUR
Olivier
Surin
Instant,
Françoise Carnaval
Tolbiac du Roeulx.
Labour 2017.
labeur. 2017. 42 x 31 cm
45 x 60 cm.
Alain Rolland
Flânerie nocturne.
2017.
33 x 48 cm.
Anne-Marie Cassière
Sylvain. 2011. 30 x 42 cm.
Régis Coulomb
Torrent du Pleynet II.
2047. 46 x 28 cm

CONCOURS LECTEURS
Patrick
Laureys
Clairière. 2017. Date limite de participation
40 x 50 cm. au prochain concours :
5 novembre 2017 à minuit
Robert Scholer
Sarada. 2015. 40 x 30 cm.
Théo Cathelinais
Chez Huguette. 2017.
29 x 41 cm
Pour finir, et bien que toutes ces peintures soient excellentes, nous constatons une tendance
très nette : la plupart des artistes font des efforts délibérés pour être « différents », créatifs »
et « originaux ». &FT DSJU SFT OF TPOU OVMMFNFOU TZOPOZNFT EF RVBMJU DF OF TPOU QBT MFT
NBVWBJTFTQFJOUVSFTRVJNBORVFOUN¡NFTJFMMFTTPOUEJGGSFOUFTDSBUJWFTFUPSJHJOBMFT-F
WPVTDPOTFJMMFTVSUPVUE¡USFWPVTN¡NFN’essayez pas d’être extravagant et merveilleux dans
le seul but de vous faire remarquer – soyez sincère, car c’est dans la sincérité que nous trouvons
la vraie beauté. C’est pour cette raison que nous allons conserver un thème libre pour le prochain
concours ; présentez juste le meilleur de vous-même. Bonne peinture à tous !
Janine Gallizia
Comment participer BVHSBOEDPODPVST
3BSUJDJQBU
VOUS LE SAVEZ, VOTRE MAGAZINE Concou
urs FOMJHOFJPO
L’ART DE L’AQUARELLE VOUS OFFRE UN CONCOURRS lecte
eurs
Participer a des concours, c’est sympa et
ça nous permet d’apprendre beaucoup
Michel Michaux
L’Inconnu,
50 x 65 cm
OJR FOU
de choses si on est attentif. Par contre, fonct onnent bien Malgré
PERMANENT À CHAQUE NUMÉRO AFIN DE VOUS

sont visibles : la compositio
on ne sait jamais réellement pourquoi un sujet comm me celui ci est
notre travail est sélectionné : est-ce veut montrer a surface ondu
et la pe nture qui se déco le on
l’ensemble de l’œuvre qui a plu au juge ? l’int mité du su et donc il faut un
Ou certains éléments sont-ils plus Ci contre j’ai coupé le haut de a pe
pour m eux vo r les détails du sujet et j
réussis que d’autres, et lesquels ? augmenté l’intensité des ombres
Vos peintures ont-elles été
sélectionnées car celles des autres
ENCOURAGER À ACCROÎTRE VOTRE TALENT ET étaient moins réussies ? Et comment

savoir? Si on expliquait tout cela, on
pourrait améliorer nos points faibles,
mais dans les concours, vous n’avez
jamais les réponses à vos questions ; /$9,6 '( -$1,1(
À ÊTRE OUVERT À N’IMPORTE QUEL SUJET.

c’est-à-dire jamais avant aujourd’hui ! Cette peinture est intéressante animée et fa t sourire Il y a une belle harmon e
de couleurs et de contrastes Ma sug est on à l’artiste sera uste de fa re
attent on à ce que ’appel e des formes malheureuses C’est à dire
'pVRUPDLVMHYRXVGRQQHXQHPHLOOHXUH les formes qui sont créées par la présence d’autres formes L’alignement est
trop systématique ci ce qui montre une faib esse de vision au n veau de
LGpH GH FH TXL IRQFWLRQQH HW DXVVL GH FH la compos tion mais e reste est très b en Mon commentaire est un peu dur
TXL QH IRQFWLRQQH SDV GDQV OHV ±XYUHV ma s toujours dans e but d’aider à progresser ,O HVW LPSRUWDQW GH VDYRLU
TXH OHV ±XYUHV VpOHFWLRQQpHV SRXU FHWWH UXEULTXH O RQW pWp FDU FH
FKRLVLHV C’est en travaillant sur nos VRQW OHV PHLOOHXUHV TXL QRXV RQW pWp SUpVHQWpHV 6L YRWUH WUDYDLO HVW
VpOHFWLRQQpGDQVSOXVLHXUVQXPpURV WDQW PLHX[ SRXU YRXV
propres faiblesses qu’on progresse le
POUR VOUS DONNER ENCORE PLUS ENVIE, NOUSS

plus, mais la plupart des gens n’ont pas
les moyens de les identifier. Attention
cependant : ce n’est pas parce que je
propose un commentaire
sur une œuvre qu’elle est
forcément plus faible que
les autres. J’en signale
juste quelques-unes Les su ets sont trop
Gré or Dezir
PUBLIERONS DÉSORMAIS PLUS DE LAURÉATS À

lig s le pplan
pour vous aider
id à mieux
i horizontal Toujours plus haut 61 x 46 cm
CHAQUE NUMÉRO, À CONDITION BIEN SÛR QUE V

VOUS
SOYEZ TOUJOURS PLUS NOMBREUX À PARTICIPER.
UN VRAI MOYEN D’ÊTRE ENCORE PLUS MOTIVÉ POUR
P
SE FAIRE CONNAÎTRE DE VOS AMIS, DES AUTRES
ARTISTES, MAIS AUSSI DES SALONS ET GALERIES QUI
EF[WPVT
PIOCHENT SANS CESSE DANS LE MAGAZINE POUR
R 5FO XX
LEURS FUTURES EXPOS… N’HÉSITEZ PAS À NOUS TVSX FMMFDPN
MBRVBS
ÉCRIRE POUR NOUS FAIRE PART DE VOS RETOMBÉES MBSUEF
FUTURES À redaction@lartdelaquarelle.com
48,3(87&21&285,5" • La photo de l’œuvre doit être accompagnée du nom

de son auteur, de son adresse e-mail, du titre de l’œuvre,
Ce concours est ouvert à tous les lecteurs de l’Art de du format (hauteur x largeur), de l’année de réalisation
l’Aquarelle âgés de 18 ans et plus résidant dans n’importe quel et de la technique utilisée.
pays du monde. Il est limité à une seule participation
par personne pour chaque numéro. • Une photo portrait de l’auteur de bonne qualité
(dimensions 10 x 15 cm, en 300 DPI minimum,
&200(17&21&285,5" sous le format JPEG exclusivement).
Participer à ce concours ne peut s’effectuer que par • Les coordonnées complètes du candidat : nom, prénom,
voie électronique. Pour cela, vous devez vous rendre âge et date de naissance, adresse, code postal, ville, pays,
sur le site www.lartdelaquarelle.com et cliquer sur l’onglet téléphone et adresse e-mail.
« Concours l’Art de l’Aquarelle ». • Le candidat doit cocher l’autorisation de reproduction des
48(//(66217/(67(&+1,48(6$&&(37(6" photos transmises (œuvre et portrait) dans les magazines
Les peintures réalisées 100 % à l’aquarelle sont acceptées, l’Art de l’Aquarelle et The Art of Watercolour, sur les sites
mais aussi celles dont la réalisation a nécessité l’utilisation www.lartdelaquarelle.com et www.artofwatercolour.com,
d’autres techniques, à condition que la technique de ainsi que sur les sites web partenaires du concours.
l’aquarelle soit dominante dans l’œuvre. • Le candidat doit cocher la déclaration sur l’honneur
'2,7215(63(&7(581)250$7" précisant que la reproduction de la peinture transmise est le
fruit de son travail original. Original signifie que l’œuvre n’est
Il n’y a pas de taille minimale pour les œuvres ni de taille pas une copie/contrefaçon d’une autre œuvre, et que si elle
maximale. Aucun format n’est imposé. a été réalisée d’après photo, cette dernière a été prise par
48(/66217/(6'2&80(176³)2851,5" l’artiste-candidat lui-même ou qu’il a obtenu l’autorisation de
l’auteur de la photographie pour sa reproduction en peinture.
Pour participer, chaque candidat doit renseigner
le formulaire proposé en ligne et joindre les documents 48(/(67/(352&(6686 '8 &21&2856 "
listés ci-dessous : Un jury procédera à la sélection du lauréat.
• Une photo en format numérique de bonne qualité
présentant l’aquarelle choisie pour participer au concours
&200(176$85$,-(6, -$, *$*1 "
(dimension 10 x 15 cm en 300 DPI minimum, sous le format Les candidats retenus seront publiés dans le magazine de
JPEG exclusivement). Le poids de chacune des images ne décembre 2017 (n° 35). Le lauréat bénéficiera d’un article
doit pas dépasser 10 Mégaoctets. Meilleure sera la qualité des publié dans le numéro de mars 2018 (n° 36).
images, meilleures seront vos chances d’être sélectionné(e)s. '$7(/,0,7('(3$57,&,3$7,21 3285 $'$ 1_
Le 5 novembre 2017 à minuit.

ACTUALITÉS FRANCE
AIGUILLON (47) VINCENNES (94)
FESTIVAL INTERNATIONAL 9E SALON

DE VINCENNES
CONFLUENCES AQUARELLE
V incennes Aquarelle présen-
tera son 9 e Salon au mois de
novembre. Les deux invités d’hon-
neur en sont Reine-Marie Pinchon et
David Chauvin, tous deux bien connus
de nos lecteurs. Chacun présentera
au public une vingtaine d’œuvres et
animera par ailleurs un stage, sur le
thème « Aller plus loin dans les tech-
niques à l’eau » pour la première, et
sur celui « Des rues et des paysages »
pour le second.
RENSEIGNEMENTS
9e Salon Vincennes Aquarelle
Salle des Fêtes
Mairie de Vincennes
http://vincennes.aquarelle.free.fr/
Photo des 4 aquarellistes péruviens invités d’honneur du Festival (YQPTJUJPO EV
Confluences : Leonel Ever Pamo Quiroga, Dario Percy Callo Anco, BV OPWFNCSF
David Cesar Villalba Quispe et Guzman Emilio Huanca Ynariko Les Drapeaux du peuple.
55 x 35 cm
C e Salon, tourné aussi bien vers l’aqua-

relle que vers le carnet de voyage, conti-
nue de rassembler à chaque édition une
à l’honneur. Au total, ce ne sont pas moins
de 55 artistes qui seront exposés, soit un
total de 250 aquarelles et de plusieurs cen-
fine sélection d’artistes d’horizons divers. taines de carnets de voyage. À noter que de
Côté aquarelle : Roland Palmaerts et 4 aqua- nombreuses animations et démonstrations
rellistes professionnels péruviens issus des seront dispensées. Retrouvez toutes les
Beaux-Arts d’Arequipa : Leonel Ever Pamo informations sur le site de la manifestation.
Quiroga, Dario Percy Callo Anco, David
Cesar Villaba Quispe et Guzman Emilio RENSEIGNEMENTS
Huanca Yanariko, qui seront les invités Festival International Confluences
Musée Raoul Dastrac (3 salles d’exposition)
d’honneur de cette édition. www.aquarelleaiguillon.com
Et côté carnets de voyage, Céline Roussel 6BMPO EV BV PDUPCSF
et Samuel Chardon seront mis également
POUILLY-LES-NONAINS (42)
UN WEEK-END SOUS LE SIGNE Reine-Marie Pinchon,

Zion, aridités
DE L’AQUARELLE ! Igor Sava, The Bicycle, 75 x 55 cm
A utour de l’invité d’honneur,

Igor Sava, exposeront entre
autres Didier Brot, Jane Coppere,
GAILLON (27)
Violaine Abbatucci, Isabelle Corcket,

Magali Dion-Novak, Franck Rollier,
AQUARELL’EURE 2018
Ekaterina Sava, Franck Hérété
et Franck Perrot, soit en tout
45 artistes. Des démonstrations
V ous souhaitez participer en
tant qu’artiste au festival
Aquarell’Eure 2018, à Gaillon, lequel
RENSEIGNEMENTS
adagge.fr/
aquarelleure-2018/
gratuites auront lieu tout au long aura lieu au mois de mai prochain ? Date limite
de la manifestation et le tirage de Sachez que vous avez jusqu’à la fin d’inscription :
du mois de septembre pour fina- TFQUFNCSF
la tombola le dimanche après-midi.
liser votre inscription. Toutes les
informations sont disponibles sur le
RENSEIGNEMENTS site de l’association. Si deux artistes
12e festival d’aquarelle de Pouilly-les- sont cette année invités d’honneur,
Nonains leurs noms n’ont pas encore été
http://festival.aquarelle.over-blog.com dévoilés à l’heure où nous mettons
6BMPOMFTFUTFQUFNCSF sous presse.
12 A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

Par Laurent Benoist. Photos : D. R. (sauf mentions).
COËX (85)
ET AUSSI
82E SALON DE
6E RENDEZ-VOUS LA SOCIÉTÉ DES
DE L’AQUARELLE DE COËX AQUARELLISTES
LYONNAIS
G roupés autour de l’invitée d’honneur, Martine Vanparijs
(Belgique), exposeront les artistes suivants : Carine Minguet
(Belgique), Fernand Thienpondt (Belgique), Pierre Valaincourt
Sont invités uniquement les sociétaires.
Le Salon est ouvert tous les jours de 10 h à
(parrain de l’association), Corinne Izquierdo, Christine Créhalet, 12 h et de 15 h à 19 h, les week-ends de 10 h
Nadine Dieulefit, Adrien Coppola, David Chauvin, Thierry de à 19 h sans interruption.
Marichalar, Danny Gaboriau, Annie Chauwin ainsi que les adhé- Espace Berthelot
rents de l’association Palettes 69007 Lyon
et Pinceaux. Des démons- RENSEIGNEMENTS www.societe-des-aquarellistes-lyonnais.com
trations d’artistes auront lieu Salles du Parc, Salon du 11 au 27 novembre 2017
Rond-point de l’Atlantique.
tout au long du week-end. Un E-mail : minie9453@hotmail.fr
rendez-vous sous le soleil de
Vendée à ne pas manquer !
(YQPTJUJPO
EVBVTFQUFNCSF
DE POUSSIN À
CÉZANNE, CHEFS-
Aquarelle de Martine Vanparijs.
D’ŒUVRE DU DESSIN
FRANÇAIS DE LA
PARIS (75)
COLLECTION PRAT
PIERRE-JOSEPH REDOUTÉ, LE POUVOIR DES FLEURS Fondation Bemberg
Hôtel d’Assézat
31000 Toulouse
P our la première fois en France, une
exposition conséquente au musée
de la Vie romantique, à Paris, et en col-
Pierre Joseph Redouté
(1759-1840),
Fritillaire impériale dans Les
Tél. : 05 61 12 06 89
E-mail : accueil@fondation-bemberg.fr.
Liliacées par Augustin Pyrame Exposition jusqu’au 1er octobre 2017
laboration avec le Museum d’histoire de Candolle, Pierre-Joseph
naturelle, dévoile comment l’œuvre Redouté, François de Laroche,
de Pierre-Joseph Redouté, peintre Alire Raffeneau-Delile, Paris,
1802-1816.
12E EXPOSITION
botaniste surnommé le « Raphaël
des fleurs », a contribué au dévelop-
Paris, MNHN, direction des Collections,
Bibliothèque centrale © Muséum national
ET SYMPOSIUM
pement des sciences naturelles. Les
d’Histoire naturelle / Dist. RMN.
DE L’EUROPEAN
œuvres de Pierre-Joseph Redouté
sont si détaillées que l’on a le senti- CONFEDERATION
ment que l’on pourrait cueillir chaque OF WATERCOLOUR
RENSEIGNEMENTS
pétale de ses fleurs. Son influence se
fait encore sentir aujourd’hui. Peintre Musée de la Vie SOCIETIES
officiel de Marie-Antoinette et de l’im- romantique Salamanque, en Espagne. Organisé
pératrice Joséphine, sans doute nul Hotel Renan-Scheffer par l’AEDA (Agrupación Española de
175009 Paris Acuarelistas).
autre artiste que lui a réussi à rendre http://
avec une telle acuité la beauté éphé- Symposium du 26 septembre
museevieromantique. au 1er octobre 2017
mère des fleurs. À noter que l’expo- paris.fr/fr
sition est prolongée jusqu’à la fin du (YQPTJUJPO KVTRVBV
mois d’octobre. PDUPCSF
EXPOSITION DE
LA SOCIÉTÉ DES
REIMS (51) AQUARELLISTES
RENSEIGNEMENTS DE BRETAGNE
12E EXPOSITION INTERNATIONALE Maison diocésaine
Saint Sixte,
Invités d’honneur : les membres bigoudens
de la Société des Aquarellistes de Bretagne
D’AQUARELLES AQUATUOR www.
aquarellereimsevenement.
Invités : les membres de Montgermont,
des antennes de Guidel et de Guipavas.
com/index.php
Q uatre artistes aux tempéraments
et aux expressions différents
ont été invités par Aquarelle Reims
(YQPTJUJPOEV
TFQUFNCSF
Plusieurs démonstrations d’aquarelle auront
lieu le 2 décembre de 14 h 30 à 17 h.
Infos pratiques :
BVPDUPCSF
Événement à exposer dans la capitale Ouvert tous les jours de 14 h 30 à 18 h,
champenoise. Il s’agit de David Poxon sauf les jeudis de 10 h à 12 h 30.
(Angleterre), Diane Boilard (Québec), Sous-sol du Château
Naomi Tydeman (Pays de Galles) et Pierre Tougas (Québec). Un des Place de l’Europe
points forts de cette manifestation sera la démonstration publique de Pont-l’Abbé
David Poxon et Pierre Tougas le vendredi 29 septembre à 14 h 30. www.societedesaquarellistesdebretagne.org
L’exposition est quant à elle ouverte tous les jours de 10 à 18 heures. Salon du 25 novembre
Les aquarelles réalisées durant les démonstrations seront offertes au au 10 décembre 2017
public après tirage au sort.
David Poxon, It’s my party.
A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 13

ACTUALITÉS MONDE
ITALIE
AQUARELLE EUROPÉENNE ÉTATS-UNIS
L ’Associazione Italiana
Acq u e re l l i s t i ( A I A )
43E EXPO ANNUELLE DE
organise une exposition LA WESTERN OHIO SOCIETY
dans le cadre magnifique
a 43e exposition annuelle de la Western Ohio Watercolor
de Castello Visconteo, à
Abbiategrasso, près de
Milan. Quatre-vingt-dix pein-
L Society présente 76 nouvelles œuvres, toutes créées
à l’aquarelle. Cette exposition avec jury présente l’aqua-
tures des membres de la relle dans toute sa diversité technique et couvre un large
société italienne, ainsi que éventail de thèmes, y compris le paysage, le portrait et la
30 aquarelles d’artistes nature morte. Fondée en 1974, la Western Ohio Watercolor
de la Société Française de Society s’efforce de promouvoir le milieu de l’aquarelle et
l’Aquarelle, de la Deutsche de fournir des opportunités éducatives pour le public. Cette
Aquarell Gesellschaft et de la exposition démontre l’ampleur et la pertinence de l’aqua-
Agrupación de Acuarelistas relle comme moyen d’expression artistique.
Vascos voisineront avec les RENSEIGNEMENTS
fresques de l’ancien palais Associazione Italiana
RENSEIGNEMENTS
médiéval. Le but de cette Acquerellisti
Waterworks: Western
exposition est de montrer Castello Visconteo
Ohio Watercolor
la diversité de styles en Abbiategrasso
Society 2017
Milan Premier prix :
aquarelle non seulement Exhibition Rhonda Sloan,
www.acquerello-aia.it
en Italie, mais aussi dans Springfield Museum Adkins’ Acres,
(YQPTJUJPO
les différents pays invi- of Art 35,5 x 48,2 cm.
EV PDUPCSF BV
tés à cette occasion. Des Springfield, Ohio.
OPWFNCSF
démonstrations publiques (YQPTJUJPOEVBV
TFQUFNCSF
auront lieu le 21 octobre et
le 12 novembre.
JAPON ÉTATS-UNIS
AMERICAN WATERCOLOR SOCIETY

RENSEIGNEMENTS
D epuis plus d’un siècle, l’American Watercolor
Society expose le meilleur de l’aquarelle amé-
ricaine. Fondée en 1866, elle a compté parmi ses
EXPOSITIONS
Mooresville Art
Mooresville, NC 28115
membres certains des meilleurs praticiens. Chaque www.
année, la société organise une exposition avec jury americanwatercolorsociety
ouverte aux artistes du monde entier. Après une pre- .org
mière exposition à New York, l’exposition itinérante (YQPTJUJPO EV OPWFNCSF
BV EDFNCSF
traverse les États-Unis. De nombreux prix sont dis-
pensés et cette année Chien Chung-Wei, Elaine Daily- Wassenberg Art Center
Birnbaum et Dean Mitchell, parmi bien d’autres, ont Van Wert, OH 45891
été récompensés. (YQPTJUJPO EV KBOWJFS
BV GWSJFS
Un petit matin,
THIERRY DUVAL toit de Paris,
33 x 41 cm.
EXPOSE AU JAPON !
L ’artiste français, épris de Paris, exposera à deux reprises au
Japon cet automne, où il se rendra. C’est toujours avec un
souci extrême du réalisme et une attention particulière portée
à la lumière et ses effets qu’il entreprend ses œuvres. À noter
également son compte Instagram très actif où il dispense de
nombreuses astuces : tension du papier, bonne utilisation du
liquide à masquer, ses outils, ses pinceaux, sa palette, son papier,
etc. Comme il le dit lui-même : « Vous pourrez ainsi découvrir
l’élaboration de mon process créatif de A à Z, de la feuille blanche
jusqu’à l’aquarelle terminée ! » À ne pas manquer : www.ins-
tagram.com/thierryduvalaqua/
RENSEIGNEMENTS
Exposition à Isetan Shizuoka
'VBVTFQUFNCSFFOQSTFODFEFMBSUJTUFMFTFU
Exposition à Tobu Funabashi Peter Jablokow, Scissor Bridge, 66 x 104 cm. Cette année, Peter Jablokow a reçu
'VBVTFQUFNCSFFOQSTFODFEFMBSUJTUFMFTFU le prix Joan Ashley Rothermel Memorial d’une valeur de 1 000 dollars.

HONG KONG T AUSSI
KONSTANTIN STERKHOV MASTERS OF
WATERCOLOUR 2018,
L ’aquarelle est véritablement une confrérie inter-
nationale ! Pour preuve, Konstantin Sterkhov va
avoir l’honneur d’être un des premiers artistes russes
ST PETERSBURG
à donner un stage en Asie, lors d’une exposition de La prochaine édition de Masters of
ses aquarelles à Hong Kong. Et qu’en pense l’artiste ? Watercolour aura lieu en février prochain,
« Bien que je me considère comme un aquarelliste tradi- du 1er au 28, toujours à Saint-Pétersbourg,
tionnel, je suis également d’accord avec l’idée que la fin doit en Russie. La précédente édition avait
justifier les moyens. De par ma formation académique, je réuni plus de 15 000 visiteurs et offrait
suis toujours en train de chercher de nouvelles approches un remarquable aperçu de l’aquarelle
techniques, surtout lorsque j’enseigne. » Les aquarelles contemporaine à travers le monde.
de Konstantin Sterkhov sont ainsi des instantanés, Nous y reviendrons plus en détail dans
avec des personnages saisis dans toute la banalité et le numéro prochain.
la poésie du quotidien. Du 1er au 28 février
http://watercolormasters.com
Sunny side of the street. 2016. 21 x 29 cm.
RENSEIGNEMENTS
Cawaj Arts Gallery 23 Square Street
Sheung Wan,
Hong Kong
(YQPTJUJPOEVBVTFQUFNCSF
GRANDE-BRETAGNE SOCIETY OF
SUSSEX WATERCOLOUR BOTANICAL ARTISTS
L’exposition annuelle de la Society
SOCIETY of Botanical Artists (SBA) britannique a
cette année pour thème le changement
ette année marque le 40 e anniversaire de la des saisons. Si un grand nombre de
C Sussex Watercolour Society. Plusieurs membres de
cette société font également partie du Royal Institute
techniques sont autorisées, un grand
nombre d’aquarelles seront exposées
of Painters in Water Colour ainsi que de la Royal à Londres (Grande-Bretagne).
Watercolour Society. Citons ainsi Nick Osborn, Peter Du 13 au 21 novembre 2017.
Amos ainsi que Shirley Trevena (que vous pouvez retrou- www.soc-botanical-artists.org/
ver par ailleurs dans notre dossier consacré aux femmes
artistes en page 76). Tous les artistes exposeront ainsi
leurs œuvres cet automne dans ce qui promet d’être une
exposition éclectique ! SUNDAY TIMES
WATERCOLOUR
RENSEIGNEMENTS
Sussex Watercolour Society
COMPETITION 2017
Oxmarket Gallery, Chichester Ce concours, qui récompense l’excellence et
West Sussex PO19 1YH l’originalité en aquarelle, attire de nombreux
www.sussexwatercoloursociety.com artistes. Les lauréats seront exposés aux
(YQPTJUJPO EV BV TFQUFNCSF Mall Galleries de Londres en septembre.
Du 19 au 24 septembre 2017
https://sundaytimeswatercolour.org/
William Henry Hunt,
GRANDE-BRETAGNE The Gardener.
WILLIAM HENRY HUNT AQUARELLES

L ’artiste anglais (1760-1864) fut un des aqua-
rellistes les plus prolifiques et appréciés de la
bonne société de l’époque victorienne. Il com-
VICTORIENNES
L’Art Gallery of New South Wales présente
mença à exposer ses aquarelles dès 1814, en tant des artistes australiens de tout temps.
que membre de la Old Water-Colour Society. Ses Pour découvrir des aquarelles de l’époque
tableaux de nids et d’oiseaux étaient tout particu- victorienne, rendez-vous à Sydney.
lièrement appréciés. L’exposition du Courtauld Exposition jusqu’au 3 décembre 2017
Institute s’attache, grâce à une sélection d’œuvres www.artgallery.nsw.gov.au
en majeure partie issue de sa collection, à dévoiler
une autre facette de son œuvre : la représentation
des hommes et des femmes de la campagne,
vaquant à leurs tâches quotidiennes. Ces aqua- LES AQUARELLES DE
relles de William Henry Hunt, peintes pour la plu- JOHN SINGER SARGENT
part entre 1825 et 1845, sont ainsi un précieux La Dulwich Picture Gallery de Londres
témoignage de la transformation que connais- présente la première exposition consacrée
saient alors la campagne et les villes européennes. à Sargent au Royaume-Uni depuis presque
RENSEIGNEMENTS 100 ans. Un must-see !
William Henry Hunt : Country People Exposition jusqu’au 8 octobre 2017
Courtauld Institute www.dulwichpicturegallery.org.uk/
Londres WC2R 0RN Shirley Trevena,
(YQPTJUJPOKVTRVBVTFQUFNCSF Tall Black & White Plant Pot

LE TOUR DU MONDE DES SOCIÉTÉS
La SFA s’expose
À L’OCCASION DE
LA 18E EXPOSITION
NATIONALE DE LA SFA
À SANARY-SUR-MER,
NOUS AVONS INTERROGÉ
DANIÈLE FABRE,
VICE-PRÉSIDENTE
DE L’ASSOCIATION,
POUR EN SAVOIR PLUS.
L’Art de l’Aquarelle : Comment s’est effec-

tué le choix des artistes et des œuvres
pour cette exposition?
Danièle Fabre : Ce sont les artistes de la
SFA qui décident de participer ou non
aux expositions que leur conseil d’admi-
nistration propose. Les artistes sociétaires « C’est l’un de nos membres qui a signalé la possibilité d’exposer à Sanary-sur-Mer.
choisissent eux-mêmes leurs œuvres, les D’abord, il y a l’attrait du sud de la France, pas seulement pour son soleil, mais aussi
artistes non sociétaires proposent leurs parce que l’on sait qu’il y a de nombreux amateurs d’art dans cette région. »
aquarelles à notre commission de sélec-
tion, composée de 6 artistes de la SFA de mieux traiter toute la communication
et de 2 personnalités extérieures. La nécessaire à ce type d’évènement. Muriel Buthier-
Chartrain,
commission de sélection choisit aussi les Impressions
œuvres des artistes membres des socié- ADA : La SFA existe depuis maintenant Stradbroke.
tés régionales que nous invitons. presque quinze ans, puisqu’elle a été créée 43 x 43 cm.
en 2003. En quoi a-t-elle changé ou évolué
ADA : Combien de temps demande la pré- depuis ses débuts?
paration d’une telle manifestation? D. F. : À sa création, elle comptait une
D. F. : Au minimum un an. Cela commence dizaine de membres, actuellement nous
par les négociations avec les gestion- sommes 77. La sélection des candidats
naires des lieux, puis par l’information qui postulent pour nous rejoindre est très ADA : Quel regard portez-vous sur l’évolu-
vers nos membres. Dans les quelques rigoureuse : si une très bonne maîtrise de tion du monde de l’aquarelle ?
mois qui précèdent le vernissage, nous l’aquarelle est exigée, l’artiste doit aussi et D. F. : De plus en plus d’expositions sont
travaillons à la création des supports de surtout avoir une écriture très personnelle. proposées chaque année. Il y a un réel
communication (affiches, invitations, engouement pour l’aquarelle actuelle-
flyers, etc.). Lorsque nous connaissons le ADA : Quels sont vos critères de sélection? ment et une volonté des peintres de
nombre d’artistes participants, nous calcu- D. F. : C’est un sujet délicat, qui a beaucoup défendre le choix qu’ils ont fait en utili-
lons le métrage que nous pouvons allouer évolué depuis 2003. Nous avons par sant ce médium plutôt qu’un autre. Si
à chacun, puis organisons les stages, les exemple intégré à notre commission de son image s’est améliorée, l’aquarelle
conférences et autres animations. Ensuite, sélection des personnalités extérieures à peine encore à être considérée à l’égale
nous suivons la procédure pour la sélec- la SFA : cela permet une plus large ouver- d’une peinture à l’huile ou acrylique. Il y a
tion des œuvres. Depuis l’année dernière, ture et un regard moins spécialisé qui encore beaucoup à faire et nous devons
nous proposons une inscription en ligne à apporte un surcroît d’objectivité. Nous rester vigilants face à cette évolution si
nos membres. Cela demande tout autant en discutons régulièrement, notamment nous voulons qu’elle aille dans le bon sens.
de travail, mais il y a moins d’erreurs et les lors de nos Rencontres, un rendez-vous Malheureusement, les lieux d’exposition
données informatisées nous permettent annuel qui aura lieu cette année à Sanary. ne sont pas toujours à la hauteur, les frais

Annie Chemin, Lumière
en coings. 28 x 18 cm.
LE RÔLE DE LA SFA AU SEIN
DU PAYSAGE NATIONAL ET
INTERNATIONAL DE L’AQUARELLE
« Nous voulons montrer une aquarelle contemporaine
de qualité. Nous voulons défendre la diversité des écritures
et le respect des artistes. Nous espérons avoir un rôle
de plus en plus fédérateur au sein du paysage national,
nous avons commencé à inviter les sociétés régionales lors
de nos expositions pour les faire connaître et les soutenir.
Nous travaillons aussi à montrer une aquarelle française
à l’international via différents échanges avec la Confédération
des Sociétés Européennes d’Aquarelle (ECWS), mais aussi
Mexico, San Diego. La grande Exposition Européenne que nous
avons organisée à Avignon en 2016 a eu un très grand succès.
Le public très nombreux a été particulièrement intéressé de voir
les influences et les orientations artistiques de chaque pays.
Il a aussi beaucoup complimenté la diversité et la qualité
du travail des artistes français.
Une des orientations importantes de notre association
depuis trois ans est une plus grande ouverture aussi bien vers
les associations régionales (nous invitons désormais
« La galerie d’exposition est grande, l’association la plus proche géographiquement lors de chacune
belle et très bien située, à quelques
mètres du port. Ce très beau lieu
de nos expositions nationales) qu’au niveau international :
nous est gracieusement prêté par en 2017, la SFA est présente à Mexico, à Salamanque, à Milan
la mairie de Sanary qui prend aussi et à San Diego. En 2018, nous avons un projet d’échange avec
à sa charge les affiches, les invitations les aquarellistes du Canada, deux expositions : l’une à Toronto
et le vernissage, ce qui nous permet et l’autre à Avignon. Au-delà de la grande convivialité de
de ne pas exiger de nos membres ce moment et de notre assemblée générale qui s’y déroule,
des frais d’exposition trop lourds – nous y organisons depuis quatre ans des tables rondes qui nous
ce qui est un critère très important permettent de débattre ensemble de sujets ayant trait à notre
pour nous, car les artistes peintres métier, de l’avenir de la SFA et de celui de l’aquarelle.
sont généralement trop sollicités
financièrement lorsqu’ils exposent. » Notre site, entièrement géré par deux de nos membres,
Danièle Fabre, Printemps. s’est étoffé de façon significative depuis deux ans et est
devenu un véritable outil professionnel. Il nous a permis
d’améliorer considérablement notre communication et notre
Sonia Privat, Moinillons organisation. Il contient un espace réservé et sécurisé pour
à Bodnath. 110 x 130 cm. les artistes de la SFA où ils peuvent s’inscrire aux diverses
activités, communiquer, débattre et aussi
s’organiser entre eux (covoiturage par
exemple). Nous avons démarré l’année
dernière un partenariat avec Sennelier-
Raphaël et Canson, prometteur de jolis
projets. Nous sommes très fiers d’avoir
obtenu en 2016 le statut “d’association
reconnue d’intérêt général” auprès de
l’État, ce qui nous encourage à aller dans
la direction d’une organisation de plus
en plus professionnelle.
Ajoutons que la SFA est une association
Marie-Hélène Stokkink, L’Amour des moutons. 40 x 50 cm. d’artistes, tous bénévoles pour la gérer. »
d’exposition restent élevés et, surtout, les échanges avec le public sont égale- les œuvres de 180 peintres de 14 pays
les ventes sont trop rares. La multiplicité ment importants. Mais notre public ne d’Europe, 250 personnes ont participé
des Salons d’aquarelle, tels qu’ils existent doit pas être réduit aux seuls amateurs au symposium. Les membres des socié-
actuellement, finit par banaliser ces événe- d’aquarelle. Nous devons attirer un public tés européennes ont ainsi pu découvrir
ments et peut les amener à se scléroser. plus large, amateur de peinture, et plus le travail des artistes de la SFA, et les
La SFA réfléchit et échange beaucoup sur généralement d’art. Nous devons propo- artistes français ont pu découvrir le pano-
ce sujet : nous pensons que l’abondance, ser des échanges plus variés, plus origi- rama de l’aquarelle européenne, avec ses
voire l’excès de « démos » dans toutes naux, mais aussi défendre la démarche et tendances très marquées. Avec l’impact
les manifestations ne rend service ni au le travail des artistes. important de cet événement, notre asso-
public ni aux peintres. Les artistes, le plus ciation a pu prouver ses compétences
souvent, se sentent de plus en plus désar- ADA : Parlez-nous de quelques temps forts artistiques, mais aussi sa capacité de ges-
més face à ce diktat des démonstrations dans l’histoire de la SFA… tion et d’organisation. Nous avons amé-
et à la faible rémunération de leur travail. D. F. : L’organisation de l’exposition et du lioré la communication interne et de nom-
Nous pensons que la réussite d’une expo- symposium ECWS, l’an dernier à Avignon, breuses idées émergent. Il y a beaucoup à
sition est d’abord liée à la qualité de ses a été un tournant : nos membres y ont faire et à inventer pour faire grandir l’aqua-
œuvres. Nous sommes conscients que quasiment tous participé, nous avons reçu relle dans le paysage artistique.

RETOUR SUR…
Brioude
au rythme
del’aquarelle Les visites décalées en
compagnie des Tisseurs
de mots ont permis
d’évoquer autrement
Au cours de l’une
des 55 démos de
la Biennale, avec
LA BIENNALE DE BRIOUDE A UNE NOUVELLE les œuvres des artistes. Anne Christophe.
FOIS ATTIRÉ UN GRAND NOMBRE DE VISITEURS,

SÉDUITS PAR L’ORIGINALITÉ D’UNE EXPOSITION
ENTIÈREMENT OUVERTE SUR LA VILLE.
La Biennale d’aquarelle de Brioude

s’est tenue cette année du 12 au 25 juil-
let. Fidèles au concept d’une aquarelle
ouverte à des approches différentes et à
une exposition pensée en une douzaine
d’espaces disséminés dans le joli centre
ancien de la petite ville auvergnate, les Pour aborder cette 8e édition,
organisateurs ont convié à cette édi- un spectacle a été proposé afin
tion 38 aquarellistes, 3 carnettistes et de permettre le croisement
2 artistes performeurs, auxquels se sont des arts, cher aux organisateurs
joints des artistes animateurs. Les visi- de la Biennale de Brioude.
teurs ont ainsi pu découvrir les œuvres
de 22 nouveaux exposants, 20 artistes Sylvette Jacquet, Nadine
Chateauneuf et Éliane Sauvan,
étrangers, soit 12 pays représentés. coprésidentes de l’association
Proposée depuis 2003, la Biennale de Festival d’aquarelle.
Brioude mobilise près de 150 béné- Les Extrabiennales sont
voles, qui ont une nouvelle fois un projet d’expression
artistique proposé à plus
travaillé avec ferveur à la réus- de 50 classes d’écoles,
site d’un événement ponctué collèges et lycées du
de nombreuses animations. département de la Haute-
Démonstrations, stages et ini- Loire — soit 1 200 élèves
tiations, conférences, perfor- — en lien avec la Biennale de
Brioude. Thème de l’expo
mances, animations nocturnes, 2017 : « Ceci est une fenêtre ».
Extrabiennales rayonnant dans
tout le département de la Haute-
Loire… À travers une proposition
variée, des entrées vers l’art
adaptées à tous (une large place
était réservée aux scolaires), le
public a pu apprécier des facettes
très différentes de l’aquarelle
contemporaine, grâce à l’impli-
cation conjointe de l’association
organisatrice, de la municipalité
et des artistes. La 8e Biennale de Brioude La fresque évolutive de Donna Acheson-Juillet.
Plus de 200 festivaliers ont participé à cette œuvre
aura une nouvelle fois été un événement collective, qui a pris la forme de 205 carrés de
taillé sur mesure pour les amoureux de 10 x 10 cm. Point de départ de la composition géante :
l’aquarelle. Retour en images. une petite aquarelle de Donna représentant un cerf.

Au fil de
l’exposition :
à l’espace 1
aménagé dans
l’école Jean-
Pradier, Jean-Luc
Decron s’est tenu
à la disposition
de ses nombreux
visiteurs.
Invitée à Brioude en tant qu’artiste performeur,

Marie-Gilles Le Bars proposait une installation composée
de feuilles de papier artisanal aquarellé suspendues
à des arbres, dans la cour de l’école Sainte-Thérèse.
Lors des Nocturnes

de la Biennale,
adultes et enfants
ont pu expérimenter
la pratique
de l’aquarelle en
compagnie d’artistes
exposants tirés
au sort. Ici, avec
Eth de Melaou,
Daniel Hardyns et
Quatre artistes de Emmanuelle Brunet.
la SFA, Dominique
Gioan, Donna Acheson-
Juillet, Joëlle Krupa et
Marie-Hélène Stokkink,
ont proposé une
« Aventure picturale à
quatre mains » (1 h 30),
accompagnée en
musique par le pianiste
de jazz Paul Gioan.
Une première du genre,
très appréciée du public. Une journée pour
croquer les rues
de Brioude en
compagnie
d’artistes
carnettistes.
RENSEIGNEMENTS
La 8e Biennale d’aquarelle de Brioude
s’est tenue du 13 au 25 juillet 2017.
Les dates pour la 9e édition ne sont pas
encore connues ; nous vous invitons
à vous rendre régulièrement sur le site
de la manifestation :
www.biennale-aquarelle.com
La boutique de la Biennale : un passage presque obligé
pour les visiteurs… TEXTE ET PHOTOS : ELSA COLIN

RÉVÉLATIONS
Pierre Mach / France

DATES CLÉS
Naissance à Perpignan
Se consacre à l’aquarelle
1er Prix d’aquarelle de la ville de Cabestany
Invité d’honneur au palais des congrès
de Perpignan
Invité d’honneur au Musée des arts à Thuir
Festival animalier « Delta birding Festival »,
Espagne
32e Festival ornithologique de Ménigoute
Chouette de
CONTACT Tengmalm.
Aquarelle,
www.peinture-animaliere.com 36 x 51 cm
Spatule blanche. Aquarelle, 60 x 40 cm.
La nature et le monde sauvage sont mes

sources d’inspirations ; amoureux des
formes vivantes, la peinture est pour moi
le moyen d’exprimer l’émerveillement
que je ressens devant l’ingéniosité de
la nature. Avec l’aide de ma longue-vue,
Grand Tétras. Aquarelle,
je peux observer, dessiner, aquareller à 40 x 60 cm.
bonne distance, et donc sans
dérangement, l’animal dans le créer un éclairage qui figera cette ren-
seul but de reproduire cet instant contre furtive. Le grand tétras que j’ai
et enfin de le partager. aquarellé il y a de cela quelques années
Il ne suffit pas d’observer la nature me fascine encore. J’étais dans mon affût
pour créer une œuvre d’art à part quand, vers 21 h, un coq de grand tétras
entière. Pour ma part, je m’inspire est venu se poster à quelques mètres
plutôt d’un Robert Bateman, qui au-dessus de moi. Je bouge au ralenti,
peint dans l’hyperréalisme, que mon souffle se fait discret, tous mes sens
d’un Monet, dont la peinture est sont en éveil. J’ai tout le temps de dessiner
plutôt cérébrale. L’aquarelle en mon compagnon d’un soir, il me saluera
peinture animalière relève d’une même de quelques strophes. Nous pas-
grande tradition. Cette tech- serons la nuit ensemble, moi dans mon
nique est plus appropriée pour duvet douillet, lui sur sa branche, sans que
peindre en milieu naturel, mais l’un dérange l’autre. Le matin, avant que
l’observation reste au centre des le jour ne pointe, il descendra de son per-
Une représentation fidèle de ce qu’on a choir pour exécuter sa parade nuptiale.
démarches. Ce qui importe, c’est de saisir sous les yeux ne suffit pas à créer une
l’instant furtif. La difficulté est de s’adapter Il me gratifiera de sauts battus, de demi-
impression de vérité. La vérité se traduit tours avec ses rectrices en éventail,et au
au milieu : contrairement au paysagiste, par les formes furtives de l’animal, telles
on ne choisit pas le sujet, c’est le sujet qui bout de quelques heures de démonstra-
qu’elles se présentent à l’observateur. La tions il disparaîtra avec beaucoup de dis-
choisit le lieu et le moment, d’où la varia- technique de l’aquarelle est particuliè-
tion de luminosité et de couleurs qui se crétion dans la végétation environnante.
rement appropriée : le coup de pinceau
succèdent au fil des saisons. rapide, la magie de l’eau et des pigments,
la transparence du papier contribuent à
20 A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

DÉCOUVREZ À CHAQUE NUMÉRO NOS COUPS DE CŒUR ARTISTIQUES. SI VOUS SOUHAITEZ VOUS AUSSI PARTAGER
VOS DÉCOUVERTES, CONTACTEZ-NOUS : redaction@lartdelaquarelle.com
Ken Karlic / États-Unis Par Élodie Blain / Photos : D. R.
7th and Chestnut. Aquarelle, 17 x 56 cm.
DATES CLÉS
Diplômé
en beaux-arts de
l’université de l’Illinois

- Prix de la meilleure
aquarelle, Cityscape
2016, Baltimore, USA
- Premier prix, 7th
Annual 2016 Juried Art Show, New GAF on Ponca. Aquarelle, 17 x 56 cm.
Hope, USA

- Exposition personnelle : Il n’y a pas de meilleur terme pour décrire vie quotidienne. Les caractéristiques des
« Watercolor Expressions », mes aquarelles que la « sophistication du différentes structures et architectures,
McBride Gallery, Annapolis, USA chaos ». Mon objectif principal est d’expri- c’est-à-dire l’architectonique, sont des
- Exposition personnelle : mer la sensation de quelque chose, plutôt éléments vitaux dans mon travail. J’aime
« Representational Ambiguity », que son aspect visuel et de saisir la pure explorer ces formes comme moyen d’ex-
Maryland Hall for the Creative Arts,
Annapolis, USA physicalité du sujet dans la pure physica- primer la lumière et les ombres. Je des-
- Prix de la meilleure marine, lité de la peinture. Je ne cherche pas de sine et je construis mes œuvres avec de
Paint Annapolis, USA pré verdoyant à peindre par une journée la géométrie pure, que j’interprète ensuite
ensoleillée, dans mon travail j’embrasse de manière picturale. Mes peintures sont
les rudes contours du béton, du fer et le fondées dans une représentation figu-
monde industriel en général. À travers rative, mais sont souvent, et à différents
CONTACT des gestes et des textures spontanés, degrés, gagnées par l’abstraction. Les
www.kenkarlic.com je révèle la beauté d’un échafaudage ou surprises sont les bienvenues, d’ailleurs
d’un gréement, ainsi que les rigueurs de la je les encourage sous forme de marques,
Sam shipping. Aquarelle, 25 x 56 cm. griffures, éclaboussures et coulures, qui
deviennent toutes une partie intégrale de
l’œuvre finie. Sur site ou dans l’atelier, je
m’épanouis dans ce manque de maîtrise,
dans le fait de ne pas être entièrement aux
commandes – parfois c’est moi qui mène,
parfois je suis et parfois je m’accroche de
toutes mes forces pour ne pas être éjecté
en chemin. J’ai l’habitude de travailler rapi-
dement, mû par un sentiment d’urgence
et, au final, je prends plaisir dans le fait de
peindre rapidement une œuvre qui s’ap-
précie dans la lenteur.
A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 21

ON Y ÉTAIT…
En stage avec
PedroCanoàPatmos « J’ai vu Pedro
Cano peindre à
de nombreuses
reprises : c’est
COMME SI VOUS Y ÉTIEZ, ISABEL ALOSETE NOUS FAIT PART DE SA un peu comme
s’il priait. Il aime
garder le silence,
reportant sur
SEMAINE AVEC LE MAÎTRE PEDRO CANO, SUR L’ÎLE GRECQUE DE PATMOS. la feuille tout ce
que son âme
ressent. »
LE THÈME ? PEINDRE LE BLANC…

Nous avons quitté Madrid le 10 juin pour
Athènes, avant de rallier l’île de Rhodes où
nous avons retrouvé d’autres stagiaires italiens.
Tout le monde était très excité – Pedro Cano
compris – à l’idée de retrouver l’île de Patmos,
où aurait été écrite l’Apocalypse selon Saint-Jean.
Lorsque j’ai rencontré Pedro Cano pour la pre-
mière fois, il y a vingt ans, mon approche de
l’aquarelle a changé. Il m’a donné le goût de par-
tir en voyage. Je l’ai depuis accompagné dans
différentes villes, la plupart en Italie : Rome,
Fabriano, Matera, Naples, la Toscane, ainsi qu’au
Maroc – Marrakech, Fez, Essaouira –, en Grèce
et en Espagne. J’ai été conquise par la passion
de la peinture en plein air : rendre en un temps
rapide l’essence du lieu. Lorsqu’il m’a parlé de
ce séjour à Patmos, il m’a prévenue : « Ce stage Pour ce stage,
va être difficile, Patmos est une ville blanche avec un Pedro Cano a utilisé
des carnets Arches
ciel bleu immense, nous utiliserons très peu de cou- de 300 grammes.
leurs. Les ruelles sont très étroites, avec beaucoup En peignant sur
la double page,
de passages, d’arches. Nous résiderons sur les hau- il obtient des
teurs de Chora, où le silence et la spiritualité du lieu aquarelles de format
76 x 56 cm.
sont presque palpables. Nous irons sur des plages
difficiles d’accès, par des chemins en pierre, et nous
verrons des eaux bleues et émeraude. Nous serons
seuls avec la nature. »
Journée de
peinture près du
monastère où
Saint-Jean aurait
écrit l’Apocalypse.
3 CONSEILS DU MAÎTRE
À SES STAGIAIRES
- Prenez le temps de regarder
longtemps votre sujet et observez
également son atmosphère
et ses couleurs.
- Le choix des éléments qui composent
votre sujet doit être guidé par la lumière
et les contrastes.
- Dessinez uniquement avec le pinceau,
sans crayon. Rien de plus que
la lumière et l’eau ! Vous garderez
ainsi la pureté des couleurs.
22
Parole de stagiaire :
« Quel que soit notre
niveau, nous avons tous
« Tous les stagiaires ont reçu des profité des conseils
avisés de Pedro Cano !»
commentaires sur leurs travaux. »

Les commentaires de Pedro Cano
à chaque séance servaient autant
à corriger qu’à faire ressortir ce qui
est intéressant et fondamental.
Par groupe de deux, chaque

stagiaire a pu voir son
travail apprécié et critiqué
par un autre stagiaire,
avant de donner à son tour
son avis.
Sa vie entière, animé par la passion
de l’aquarelle, Pedro Cano a peint
des paysages en tant que voyageur
et amoureux de l’art. C’est cette
passion qu’il a avant tout cherché
à insuffler à ses stagiaires.
Toutes les couleurs peuvent

être obtenues par des
mélanges de trois primaires.
PAR L AURENT
BENOIST.
PHOTOS : D. R.
Le premier jour, nous

avons peint Rhodes, la ville
du Colosse, et son mur. LES RÉSULTATS : MON OPINION
Pedro Cano est très EN TANT QUE STAGIAIRE
sobre dans son choix Ce voyage à Patmos fut pour moi tout à fait positif,
de matériel : une boîte à la fois artistiquement et personnellement. Et je pense
à godets Winsor & que tout le monde a pu profiter des conseils du maître.
Newton et deux pinceaux Le thème principal, « Peindre le blanc », est présent
suffisent. Pour ce stage,
il préconisait de peindre dans toutes ses œuvres : respecter le blanc du papier
sur des carnets Arches de pour obtenir un maximum de lumière et la transparence
300 grammes. qui rendent l’aquarelle aussi unique.

Bankovskiy Most.
Aquarelle sur papier
Saunders Waterford,
42 x 60 cm.
5 uglov. Aquarelle sur papier
Saunders Waterford, 42 x 60 cm.
Olga Litvinenko
«Saint-Pétersbour
LA PRINCIPALE SOURCE D’INSPIRATION
DE L’AQUARELLISTE RUSSE OLGA LITVINENKO
EST SAINT-PÉTERSBOURG, LA « VENISE DU NORD »,
OÙ ELLE HABITE DEPUIS VINGT ANS. SES ŒUVRES
SAISISSENT AVEC POÉSIE LA VIE QUOTIDIENNE
D’UNE VILLE ENTRE TRADITION ET MODERNITÉ.
24
rg mon amour»
Autant que je m’en souvienne, j’ai toujours été atti-
ée par le dessin. Toute petite, je crayonnais déjà sur
parents, qui n’étaient pas artistes, n’ont jamais cher-
ché à m’empêcher de réaliser mon rêve. Même si
toutes les surfaces blanches à ma portée, les murs, mon père, qui est quelqu’un de très pratique, pen-
les portes… Les illustrations des livres, les magazines sait qu’il serait compliqué de gagner ma vie, que
d’art me fascinaient. J’aimais regarder des films sur j’allais vers les difficultés. Ma mère, quant à elle, m’a
les artistes. Au fur et à mesure des années, je suis soutenue sans réserve. Je lui en suis extrêmement
passée à des supports plus classiques, feuilles de reconnaissante. Grâce à elle, je n’ai pas eu de soucis
papier, carton. Très tôt, j’ai su que je voulais devenir matériels. J’ai pu terminer mes études à l’Académie
peintre. C’était une évidence. J’ai suivi des cours de et d’obtenir mon diplôme avec la mention très bien.
peinture et à 16 ans, je suis entrée dans une école Progressivement, j’ai atteint mon objectif : devenir
spécialisée. Enfin, j’ai réussi le concours de l’Aca- artiste. Les années à l’Académie des beaux-arts
démie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. Mes comptent parmi les plus heureuses de ma vie. Sans

OLGA LITVINENKO
Vue sur la
rue Bolshaya
Podyacheskayan.
Aquarelle sur
papier Saunders
Waterford,
42 x 60 cm.
« EN PEIGNANT MA VILLE, C’EST COMME SI JE DRESSAIS LE PORTRAIT

hésitation, je peux dire qu’on y professe le meilleur peintre, qui a gâché de très nombreuses feuilles de
enseignement artistique de toute la Russie. C’est une papier avant de réussir ses effets. Mais le spectateur
école classique, célèbre dans le monde entier, qui ne doit pas voir cet effort comme, devant un ballet,
attire beaucoup d’étudiants étrangers. En outre, d’un il ne doit pas ressentir la souffrance des danseurs. À
point de vue architectural, c’est un bâtiment magni- l’aquarelle, j’aime expérimenter, mixer les techniques.
fique, à l’allure sévère et majestueuse. Impossible de Je travaille dans le mouillé, sur fond sec, alla prima ou
ne pas être fière d’y avoir étudié ! J’ai eu aussi l’occa- sur plusieurs séances. J’essaie toujours de limiter les
sion de rencontrer un professeur remarquable et un couches de lavis, pour que mon aquarelle soit suf-
grand aquarelliste, Vladimir Starov. Cet homme avait fisamment complexe sans être trop chargée. De
été blessé six fois pendant la Seconde Guerre mon- même, quand je réalise un mélange, je n’utilise que
diale. Ce destin incroyable avait renforcé son amour deux ou trois couleurs, pour ne pas salir mes teintes.
de l’art. C’était un artiste de la vieille école, un grand Pour être réussie, une aquarelle doit montrer une
patriote. Il nous disait qu’un artiste doit éprouver certaine fraîcheur, ne pas être « torturée ». Mais cette
l’amour de sa culture, de son pays, sinon il perd son technique est tellement imprévisible… Je peux réus-
authenticité. J’ai suivi ses conseils. Dans mes œuvres, sir mon dessin en quelques touches ou au contraire
j’essaie de transmettre mon amour de la Russie. peiner pendant plusieurs jours. On ne contrôle pas
l’aquarelle. Comment en effet dompter l’eau et le pig-
IMPRÉVISIBLE AQUARELLE ment ? C’est une illusion. Mais j’aime cet aléa.
L’aquarelle est l’une de mes techniques favorites. Dans mes œuvres, je suis inspirée par la beauté de la
J’en pratique beaucoup d’autres : l’encre à la plume, nature et mon environnement quotidien. La ville est
le dessin au crayon, la gravure, la lithographie. Mais une de mes principales sources d’inspiration. Chaque
l’aquarelle est le médium le plus difficile, le plus subtil. ville possède sa personnalité, du fait de son histoire,
Derrière l’apparente facilité se cache le dur labeur du de son architecture, de sa culture. En la peignant, c’est

Les feux de Saint-
Pétersbourg.
DE CHAQUE PERSONNE VIVANT ET TRAVAILLANT ICI. » Aquarelle sur
papier Saunders
Waterford,
42 x 60 cm.
comme si je dressais le portrait de chaque personne
vivant et travaillant ici. Chacun peut se reconnaître
AQUARELLES RUSSES
Je peins à la fois avec des aquarelles en godet Winsor &
dans ces paysages. Si je peins une vue ensoleillée Newton et avec des aquarelles russes de la marque Leningrad
avec des couleurs vives et chaudes, beaucoup de (l’ancien nom de Saint-Pétersbourg pendant la période
gens se disent : « Oui, c’est ma ville ». Mais si je peins soviétique). J’utilise ces aquarelles, car elles font partie
de notre patrimoine. Elles sont fabriquées dans notre ville,
la même scène dans le brouillard, dans les tons de à la manufacture de Nevskaya Palitra. Leurs couleurs sont
gris et d’argent, d’autres trouveront que mon œuvre plus opaques et plus sourdes que les aquarelles anglaises,
reflète une image fidèle de leur ville bien-aimée. qui sont plus nuancées, plus transparentes. Je les utilise
Je peins presque exclusivement Saint-Pétersbourg, quand j’ai besoin de teintes intenses. Leur petit défaut est
d’avoir tendance à durcir et à craqueler avec le temps.
« Peter », comme disent ses habitants. J’y habite
depuis vingt ans et pour moi, c’est l’une des plus
belles villes du monde. Son architecture, très riche,
MON MATÉRIEL
J’utilise des pinceaux en martre Kolinski (n° 12, 10, 5), un spalter
mêle tous les styles : l’austérité néo-classique, l’élé- pour les fonds, des pinceaux synthétiques pour les détails
gance baroque, l’architecture russe traditionnelle, (n° 3 et n° 2). Ma palette varie en fonction des sujets, mais
l’art nouveau… Ses très nombreux canaux captent on retrouve souvent cette gamme : jaune cadmium moyen,
la lumière, ils sont enjambés par des centaines de ocre jaune, jaune d’or, orange de cadmium, terre de Sienne
brûlée, rouge écarlate, carmin, laque de garance, violet, bleu
ponts qu’on a tous envie de peindre. Partout des outremer, bleu de cobalt, terre d’ombre brûlée, sépia. J’ajoute
monuments magnifiques nous rappellent le passé, parfois des rehauts de lumière avec de la gouache blanche.
les grands hommes qui y ont vécu ici. L’atmosphère Il m’arrive d’employer de la gomme à masquer pour créer
y est vraiment unique. Pas étonnant que des géné- des réserves, mais le plus souvent, je crée mes blancs en
les peignant en négatif. Je peins sur du papier Saunders
rations d’artistes trouvent leur inspiration ici ! Waterford 300 g. Mes formats sont souvent identiques,
car je coupe les feuilles du commerce en deux pour travailler.
Texte : Valérie Auriel / Photos : Olga Litvinenko Mais je compte bientôt passer à des formats plus importants.

OLGA LITVINENKO Railway station à la loupe
Railway station.
Aquarelle sur
papier Saunders
Waterford,
40 x 60 cm.
Cette aquarelle représente le hall de la gare La gare de Vitebsk est très claire, car J’ai laissé le blanc du papier pour évoquer
de Vitebsk, à Saint-Pétersbourg, la première les arches ne recouvrent pas la totalité cet éblouissement. La tonalité générale
construite en Russie, en 1837. Elle a été des quais. La lumière qui vient de l’extérieur est plutôt froide. La gare est peinte dans
démolie et rebâtie plusieurs fois. L’édifice crée de beaux effets de contre-jour et des lavis à base de bleu outremer, bleu
actuel date de 1904. Sa façade est de style détache la silhouette de cobalt, et vert mélangé
classique, mais son intérieur est de style Art des voyageurs. de noir. Des notes chaudes
nouveau, avec une abondance d’éléments Les lignes de fuite intenses de jaune cadmium
métalliques, de détails raffinés. J’ai choisi de mon dessin et de rouge écarlate peintes
ce lieu et ce point de vue, car je trouve conduisent vers avec les aquarelles Leningrad
magnifique cette structure métallique la fin du quai, située ponctuent la scène.
protégeant les quais. J’ai saisi une scène de sous la verrière de Elles donnent l’indication
la vie quotidienne : des voyageurs chargés droite. Sous l’effet du mouvement des voyageurs
de valises se pressent pour prendre du contre-jour, celle- et sont comme des balises
leur train, des adieux se font sur les quais. ci est quasiment désignant le bon chemin.
Ma composition est axée sur la lumière. transparente.
ESQUISSES SUR LE MOTIF MON INSTALLATION

Même si je peins principalement dans mon atelier, la base Mon atelier est situé dans mon appartement. Je travaille sur
de mon travail est l’observation. Quand je suis en extérieur, une table installée tout près d’une grande fenêtre orientée
je réalise de brèves esquisses à l’aquarelle : je pose rapidement vers le soleil, qui m’apporte une belle luminosité. À Saint-
la couleur dans le mouillé pour saisir l’atmosphère, Pétersbourg, les journées sont très courtes pendant l’hiver,
la luminosité des lieux. Ces esquisses ne sont pas détaillées, nous recherchons toujours la lumière ! Je peins matin et
c’est un assemblage de taches colorées. En même temps, après-midi à la lumière naturelle. Parfois, en fonction de mon
je prends quelques photographies, celles-ci me permettront humeur, je peux travailler tard dans la soirée et même la nuit.
de reproduire précisément les bâtiments. Quand on peint Je pratique tous les jours. La peinture est comme la musique,
une ville, son architecture, on doit pouvoir la reconnaître. il faut faire ses gammes régulièrement si l’on ne veut pas
Il est important que le dessin soit juste. Ensuite, à l’atelier, perdre sa dextérité.
mes esquisses me servent pour déterminer ma palette. Mon mari est artiste
Je les étale sur de ma table de travail. Quand j’attaque également. J’échange
mon grand format, je sais où je vais, quel résultat je veux régulièrement avec lui.
obtenir ! J’essaie de reproduire le mieux possible la composition Il ne peint pas à
et les effets colorés. Mais souvent l’esquisse et le grand format l’aquarelle, mais à l’huile.
sont très différents. C’est la magie de l’aquarelle. Nous nous complétons !

Ambiance nocturne pas à pas
LA PERSPECTIVE NEVSKI EST UN PEU À SAINT-PÉTERSBOURG
CE QUE SONT LES CHAMPS-ÉLYSÉES À PARIS.
NOUS SOMMES ICI À LA FIN DE L’AVENUE. LE BÂTIMENT 1 Je m’inspire d’une
étude à l’aquarelle
et au crayon de
DE L’AMIRAUTÉ, SITUÉ DANS L’AXE DE LA RUE, IMPOSE papier, peinte à la
tombée de la nuit,
SA PRÉSENCE MONUMENTALE À L’HORIZON. MON OBJECTIF et d’une photo.
Le ciel décline des
DANS CETTE AQUARELLE EST DE RENDRE L’ATMOSPHÈRE nuances de bleu et
de violet. L’éclairage
NOCTURNE, LE TRAFIC INTENSE DE LA VILLE. LE CHALLENGE électrique crée
des notes chaudes
EST DE DONNER LA SENSATION DU MOUVEMENT DANS UNE de couleurs vives,
complémentaires
IMAGE FIXE. LES VOITURES NE DOIVENT PAS ÊTRE IMMOBILES ! des tonalités du ciel.
2 Je fixe les bords

de mon papier
à la colle blanche
3 Je peins partie
par partie, du fond
aux premiers plans.
sur une planche de J’ai remouillé mon
bois et dessine ma papier pour peindre
composition au crayon les immeubles longeant
en veillant à la justesse la rue. Ils ne doivent
de la perspective. pas être trop présents
Après avoir mouillé pour ne pas attirer
ma feuille, je peins le regard, qui doit
le ciel dans un lavis glisser vers le bout de
de bleu outremer. l’avenue. Sur fond sec,
L’Amirauté est cachée je trace certains détails
par des arbres, qui à la gouache comme
se fondent avec les fils électriques qui
le ciel. L’ambiance envahissent le ciel.
est mystérieuse.
4 Les lumières sur

les bâtiments
sont peintes dans des
5 Le tiers inférieur
du tableau est peint
dans des couleurs
lavis d’ocre jaune, de très vives, avec de
jaune orangé. Le feu l’orange de cadmium,
tricolore à droite est du jaune d’or. Je prends
dessiné sur fond sec soin de réserver des
avec un pinceau très zones blanches sur
fin. Je ne cherche pas les carrosseries des
à détailler. J’ai retiré véhicules pour évoquer
la gomme à masquer les reflets de lumière.
sur certains panneaux Pour rendre l’impression
de signalisation, qui se de vitesse, je trace dans
détachent désormais l’humide des traînées
du ciel. Mais je suis horizontales avec
déçue, l’effet est des lavis de violet,
un peu trop marqué. de rouge de cadmium…
Night fires.
6 Quand le papier
est sec, je dessine
sur le sol des lignes très
Aquarelle sur papier
Saunders Waterford,
38 x 60 cm.
fines avec un pinceau
acrylique. Celles-ci
soulignent le mouvement
des voitures et les lignes
de fuite convergeant
« IL FAUT
vers le bâtiment de BEAUCOUP DE
l’Amirauté. Il m’aura
fallu trois ou quatre PATIENCE POUR
séances pour peindre
cette aquarelle. Il est L’AQUARELLE.
important de savoir
s’arrêter quand on est MAIS ON
fatigué, car il est difficile
de rattraper ses erreurs PROGRESSE
à l’aquarelle. SANS CESSE. »
A QUARELLE N°34 29
MA PEINTURE PRÉFÉRÉE
CHAQUE ARTISTE VOUS LE DIRA, IL EST DES ŒUVRES DONT ON EST

PARTICULIÈREMENT FIER. VOICI CE QUI FAIT LEUR DIFFÉRENCE.
Éric Laurent
LE SUJET ABORDÉ
Cette aquarelle représente les bords de
Seine à Paris, et plus précisément l’île Soleil
Saint-Louis. J’ai effectué toute une série couchant sur
de vues de Paris, entre mai et juin 2017 et
cette aquarelle en fait partie. Le ciel et l’eau les quais
représentent les deux tiers de la composition
et enveloppent la partie urbaine. de Paris.
Aquarelle
sur papier
LES RAISONS POUR LESQUELLES Arches
J’AIME CETTE AQUARELLE satiné,
J’aime cette aquarelle car j’ai su réaliser à partir
d’un sujet urbain une aquarelle qui comporte 61 x 101 cm.
un aspect abstrait et inattendu, voire imaginaire
d’une part et un aspect figuratif d’autre part.
Je suis content de cette alchimie qui fonctionne.
UN TRAVAIL VERTICAL
ET HORIZONTAL
J’ai tendance à peindre de façon
impulsive et spontanée. Pour
un sujet tel que celui-ci, il faut
savoir garder l’essentiel du lieu
tout en apportant une émotion
et rendre une atmosphère.
Lorsque je démarre, je mets
toujours beaucoup de pigments.
Ma palette, c’est le papier.
Je procède parfois de la façon
suivante : je place sur la feuille
les trois couleurs primaires,
que je mélange ensuite,
au gré de l’intonation que
je vais vouloir insuffler à l’œuvre. MA MÉTHODE DE TRAVAIL
L’atmosphère générale se décide Je commence avec un léger croquis
dès ces premiers gestes. et quelques repères. Ensuite, j’applique
Ma feuille n’est jamais tendue. plusieurs lavis successifs avec
Elle est simplement posée sur quelques réserves de blanc.
une toile en cours, ou tout autre Je me détache du sujet, je recherche
support que j’ai sous la main. une force et une transparence dans
Je travaille à plat ; mais je ne les couleurs. Puis je recompose
m’interdis pas parfois de tenir mon sujet avec les ombres et
la planche inclinée, afin d’obtenir les détails.
des coulures et des effets
intéressants.

« PARADOXALEMENT, LES PARTIES LES PLUS BIEN UTILISER LES BLANCS
SIMPLES À RÉALISER ONT ÉTÉ LES DÉTAILS. » J’utilise en aquarelle toutes les techniques
et méthodes existantes : sec sur mouillé
et mouillé sur mouillé, sans me poser
la question de leur légitimité. Il en va
LES COULEURS de même pour le blanc, auquel
j’ai régulièrement recours. J’effectue ainsi
UTILISÉES quelques passages de blanc sur sec, afin
Cette aquarelle a été réalisée de « casser » un peu la couleur. Le blanc
sur la base de trois couleurs vient déstructurer certaines formes
primaires. J’ai ainsi utilisé un peu trop rigides. J’utilise aussi le blanc
un bleu de phtalo, un jaune en projection, à l’aide d’un pinceau
gomme-gutte et un rouge copieusement chargé en couleurs.
de cadmium. Concernant les réserves du blanc de
la feuille, il faut les envisager dans leur
MES PINCEAUX ensemble et telles qu’elles apparaîtront
au final. Toujours les prévoir plus grandes
Des petits-gris, des kolinskis, que prévu, puisque lors de la peinture, on
des pinceaux Raphaël. mord toujours un peu dessus.

DANS L’ATELIER DE…
KenThrift
Abstractions
colorées
PEIGNANT DANS UN STYLE
EXPRESSIONNISTE ABSTRAIT, L’ARTISTE
EXPRIME SES ÉMOTIONS INTÉRIEURES À
Blue Mountain. 76,2 x 56 cm.
TRAVERS LA COULEUR. EXPLICATIONS (Voir Tableau à la loupe p. 36)
SUR UN MODE OPÉRATOIRE TOUT

AUSSI INTUITIF QU’ORGANIQUE.
L’Art de l’Aquarelle : Quelles sont les raisons qui

vous ont poussé vers l’aquarelle ?
Ken Thrift : J’aime les effets que procure l’eau dans
une peinture. Même lorsque je peins à l’acrylique, j’ai
tendance à m’en servir comme s’il s’agissait d’aqua-
relle. Lorsque j’ai commencé, je me suis lancé dans
le paysage, comme bien d’autres avant moi. Mais
j’ai rapidement compris que je pouvais appliquer à
la peinture toutes les formes de traitement que je
souhaitais. J’ai donc entrepris des contrastes plus
forts et j’ai incorporé des formes et des figures. En
ajoutant parfois de l’encre de Chine. Cela prend du
temps d’apprendre à connaître exactement com-
ment se comporte le pigment en fonction de la
quantité d’eau. Il existe avec l’aquarelle une certaine
tonalité que l’on ne peut pas exactement obtenir
avec les autres techniques.
ADA : Quel rôle joue la couleur dans vos œuvres ?

K. T. : Elle joue un rôle important dans la mesure où
elle oriente les émotions du spectateur. Certaines
juxtapositions de couleurs peuvent ainsi évoquer

The Amusement Lark. 56 x 76,2 cm. des réactions différentes. J’adore la façon dont une
« Je me suis naturellement tourné vers l’aquarelle, parce qu’il s’agit d’une
technique complexe et que j’ai tendance à être un peu perfectionniste. »
palette restreinte peut être contenue dans une seule
œuvre. À l’artiste de choisir ce qu’il veut que le spec-
tateur ressente.
ADA : Est-ce que vous déterminez votre gamme

L’UTILISATION DES COULEURS colorée avant de vous lancer ou est-ce un aspect
J’utilise généralement les marques Grumbacher et Van Gogh,
car elles possèdent une quantité généreuse de pigments. intuitif qui se développe en cours de route ?
Cette saturation signifie que même lorsqu’elles sont diluées, K. T. : La couleur joue sur l’ambiance du tableau, et
les couleurs gardent toutes leur force.
sur ce que l’on ressent face à lui. Du plus loin que
Je commence généralement par les couleurs primaires, le noir et le
blanc. Je peux aussi partir d’anciennes palettes pleines de couleurs. je me souvienne, j’ai toujours adoré la couleur. Ma
Ces peintures, parce qu’elles ont séché, sont généralement plus grand-mère, Esther Thrift, était une artiste et ma
granuleuses et sont donc appropriées pour des effets de texture. grand-tante Frieda, sa sœur, me procurait des livres
de coloriage. Elle me demandait : « Est-ce que ces
REPÈRES couleurs vont bien ensemble ? », tout en me répri-
Ken Thrift possède un diplôme en art, délivré par l’université of mandant pour n’avoir pas respecté le tracé des
Wisconsin Whitewater, et a également suivi des stages en dessin
d’après modèle vivant, en composition et en étude des couleurs. lignes. Aujourd’hui, je ne réfléchis pas beaucoup
Ses œuvres ont été exposées sur tout le territoire américain et au préalable quand je peins ; je n’ai jamais peur de
notamment au Wisconsin Trade Center. En outre, il a également commettre d’erreurs, car il n’y en a pas. Si le résultat
exposé lors de la manifestation « Art Fair on the Square », à
Madison, qui attire chaque année un quart de millions de visiteurs. d’une peinture ne me convient pas, je passe tout
Il est par ailleurs membre de la Wisconsin Watercolor Society. simplement à la suivante !

KEN THRIFT
Divine
Intermission.
56 x 76,2 cm.
« Mon processus
intuitif remonte à
mon enfance, alors
que j’observais
ma grand-mère
peindre sur toile
et sur céramique
dans une petite
ferme au pied
des collines de
San José. Ce fut
le catalyseur qui
m’a ouvert les yeux
sur la nature. »
« QUAND JE PEINS DE MANIÈRE INTUITIVE, J’ACCÈDE À MON MOI PROFOND. »

ADA : Jusqu’où votre peinture est-elle le reflet de
votre état intérieur et de vos émotions ?
K. T. : Je cherche à créer quelque chose qui n’a
jamais été vu auparavant. À travers la couleur et la
composition, je crée une œuvre unique. Comme j’ai
grandi avec des troubles bipolaires, mon humeur
change radicalement d’un jour à l’autre. Une pein-
ture est un reflet de mon humeur le jour où je
l’ai peinte. Il n’y a pas deux jours identiques, donc
aucune œuvre ne peut être dupliquée. Quand je
peins de manière intuitive, j’accède à mon moi
profond.
ADA : Quelles sont les règles que vous mettez en

œuvre – ou que vous choisissez de délaisser – dans
la mise en place de votre composition ?
K. T. : Je démarre généralement par une petite
esquisse figurative au crayon, avant d’appliquer un
lavis ou un glacis, généralement un ton clair. Ensuite,
je laisse mon intuition prendre le dessus, et la pein-
ture se développer par elle-même. de pratique du dessin de nature morte et de corps You should’ve
humain pour établir mes bases. À l’aquarelle, vous known me
better.
ADA : L’expérience vient avec la pratique… Y a-t-il devez savoir quelles sont les couleurs qui fonc- 56 x 76,2 cm.
eu des moments dans votre apprentissage où vous tionnent lorsqu’elles sont superposées les unes aux
avez vraiment eu le sentiment d’avoir passé une autres. Et aussi connaître la quantité d’eau néces-
étape ? saire. Qui peut le plus peut le moins : si vous appor-
K. T. : Il m’a fallu des années d’apprentissage de la tez trop d’eau, vous perdez le contrôle de ce que
couleur et de la composition, ainsi que des années vous tentez d’accomplir.

Les 5 clés de l’abstraction
1 LE DESSIN PRÉLIMINAIRE
Je commence par une petite
esquisse préliminaire, sur laquelle
je passe ensuite un lavis léger.
3 CERNER LES FORMES

Je continue à poser mes
couleurs ; j’en profite également
pour cerner à l’encre de Chine
certaines des formes.
2 LES PREMIERS PASSAGES

DE COULEUR
Je pose ensuite mes premières
masses colorées en m’inspirant
de mon tracé au crayon pour
leur emplacement.
4 ARRIÈRE-PLAN ET TEXTURES
Je me lance maintenant
dans l’arrière-plan. Grâce à
des crayons aquarellables,
j’apporte des textures. 5 LES DERNIERS DÉTAILS
Je reviens et ajoute des détails sur les formes. Je m’assure également que les couleurs
s’équilibrent et créent une belle harmonie.
ADA : Quelle est la proportion de tableaux qui se ADA : Utilisez-vous des outils peu orthodoxes ?
déroulent sans problème ? Et est-ce que ne sont pas K. T. : Absolument ! Je ne suis pas du tout opposé à
ceux qui vous donnent précisément du fil à retordre l’idée d’employer tout ce qui peut m’aider à laisser
que vous appréciez le plus, au final ? une trace sur la feuille. Il ne faut pas en revanche
K. T. : Une peinture est toujours une nouvelle expé- que j’abîme la toile ou la feuille. Je suis une personne
rience. Chaque fois que je peins, j’apprends quelque tactile… et je n’hésite pas à déplacer la peinture
chose de nouveau, et tel devrait être le cas. Je suis avec mes doigts et mes ongles. J’utilise également
toujours en train de chercher des solutions, quand des vieilles clés de voiture, un filet de pêche et un
je peins de l’art abstrait. La plupart des mes pein- presse-purée. Rien ne m’est interdit. J’habite dans la
tures se déroulent bien, mais cela est sans doute dû Silicon Valley, en Californie, terre de nouvelles tech-
à des années de pratique. Et souvenez-vous : tous nologies et d’innovation. La plupart des gadgets et
vos tableaux ne sont pas des chefs-d’œuvre. Je suis des logiciels que nous utilisons proviennent d’ici. Et
également compositeur et interprète – et lorsque toutes ces inventions n’ont pas été créées en répé-
j’écris des chansons, vous ne vous dites pas que tant les mêmes choses. Il faut toujours avoir l’esprit
chacune d’entre elles sera un tube. Il y aura beau- ouvert.
coup de faces B, et même de « faces C ». Et c’est
très bien comme ça. Cela fait partie du processus. Je ADA : Quels conseils donneriez-vous à nos lecteurs
pense que c’est Lou Reed qui disait : « Vous pouvez qui souhaiteraient se lancer dans l’abstraction ?
dessiner un cercle un millier de fois, mais un seul K. T. : Commencez par expérimenter avec une
sera parfait. » diversité de techniques. Vous ne saurez jamais
quelle sera votre technique de prédilection avant
ADA : Existe-t-il un fil rouge ou une thématique de les avoir toutes essayées. Et n’abandonnez pas
générale qui traverse votre production ? sous prétexte que vous êtes frustrés ou que vous
K. T. : Pas vraiment, je suis en fait plutôt ouvert à avez fait une erreur. Une « erreur » n’est rien de plus
l’interprétation. Il semblerait que je sois inspiré par le qu’un signal qui vous indique que vous empruntez
contexte du moment – un peu comme s’il se passait la mauvaise direction. Prenez-en note et passez à
quelque chose et que je devais trouver la réponse autre chose !
adéquate. J’adore le fait que les spectateurs aient
chacun leur propre interprétation de ma peinture. TEXTE : LAURENT BENOIST.
C’est cette diversité qui s’appelle « art ». PHOTOS : D. R.

KEN THRIFT
“Blue Mountain” à la loupe
ON PARLE SOUVENT DE L’IMPORTANCE DE LA CRÉATIVITÉ,
MAIS ÊTRE CRÉATIF N’EST PAS QUELQUE CHOSE QUI VIENT
NATURELLEMENT À BEAUCOUP D’ENTRE NOUS.
L’ARTISTE AMÉRICAIN KEN THRIFT DÉVELOPPE SA CRÉATIVITÉ,
SON EXPÉRIENCE ET SA CONFIANCE GRÂCE À UNE MÉTHODE QUI
LUI PERMET D’ÊTRE SPONTANÉ ET D’EXPÉRIMENTER SANS PEUR.
PAR JANINE GALLIZIA
UNE APPROCHE TÉMÉRAIRE

La peinture abstraite et la peinture figurative sont souvent vues comme
opposées, alors qu’en fait il s’agit de la même chose. Dans certains cas,
l’abstraction peut être l’évolution naturelle de la figuration, ou bien elle
peut ne pas avoir d’origines figuratives. Dans les deux cas de figure, il
n’y a quasiment pas de différence, à part le degré de reconnaissance des
formes au sein de la peinture : sont-elles reconnaissables ou non ?
Ces deux formes de peinture demandent une composition solide, une
bonne palette et gamme de valeurs, une vision cohérente, un équilibre
et une harmonie, et enfin une idée menée jusqu’à son terme. Certaines PLUSIEURS
peintures visent à susciter une atmosphère ou une émotion, d’autres
cherchent à créer un jeu de couleur, une ambiance apaisante, une danse ŒUVRES
énergique de couleurs/formes/valeurs… tout est possible et, comme EN UNE
je le dis souvent, « les limites d’un artiste sont uniquement celles qu’il J’apprécie le fait que cette
accepte ». Il n’y a rien de bien ou de mauvais, mais les choix que nous peinture puisse être
faisons dans notre peinture afin d’en soutenir le message auront plus découpée en plusieurs
d’impact et créeront une peinture qui fonctionne. parties plus petites et que
Ken Thrift est un artiste protéiforme, il peint et est aussi acteur. C’est un ces parties fonctionnent
passionné d’improvisation dans sa peinture, ce qui lui permet d’accroître comme un ensemble.
ses talents d’acteur. J’ai découvert l’improvisation théâtrale grâce à ma Cela arrive seulement
sœur il y a environ vingt-cinq ans, lorsqu’elle se rendait au théâtre Last lorsqu’une composition
Laugh, à Melbourne, en Australie. C’était très drôle ! Je m’y suis rendue à est particulièrement
plusieurs reprises et cette idée d’improvisation m’est restée dans la tête. bien réfléchie. Voici
J’ai très clairement vu les atouts de cette technique et je m’en suis servie ci-dessous les parties qui
depuis dans de nombreux domaines. L’improvisation peut être un grand pourraient fonctionner
avantage pour les peintres, car elle leur permet d’essayer de nouvelles indépendamment.
choses qu’ils n’auraient pas envisagées et de gagner en confiance.
Le génie se trouve dans une liberté créative entretenue.
Blue Mountain est une bonne illustration de la manière dont
les contrastes fonctionnent afin de créer un tout équilibré.
La force de cette peinture réside dans son approche téméraire.
Sa moitié inférieure est une masse gris foncé « cassée » par
des lignes bleu vif qui créent un mouvement vertical. La partie
supérieure du tableau est peinte dans des valeurs claires avec un
fond chaud. Les formes, bien qu’abstraites, donnent l’apparence
d’être des personnages dans une bande dessinée. Les larges
formes aux bords arrondis contrastent agréablement avec la
partie inférieure, mate et froide. Quelques touches de couleurs et
de valeurs fortes stimulent le regard et retiennent l’attention. Les
formes larges à travers la peinture sont équilibrées par d’autres,
plus petites, ou simplement des lignes. Un bel équilibre de formes
simples et de détails qui nous encourage à contempler à loisir le
tableau et à y découvrir constamment de nouvelles choses.

LA COMPOSITION
La structure de cette peinture va à l’inverse de ce que certains considèrent comme
étant les « bonnes règles », mais il est bon parfois de voir que des œuvres qui s’en
affranchissent fonctionnent également.
La partie supérieure de la peinture forme clairement un X. La direction des formes
est statique, car l’œil n’est pas poussé à circuler dans la composition (voir ci-dessous
image de gauche). La partie inférieure de la peinture est complètement opposée
à la partie supérieure. Le gris mat et sombre remplit presque tout l’espace et le bleu
saturé crée des lignes qui guident l’œil vers la partie supérieure de l’image
(voir ci-dessous image de droite).
Les deux masses sont séparées par une ligne très nette qui coupe le centre de la
peinture, là aussi quelque chose qui va à l’encontre des idées reçues. Ce qui permet
à la composition de fonctionner, c’est la répétition subtile mais précise des petites
formes bleues qui sont parfaitement réparties dans la partie supérieure de la peinture,
ainsi que les formes brunes et mates qui se fondent dans la moitié inférieure.
IMPROVISATION = CONFIANCE ET LIBERTÉ

Ken est un peintre intuitif, comme la plupart d’entre nous ; pourtant, même
lorsque notre esprit divague, notre regard cherche toujours à équilibrer
inconsciemment les formes qui sont sous nos yeux. Cette capacité
d’organisation est innée chez l’être humain et nous l’avons tous à des degrés
divers. Elle peut pourtant être développée afin d’améliorer nos aptitudes dans
un grand nombre de domaines de la vie courante, y compris la peinture.
Ken a, je trouve, développé une méthode d’improvisation qui à mon avis lui
donne plus de liberté et de confiance en tant que personne et dans ses idées
– et cela se voit dans ses peintures.
L’aquarelle est une technique qui exige de réfléchir vite et de trouver des
solutions rapidement. Elle requiert aussi une grande faculté d’adaptation et
de faire des compromis, d’essayer de nouvelles idées et de suivre toutes les
opportunités qui apparaissent. L’aquarelle exige que nous soyons flexibles.
La pratique de l’improvisation, sur scène et en peinture, est une méthode qui
permet de développer ces aptitudes.
Un autre exemple de cette liberté peut être vu dans une autre peinture de Ken,
Summerville Savannah (ci-dessous). Ici aussi, il a privilégié un rythme libre, mais
cette fois-ci il a créé des contrastes grâce à des formes et des couleurs simples
posées avec des lavis alla prima. Il s’est servi de petites lignes et formes pour
équilibrer les grandes masses et les espaces vides, créant ainsi une composition
légère et aérienne. L’énergie est la même que dans Blue Mountain, mais
l’approche est différente,
démontrant une liberté
par rapport à la technique
habituelle.
Le rôle d’un artiste
consiste vraiment à
repousser sa perception
des limites afin de voir
ce qu’il adviendra.
La peinture abstraite
offre pour cette raison
plus de flexibilité et le fait
d’utiliser l’improvisation
afin de développer une
plus grande confiance et
variation dans son style
est une bonne idée qui
peut profiter à tous.

DÉCOUVERTE Parfum de glycine.
28 x 38 cm.
TOUT EN CHERCHANT À CRÉER
UNE ATMOSPHÈRE DANS SES
AQUARELLES, L’ARTISTE S’ATTACHE
À TRADUIRE L’ASPECT ESTHÉTIQUE
DES PAYSAGES DU NORD.
Martine
REPÈRES
Médaille d’argent
de l’Académie des
sciences, arts et lettres,
Arras
Prix des éditions
Hatier
Humbert
L’amour
, Prix Alpha
Cadres
Prix de
l’université d’Anchin
Prix au Salon des
Artistes douaisiens
Prix toutes
catégories, Lys-lez-
Lannoy
de la nature
- Médaille de la ville de
Marcq-en-Barœul

FU Salon
International de
l’Aquarelle de Belgique
à Namur
FUSalon
des Artistes Français,
Paris, avec prix des
paysagistes français
1er prix
d’aquarelle au Salon
Paul Bellon, Arras.
Martine Humbert est
par ailleurs sociétaire
« Je peins et je dessine depuis ma plus tendre MES TROIS RÈGLES
enfance. D’abord à la gouache, puis au fusain. À EN AQUARELLE
du groupe Aqua-Sol,
des Artistes douaisiens, l’époque, je peignais surtout des portraits. En 1. Le dessin est primordial. Un dessin bancal mène
d’Aquarellistes en Bord 1990, je découvre l’aquarelle, mais je dois dire que une peinture droit à l’échec. Cela est encore plus vrai
et d’APAPCO le coup de foudre ne fut pas immédiat ! J’ai même lorsque l’on dessine des éléments architecturaux,
Le Touquet. où chaque élément est là pour une raison précise.
failli arrêter en cours de route. Puis, j’ai eu ma pre- 2. Je réfléchis au placement des ombres et des lumières.
mière exposition en 1991, avec le groupe Aquasol J’aime les contrastes forts et évite le plat et le fade.
de Douai. Je vois mon travail un peu comme celui 3. Enfin, je détermine ma palette de couleurs à l’avance.
d’un musicien : vingt-deux ans de gammes… En fait,
il n’y a pas de secret : pour avancer, il faut travailler
et travailler encore… MA TECHNIQUE
TEXTE : Je peins avec une technique mouillé sur sec, à sec
essentiellement. Tout découle de l’observation, des
LAURENT BENOIST. UNE PEINTURE DE L’INTIME matériaux et d’une pratique continue et régulière.
PHOTOS : D. R. Je peins ce que j’aime, comme je l’aime. Ma réalité J’utilise du papier Arches grain torchon 300 grammes,
est une réalité revisitée, un monde concret où s’insi- qui correspond bien à mon style de travail et avec
lequel je peins depuis plus de vingt ans. J’en ai bien sûr
nue la poésie et où j’essaie de dévoiler la beauté du essayé d’autres, mais je trouvais que la peinture
quotidien. Il y a bien sûr une infinité de manières de glissait trop sur la surface.
38 A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017

« J’essaie d’intégrer des trouées pour faire passer l’air
et la lumière dans ma composition, ainsi qu’un horizon
très lointain qui emmène l’œil. »
TROIS GESTES POUR
BOOSTER LA TECHNIQUE
Parfois, le pinceau ne suffit
pas… Aussi, pour rendre
certains détails, rien de
mieux que des accessoires
facilement disponibles.
Voici trois conseils pour
dynamiser sa technique.
1. /B QPJOUFEVOFQMVNF
préalablement trempée dans
mon mélange de couleurs,
me permet de dessiner
les herbes.
2. Quoi de mieux
qu’VOF QFUJUFCSBODIF pour
représenter des branchages
sur la feuille ? Chargée en
peinture, je la laisse glisser
afin d’imprimer une marque
irrégulière et plus naturelle.
3. 'FT QSPKFDUJPOTEF
QFJOUVSF à l’aide d’une
brosse à poils durs, m’aident
À travers champs. 28 x 44 cm. « Un beau paysage n’est rien sans émotion. En regardant un tableau, on doit sentir le à obtenir des textures sur
vent dans les feuillages, les rayons du soleil, le bruissement des feuilles. Une bonne peinture résulte de plusieurs choses les murs des bâtiments.
: je dois intérioriser mon sujet, exercer l’œil avant la main. En fait, je cogite mon tableau le plus longtemps possible. »
peindre. Je suis pour ma part fascinée par la beauté

des détails : une jolie branche au bord de l’eau, une
vieille masure abandonnée au bout du chemin, une
antique grille rouillée dévorée par la verdure. Mes
tableaux sont composés de sujets et d’éléments qui
m’ont séduite ; à moi ensuite de composer une syn-
thèse harmonieuse.
DES PAYSAGES TOUT EN CONTRASTES

Mon inspiration me vient avant tout de la nature.
Je ne me lasse pas du spectacle des saisons qui
passent, des lumières de l’aube et du crépuscule, des
ciels changeants, du jeu de l’eau, des arbres. Peut-
être tout simplement parce que mon enfance s’est
déroulée dans un grand jardin. Jamais je ne pourrais
vivre en ville. Le plus grand risque qui guette l’aqua-
relle est la fadeur, que l’on pourrait tout aussi bien
nommer platitude ou banalité. J’ai besoin pour ma d’un équilibre entre le minéral et le végétal et d’ap- Douceur du soir.
28 x 38 cm.
part de paysages contrastés, baignés d’ombre et de porter un élément vivant et coloré. Je me demande « La peinture est pour
lumière… autrement dit, ce paysage doit constituer en vérité si je ne cherche pas à peindre des lieux qui moi une manière de
une invitation à la balade. peuvent rappeler l’enfance. m’évader, un besoin
d’être seule. J’aime
la solitude choisie.
RETRANSCRIRE L’ÉMOTION LE RÔLE DE LA LUMIÈRE C’est peut-être pour
Chacun de mes tableaux doit comporter une part La source lumineuse est primordiale dans un cela que je ne peins
pas de scènes de rue
de mystère ou de rêve. Je dois arriver à retranscrire paysage. Les plus belles lumières se trouvent le ou de vues urbaines.
l’émotion que j’ai ressentie face au lieu. Mon but matin à 8 heures et le soir à 20 heures. Il faut tou- Si je n’inclus jamais
est d’emmener le spectateur, qu’il rentre dans mon jours déterminer sa source lumineuse avant de de personnages,
en revanche
tableau. Tout fonctionne par équilibre : par exemple, commencer à peindre, définir les zones de soleil et j’aime peindre des
une vieille grille rouillée sera réchauffée par une cas- d’ombre qui vont rendre le tableau vivant. En fait, portraits, des enfants
cade de rosiers et un vieux volet sera en partie dissi- j’aime les lumières franches qui vont projeter des et des scènes de
maternité. »
mulé par des roses trémières. Il s’agit toujours un peu ombres. Et toujours avec des contrastes forts.
A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE -N OVEMBRE 2017 39

RENCONTRE
Dylan Scott Pierce
Peindre l’Afrique
avec passion
APRÈS AVOIR PASSÉ DU TEMPS AU BOTSWANA
ET AU SWAZILAND, CET ARTISTE AMÉRICAIN A
CONTINUÉ À PEINDRE L’AMPLEUR DE LA BEAUTÉ
ET DE LA DIVERSITÉ DU CONTINENT AFRICAIN,
EN PARTICULIER SES PEUPLES, AVEC LESQUELS
IL PARTAGE UN LIEN PROFOND.
L’Art de l’Aquarelle : Dylan, pouvez-vous nous parler
un peu de vous et de votre éducation artistique ?
Dylan Pierce : Le dessin a toujours été mon passe-
temps favori. À l’âge de 12 ans, j’ai découvert l’aqua- REPÈRES
relle grâce mon professeur Robert Long, et c’est À l’âge de 10 ans, en 1996, Dylan
Scott Pierce a remporté le premier
rapidement devenu une passion. Depuis, l’aquarelle prix dans une compétition artistique
est ma technique de prédilection. Adolescent, je pour enfants, le Festival des arts
peignais probablement 15 à 25 heures par semaine. d’Atlanta. Après ce succès précoce,
il a commencé à voyager à travers
À l’âge de 19 ans, j’ai commencé à apprendre les le pays pour exposer ses aquarelles,
principes de l’art classique, sous l’impulsion de représentant généralement la faune.
Chris DiDomizio, en copiant les maîtres anciens. Depuis 2007, Dylan a également
commencé à utiliser des huiles
Dix ans avec DiDomizio m’ont fourni les outils en parallèle de l’aquarelle. Outre
nécessaires pour développer mon processus créa- l’animalier, il aime également
tif. Mes étudiants en aquarelle m’ont également peindre des portraits. Travaillant
actuellement dans son atelier en
aidé à apprendre, en me posant le défi de créer des Floride, ces jours-ci, Dylan a exposé
moyens de communiquer sur la réussite d’une aqua- dans plus de 40 lieux différents,
relle. notamment à l’International
Artexpo de New York et le Safari
Club International de Reno.
ADA : Vous avez également passé du temps en Afrique… Il a remporté de nombreux prix
D. P. : L’Afrique est une terre d’aventure, ce qui tout au long de sa carrière d’artiste,
y compris les Prix Best of Show,
signifie que c’est un peu en dehors de ma zone de les Prix du mérite et le Prix
confort. C’est la beauté et la diversité des merveilles du public. Il a reçu l’attention
naturelles qui vous touchent profondément si vous des médias locaux et nationaux,
y compris, entre autres, National
êtes capable de garder l’esprit ouvert. J’ai passé le Geographic Today, Wildlife Art
plus clair de mon temps au Swaziland et dans le Magazine, QVC et Teen People
bush du Botswana. Je suis tombé amoureux des Magazine.
habitants, je me suis vraiment connecté avec eux.
Ils sont généralement très proches de la nature, ils
ont un sens de la communauté très fort et un sens
de l’humour très rafraîchissant – et ils aiment aussi
la bonne musique ! Dans la brousse, il y a un tel sen- Passively Waiting.
timent de paix, de tranquillité et d’émerveillement 81 x 66 cm.

« LORSQUE TROP
DE COULEURS ATTIRENT
L’ATTENTION, C’EST COMME
UN ORCHESTRE OÙ
LES MUSICIENS NE JOUENT
PAS EN HARMONIE LES
UNS AVEC LES AUTRES :
CELA CRÉE UNE DISCORDE
PLUTÔT QUE DE VENIR EN
SOUTIEN À LA MÉLODIE
PRINCIPALE. »

DYLAN SCOTT PIERCE
« LA COULEUR
POSSÈDE UNE
FORTE DIMENSION
PSYCHOLOGIQUE
ET AFFECTIVE ET,
LORSQU’ELLE EST
MANIPULÉE DE
MANIÈRE CIBLÉE,
ELLE PEUT CRÉER
UNE AMBIANCE
TRÈS EFFICACE. »
Feed My Lambs.
76 x 46 cm.
« Lorsque vous appréciez
les personnes en Afrique et que
vous voyez les nombreuses
difficultés qu’elles rencontrent
chaque jour, des circonstances
de vie auxquelles vous ne serez
sans doute jamais confrontés,
cela provoque en vous
des sentiments très forts et
vous fait ressentir des émotions
encore plus fortes. Même si
nos vies sont différentes, je me
connecte à leurs expériences
à ma manière et je peins avec
ce je ressens dans mon cœur. »

The Long Stretch.
76 x 102 cm.
« J’utilise les différents
éléments de l’art :
couleur, contraste, motif,
texture et forme ; chacun
d’entre eux joue un rôle
dans la composition
d’une manière ou d’une
autre, il est utile de
garder une dominante.
Par exemple, dans
The Long Stretch,
il y a beaucoup de formes
abstraites en arrière-plan
qui font circuler l’œil
du spectateur
d’une manière circulaire,
mais la couleur bleue
et la texture sur
le visage continuent
d’interpeller.
Les taches au contraste
élevé permettent
au regard du spectateur
de se déplacer afin
qu’il soit guidé sans
être entravé. »
– qui peut aussi être déconcertant, comme lorsque

par exemple un lion et son clan vous croisent ou
quand un éléphant charge dans votre direction,
en feignant d’attaquer. Vous devez dans ces cas-là
vraiment avoir confiance en votre guide ! Je pense
que même notre guide est devenu un peu nerveux,
lors de l’une de nos escapades, lorsque nous nous
sommes retrouvés face à face avec une mère rhino- qui me permettent d’élaborer la composition. Je
céros et son bébé ! Je pense que ces expériences fais ensuite un dessin de recherche avec des traits
ont renforcé mon sentiment d’émerveillement que libres qui me permettent de saisir ce qui a retenu
je cherche à capturer dans mes peintures. mon regard la première fois. Cela aide à comprendre
quelles sont les lignes et les formes les plus impor-
ADA : Quand vous peignez en plein air en Afrique, tantes tout en me permettant de positionner mes
comment faites-vous pour gérer la chaleur et le contours perdus et nets, par ordre de préférence.
soleil ? Je réalise également quelques études de couleurs
D. P. : Peindre à l’extérieur au Swaziland ou au pour choisir une couleur dominante et une palette
Botswana n’est pas si pénible que ça au printemps limitée en fonction de mon message, et en fonction
ou en automne, mais il faut porter des sandales et des mots-clés de mon tableau. Après cela, je réalise
un chapeau avec un rebord afin de conserver la fraî- souvent un dessin plus fini qui aide à appréhender
cheur. Peindre à l’extérieur est une expérience mer- les nuances et les subtilités. Enfin, je me lance alors
veilleuse qui vous donne un sens plus profond de dans l’aquarelle proprement dite, qui est l’aboutisse-
l’endroit où vous êtes. C’est également une oppor- ment de toutes les études.
tunité de prendre de précieuses notes sur la couleur,
afin que vous puissiez saisir ce qui rend ce sujet si ADA : Avez-vous toujours été adepte de l’approche
unique. Je prends également un appareil photo avec « qui peut le plus peut le moins » avec la couleur ?
moi, afin d’être sûr de ne rien rater. D. P. : Je n’ai toujours pas été conscient de mes choix
en matière de couleurs, j’avais l’habitude de peindre
ADA : Si vous deviez décomposer votre processus les choses telles que je les voyais et je laissais le sujet
créatif en plusieurs étapes, quelles seraient-elles ? dicter mes choix. La couleur est un outil très puis-
D. P. : D’abord, je commence par les mots, en cher- sant, et elle peut apporter beaucoup si elle est bien
chant à répondre à la question : de quoi parle ma gérée, ou faire beaucoup de mal si elle n’est pas
peinture ? Ensuite, je prends des notes. Quel est le canalisée. La chose la plus importante est d’avoir un
message ? Puis, je réalise quelques petits croquis ton dominant qui donne une présence à la peinture.

DYLAN SCOTT PIERCE Haitian Girl.
36 x 28 cm.
« Une période éclairante
pour moi a été
MES COMBINAISONS
d’apprendre à utiliser DE COULEURS
les contours perdus et nets J’ai apprécié l’utilisation de cette combinaison
dans mes dessins. Ce fut (gomme-gutte/alizarine/bleu paon) parce que
une étape majeure pour j’aime le bleu paon dans beaucoup de mes peintures
moi. Cela signifie mettre et il est difficile pour moi de me passer du jaune.
en avant les contours En ce qui concerne le schéma tertiaire, il y a beaucoup
qui sont importants par de combinaisons qui fonctionnent : il suffit en fait
contraste ou par couleur de choisir 3 couleurs également espacées sur
et fondre les contours le cercle chromatique, comme un triangle.
qui ne le sont pas. Pour décider quelles couleurs utiliser, je choisis
Les contours importants d’abord la couleur dominante et décide quelles
sont ceux nécessaires couleurs devront rester propres. Une combinaison
à véhiculer l’humeur polyvalente est constituée des couleurs suivantes :
ou la ressemblance. bleu d’Anvers, jaune auréoline et rose permanent.
Parfois, j’aime perdre
un contour, à un point
tel qu’on ne le voit plus.
Des contours nets et
perdus aident également
l’œil du spectateur
à se déplacer et à ne pas
rester focalisé sur un seul
endroit, et cela aide
à éviter les contours raides
et artificiels. La clé pour
une peinture forte réside
souvent dans ce que l’on
décide de ne pas inclure. »
ADA : Cherchez-vous à retranscrire une ambiance

particulière dans vos œuvres ?
D. P. : Oui, capturer une humeur est important pour
moi, et cela va de pair avec la narration. Je veux
que le spectateur se connecte avec le sujet et s’y
rattache de manière émotionnelle. Avec un peu de
chance, il pourra en faire l’expérience et ressentir le « PLUS VOUS PEINDRE AVEC
sujet de la même manière que moi. Je commence
UNE PALETTE LIMITÉE
Il existe une variété de palettes limitées que j’utilise :
un processus de découverte pour révéler et com- ACCORDEZ - Une palette analogue avec une seule complémentaire
prendre ce qui me pousse vers un sujet en particu- est agréable, elle est « calme » tout en étant
lier. Qu’est-ce qui a attiré mon attention ? Et en quoi DE TEMPS ET stimulante et peut être belle. Par « palette analogue »,
je désigne simplement une palette constituée de
est-ce que je me sens relié à cet élément ? Ce sont D’EFFORTS À trois couleurs côte à côte sur le cercle chromatique.
mes dessins de recherche et mes prises de notes - Deux ensembles de complémentaires peuvent
qui me donnent les réponses. Par prise de notes, LA PRÉCISION, également être un bon choix, c’est une palette
plus stimulante et active, tout en étant très belle
je veux simplement dire écrire une histoire simple selon les couleurs utilisées. Certains ensembles de
pour révéler la peinture. Un message aide à me gui- MEILLEUR complémentaires sont magnifiques, mais certaines
der dans la prise de décisions créatives. J’aime écrire peuvent être oppressantes.
un paragraphe avec des mots-clés. Ils représentent VOTRE ŒIL - Une palette tertiaire vous permet d’utiliser plus
de couleurs car tout est composé de seulement
mes désirs, par exemple : « connexion, espoir, com- DEVIENDRA. » trois couleurs qui s’harmonisent automatiquement
préhension, paix ». Ces mots permettent d’améliorer les unes avec les autres. Les semi-neutres peuvent
la clarté du message de ma peinture. être magnifiques, surtout lorsque vous les mélangez
sur la feuille afin de garder les variations subtiles
de chaque couleur.
ADA : Est-ce que vous avez l’impression que vous
réussissez à traduire vos idées en peinture ?
D. P. : La plupart du temps, oui. Parfois, un tableau
ne fonctionne tout simplement pas parce que je
n’ai pas consacré assez d’efforts à mes études. Peu
importe votre capacité en tant qu’artiste, il y a telle-
ment de choses à apprendre et tant d’expériences
qui amélioreront votre vision en tant qu’artiste. Et
c’est ça qui est excitant !
TEXTE : L AURENT BENOIST.

PHOTOS : D. R.

ZOOM SUR…
Token of Honour, 91,3 x 73,6 cm.
LES ESQUISSES LE FOND
J’explore les choix de Je suis souvent davantage intéressé par
composition en réalisant un personnage ou par un visage qui m’attire.
de petits croquis. Ensuite, J’aime que mes fonds mettent en valeur
je fais une esquisse un peu le portrait, sans détourner l’attention.
plus poussée pour prendre Dernièrement, j’ai passé plus de temps
conscience de ce qui est à peindre en plein air et c’est un bon moyen
important, afin de trouver de se sentir à l’aise avec l’utilisation des formes
les lignes et les formes sur et des textures plus abstraites qui peuvent être
lesquelles je veux attirer utilisées pour créer des fonds plus forts.
l’attention des spectateurs. En ce qui concerne les teintes, je décide
Le croquis permet aussi en fonction de l’humeur et du message que
d’établir la hiérarchie je veux transmettre.
d’importance des différentes
LE SUJET formes. Et je fais souvent

un dessin plus fini, qui servira de LES FORMES
Inglesio, garçon du Swaziland, porte référence, dans lequel je prête Les diverses formes en arrière-plan gardent l’œil
une poule qu’il ramène à la maison plus d’attention aux subtilités. en mouvement, comme le fil à linge, les feuilles
pour le dîner. Nous avons eu Commencer par un bon dessin de bananier incurvées, l’ombre sur l’herbe ; seules,
l’honneur d’être gracieusement fait toute la différence dans chacune de ces formes serait trop isolée, mais
accueillis dans la maison de sa famille. le résultat de la peinture. les petits éléments de texture et les formes plus
petites qui les relient aident l’œil à passer de l’une
à l’autre. Mais le contraste fort sur le garçon le met
en avant et le bleu de la poule fait que l’œil y revient.
La ligne courbe est également répétée : elle donne
du mouvement et répète la forme de la poule.
MA PALETTE
Dans la peinture Token of Honour, l’orange devait
être dominant pour transmettre la joie de vivre,
tout en représentant l’Afrique. L’orange chaud
et la poussière sont partout en Afrique : sur
les vêtements, les pieds nus des garçons, et même
leurs maisons (des cabanons, en fait), faites de boue
et de branchages. Le bleu de la poule a été changé
d’un bleu froid à un bleu chaud pour exprimer la joie
et un sentiment de beauté. Ma photo de référence
avait beaucoup plus de verts. Les couleurs vives
et contrastées s’accordent également avec
la spontanéité du garçon..

À LA LOUPE
des couleurs qui ne granulent pas. La granulation sur

COULEURS UTILISÉES des visages, surtout sur des traits d’enfant de petite
Je monte les valeurs petit à petit sur tout le tableau en taille comme dans ce tableau, est plutôt disgracieuse.
faisant en sorte que le sujet principal — ici, la jeune fille J’utilise donc des couleurs qui ne granulent pas, telles
qui nous regarde — ressorte, tout en veillant à créer des que l’auréoline mélangée avec le rose permanent ou
points d’intérêt à différents endroits du tableau et en la terre de Sienne brûlée que je fonce parfois avec
reliant les formes entre elles pour permettre au regard une pointe de gris de Payne. J’aime aller jusqu’à des
de circuler. J’ai mené une recherche sur le rouge des sombres très denses, presque noirs : c’est ce qui va
robes. Je me suis d’abord dirigé vers un mélange apporter de la lumière. En revanche, je trouve qu’un
habituel de rose permanent et d’auréoline ; mais la tableau comportant de très grandes zones très
teinte m’apparaissait soit trop pâle, délavée, soit trop sombres passe relativement mal à l’aquarelle.
vive, et attirait l’attention au détriment des visages. Je préfère conserver des zones claires pour laisser le
J’ai donc opté pour un mélange de rose permanent et tableau respirer. C’est pour cette raison que j’ai laissé
d’ombre brûlée qui a l’avantage de pouvoir tirer vers une zone de lumière dans la robe de la jeune fille qui
des valeurs assez sombres et de produire une belle se trouve à droite. C’est aussi un moyen d’équilibrer
granulation tout en étant beaucoup moins saturé. ombres et lumières dans les différentes parties du
Pour les visages, je travaille dans l’humide et j’utilise tableau — avec la zone claire diagonalement opposée.

Bertrand Martin
AVEC CETTE ŒUVRE TOUT EN NUANCES DE ROUGES
ET EN FUSIONS, L’ARTISTE AVAIT UN DÉFI À RELEVER,
DONT IL NOUS FAIT PART ICI.
L’Attente 75 x 85 cm.
MON APPROCHE REPÈRES

J’aime, à l’aquarelle, ces alternances de flou Bertrand Martin a eu, dès l’enfance,
et de net que l’on obtient si facilement en une passion pour le dessin, mise
travaillant soit dans l’humide, soit dans le entre parenthèses pendant une
sec. Et j’apprécie particulièrement ces flous vingtaine d’années : avant de se
chargés de granulation que l’on obtient consacrer à la peinture, ce Parisien
avec certains pigments. a connu une carrière d’ingénieur
Je les trouve pleins de douceur, propice à dans l’aérospatiale. C’est à l’approche
développer l’imaginaire ou une certaine de ses 40 ans, à l’occasion d’une
poésie. J’aime aussi l’atmosphère que l’on rencontre avec Lélie Abadie,
obtient en travaillant par glacis successifs : que son penchant a pu renaître,
en apparence, le fait de remouiller n’affecte particulièrement marqué par son
LE SUJET pas la couche sèche et pourtant une toute attirance pour l’aquarelle. Bertrand
J’ai remarqué cette scène lors du mariage d’une petite partie de la couleur diffuse et les Martin a pu alors affirmer sa pratique
amie. Les quatre demoiselles d’honneur, tout formes se fondent petit à petit les unes avec Lélie Abadie, Janine Gallizia,
habillées en rouge avec une couronne de fleurs dans les autres. Marc Folly ou Marie-Line Montécot…
sur la tête, attendant l’arrivée de la future mariée
au pied de l’église, étaient magnifiques. J’ai pris COMPOSITION
quelques photos en sachant que la scène pourrait Je travaille d’après photo et cela a été une vraie difficulté pour ce sujet,
m’inspirer une aquarelle… Plutôt habituellement car les quatre jeunes filles étaient toutes habillées de la même couleur,
centré sur les visages, j’avais envie de m’attaquer en rouge ; elles étaient également toutes dans le même plan. J’ai donc
à un portrait de groupe. Le Salon du Dessin réalisé de nombreuses études préliminaires
et de la Peinture à l’eau, qui s’est déroulée au pour la composition et les couleurs. Le rouge
Grand Palais à Paris en février dernier, préfère attire beaucoup le regard mais je voulais que
les aquarelles de grand format : je me suis dit que les visages ressortent. J’ai modifié quelques
c’était l’occasion rêvée de tenter un portrait de éléments de la photo modèle. Tout d’abord, la
groupe de plain-pied. jeune fille regardant l’objectif avait une mimique
Le portrait comme thème central qui ne correspondait pas à ce que je souhaitais
Le thème qui m’inspire le plus est le portrait. retranscrire ; j’ai donc imaginé une autre
J’aime les visages pensifs, rêveurs, nostalgiques. expression, plus proche d’un air un peu rêveur.
J’aime aussi beaucoup ceux des enfants, mais là J’ai aussi modifié la direction des yeux pour qu’ils
aussi, au-delà de l’esthétique propre du visage regardent l’observateur. J’ai changé la position de
poupin, que j’adore, je pense que ce sont des la colonne afin qu’elle anime le quart supérieur
figures qui nous emportent dans nos souvenirs gauche du tableau qui, sinon, aurait créé un
d’enfance, qui suscitent des émotions. grand vide. J’ai ajouté une ombre à droite du cou
de la jeune fille qui fixe l’objectif pour relier l’ombre de la chevelure avec
celle de sa robe. La ligne nette à cet endroit attire le regard et le guide vers
MON MATÉRIEL le visage de la jeune fille accroupie. Enfin, dans le quart inférieur droit du
tableau, le regard pouvait se perdre dans l’entrelacs des bras et des jambes…
SUPPORT. J’utilise exclusivement du papier Arches 640 g. C’est un J’ai tout flouté pour ne garder que les formes les plus gracieuses que j’ai
papier très résistant, qui supporte très bien de nombreux mouillés accentuées avec du détail ou des bords nets. Pour suggérer les mains du
et reste longtemps humide, ce que j’apprécie particulièrement. personnage principal, j’ai simplement effectué des retraits avec un pinceau
PINCEAUX. J’emploie un pinceau en poils de martre de marque à poils rigides dans la peinture encore humide : les mains semblent ainsi
Léonard n° 16 pour travailler dans le sec ou dans le mouillé posées sur les cuisses. Je ne voulais pas trop attirer le regard sur cette zone :
sur mouillé et plusieurs petits pinceaux synthétiques Escoda le visage de profil, juste à côté, est plus important.
pour travailler dans le sec sur mouillé. Pour réaliser les retraits,
j’ai recours à quelques pinceaux synthétiques à poils durs
destinés à la peinture à l’huile. UN FORMAT INHABITUEL
PALETTE. Elle comporte peu de teintes et je privilégie La taille du support, que je me suis imposée, a rendu plus complexe la
les pigments Winsor & Newton : terre d’ombre brûlée, terre réalisation de cette aquarelle. Il ne m’a pas été pas évident de travailler
de Sienne brûlée, rose permanent, auréoline, outremer, les détails au milieu de la scène, de peindre à l’envers pour parfaire tel point
gris de Payne pour l’essentiel. J’ai aussi recours à un peu d’orange du tableau tout en travaillant dans l’humide afin de réaliser des bords flous…
et rouge de cadmium tout à la fin de la réalisation, en rehauts. Ce format était pour moi une première.

PORTFOLIO
Série « Êtres »,
n° 9
DANS LA LIGNÉE DES MAÎTRES CHINOIS QUE SONT

GUAN WEIXING ET LIU YI, CE JEUNE ARTISTE S’ATTACHE
À REPRÉSENTER LES PEUPLES DE CHINE AU TRAVERS DE
PORTRAITS EMPREINTS DE DÉLICATESSE ET D’HUMANITÉ.
RickHuang
Une éternelle humanité
Fille tibétaine 2
70 x 50 cm

PORTFOLIO
Bouddha
70 x 50 cm.

Série « Êtres », n° 1
70 x 50 cm.

PORTFOLIO
70 x 50 cm.

Série « Être s», n° 10
70 x 50 cm.

PORTFOLIO
Cow-boy
70 x 50 cm.

Ali
70 x 50 cm.

PORTFOLIO
70 x 50 cm.

« C’est le monde spirituel que
nous devons admirer »
Rick Huang, quel est votre attrait pour le portrait ? Tout débute par une idée ; ces idées viennent de mon
Peindre est quelque chose d’indispensable pour moi, inspiration, qui peut aussi bien être une musique que
un peu comme si l’aquarelle coulait dans mes veines. la pluie qui tombe sur la vitre d’une voiture. Je vais
La peinture est un langage que je peux exprimer alors ressentir le besoin d’exprimer ce que je ressens.
avec mon cœur, et qui me sert à montrer mes émo- Cette émotion va apparaître sous la forme d’une
tions ou mes sentiments. image mentale, que je vais alors rapidement esquis-
ser ou noter avant de trouver les modèles appro-
Comment choisissez-vous vos modèles ? priés pour la mettre en scène. Cette phase nécessite
Certains sont des amis, des proches, voire parfois de beaucoup d’ajustements de position des modèles et
parfaits inconnus. Ce sont toutes des personnes qui des objets. Cela me permet d’exprimer précisément
possèdent quelque chose qui m’intéresse et qui attire mon idée première, que je vais ensuite retranscrire
mon regard. Il n’y a pas vraiment de différence pour à l’aquarelle. Au cours de ce processus, je vais laisser
moi entre peindre des inconnus et des personnes de la place à l’improvisation, afin que ma peinture ait
que je connais, car je reste concentré sur ce qui m’a l’air plus vivante.
interpellé en premier lieu et ce qui m’a donné envie
de les peindre. Quelles sont vos influences picturales ?
J’adore la peinture d’Andrew Wyeth, non seulement
Quelles sont les caractéristiques que vous recher- ses aquarelles, mais aussi ses tempéras. Je suis fas-
chez chez une personne ? cinée par la mélancolie qui se dégage de ses scènes
J’aime peindre des personnes d’origines différentes, rurales et en même temps il possède une excellente
pour leurs particularités historiques, régionales et technique réaliste. J’ai beaucoup appris en regardant
culturelles. Je cherche avant toute chose leur part son travail. Et aussi Nicolaï Fechin, qui est un portrai-
d’humanité éternelle, leur gentillesse, leur détermina- tiste à l’huile très connu. Il avait un véritable don.
tion et leur confiance dans l’avenir de l’homme. Tout
comme la beauté des fleurs et le parfum de la terre, Qu’en est-il de votre technique à l’aquarelle plus par-
c’est le monde spirituel que nous devons admirer. En ticulièrement ?
peignant des êtres humains, je veux rendre compte Ma peinture est une alliance entre l’humilité qu’im-
de l’humanité. pose la peinture à l’huile et la luminosité de l’aqua-
relle. Certaines zones sont peintes librement, tandis
Quels mélanges utilisez-vous pour vos tons de chair ? que d’autres sont plus détaillées, avec la surface de la
Un mélange de rouge rose, de bleu de cobalt et de feuille complètement sèche, ou bien humide lorsque
turquoise comme base pour mes tons de chair, et je veux donner du rythme. Une peinture est un peu
j’utilise de la terre d’ombre brûlée, du violet et du vert comme une symphonie avec plusieurs mouvements.
pour les ombres. Il me suffit ensuite d’ajuster les pro-
portions de chaque couleur. Enfin, quels sont vos marques et outils favoris ?
J’utilise des couleurs Winsor & Newton parce que leur
Quelle part laissez-vous à l’improvisation ? gamme de couleurs est complète et qu’elles sont très
L’improvisation est un élément important dans mon transparentes. Ceci dit, il m’arrive aussi de peindre
processus de peintre. Cela peut donner de la vie à avec des couleurs Holbein. Je travaille sur des feuilles
une peinture. Comme elle est aléatoire, ce n’est pas Arches 300 grammes grain torchon. Ce papier pos-
quelque chose que vous pouvez dupliquer. Je serai sède une texture magnifique et il supporte sans pro-
incapable de refaire une copie d’un de mes tableaux, blème plusieurs lavis successifs.
ce qui démontre l’importance de la part d’improvisa- TEXTE : LAURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.
tion dans mon travail. Le spectateur peut ainsi mieux
ressentir les émotions de l’artiste lorsqu’il improvise,
ainsi que sa touche unique, qui est la partie la plus REPÈRES
sensible et la plus merveilleuse d’une œuvre d’art. Huang Huazhao fait partie de l’ethnie Zhuang. Il est né en
1977 à Guangxi. Diplômé de l’université des arts de Guangxi,
il est vice-président de l’IWS Chine, professeur d’arts
Pouvez-vous nous décrire votre processus créatif ? plastiques à l’université normale de Guangxi et rédacteur
Le processus de création est une vraie source de joie. en chef du magazine Chinese Watercolor.

À LA LOUPE PAR JANINE GALLIZIA
LES FORMES
Les images ci-dessous illustrent
la prépondérance des lignes
diagonales au sein du placement
des objets. Elles créent du
mouvement et de l’intérêt.
Ces lignes agissent cependant
comme des lignes directionnelles,
emportant le regard du spectateur
en dehors de la peinture. Afin
d’éviter ce problème et de
s’assurer que le regard soit bien
attiré par le point focal du tableau
(le cadran de la montre), Denny a
stratégiquement placé la chaîne
de la montre à gousset de telle
sorte qu’elle forme deux verticales
qui viennent équilibrer ces lignes
diagonales.
LES VALEURS
On parle souvent d’équilibrer les éléments dans une peinture.
Il s’agit d’une manière de pensée trop simple, qui aboutit souvent
à des compositions symétriques. Cette peinture, en opposant les
éléments, est un très bel exemple d’équilibre.
Si nous simplifions la peinture pour n’en garder que les ombres
et les lumières, on peut voir l’équilibre délicat entre les grandes
masses. Il y a presque la même quantité de valeurs sombres que de
valeurs claires. Comme vous pouvez le constater, quelques valeurs
Ci-dessous, afin de s’assurer claires sont placées dans la grande masse sombre, et vice-versa.
que l’œil revienne au point focal, Ce lien et cet équilibre entre les formes créées à l’aide de valeurs
les derniers maillons et la pièce opposées donne une belle composition unifiée. Nous voyons
métallique de la chaîne agissent aussi la grande diagonale qui sépare nettement les deux masses
comme des lignes directionnelles principales, et qui permet de mettre en valeur l’importance des
qui font remonter l’œil vers le deux chaînes verticales qui viennent l’équilibrer.
cadran de la montre.
LES COULEURS
Les peintures de Denny Bond font essentiellement appel aux
valeurs plus qu’aux couleurs. Il a recours à une large gamme de
valeurs afin de créer de la profondeur, ce qui donne un aspect très
réaliste aux objets. Ceci dit, il y a souvent une couleur dominante
saturée utilisée pour créer de l’émotion et susciter de l’intérêt.
Si nous regardons la forme générée par le rouge vif, on constate
qu’elle crée elle aussi une autre grande forme diagonale, mais dont
la direction est inversée, équilibrant ainsi la grande masse sombre.
Cette grande masse d’une seule couleur rompt la monotonie
du reste de la peinture, pour laquelle une palette terne et assourdie
a été utilisée.

Denny Bond
VOILÀ UN MAGNIFIQUE EXEMPLE DE COMPOSITION
RÉUSSIE, OÙ LE CHOIX ET L’ARRANGEMENT DES
TROIS ÉLÉMENTS QUI LA CONSTITUENT SONT EXÉCUTÉS
DE MANIÈRE INTELLIGENTE AFIN DE CRÉER UN
TABLEAU. CEUX-CI ONT ÉTÉ PENSÉS LOGIQUEMENT, À
LA FOIS DE MANIÈRE INDIVIDUELLE ET DANS LEUR ENSEMBLE, CE QUI
TÉMOIGNE DES FORTES CAPACITÉS MENTALES DE DENNY BOND,
L’UN DES MEILLEURS AQUARELLISTES D’AUJOURD’HUI.
Once Upon LE SUJET

À mon avis, Denny Bond est aujourd’hui l’un des meilleurs
« designers » en aquarelle. Nous parlons tous de
ATime
la composition, mais si peu la maîtrisent vraiment.
La composition est la structure même d’une peinture et,
si elle ne fonctionne pas, toutes les touches sur la feuille,
les combinaisons de couleur et les astuces dans notre manche
ne feront pas illusion pour un œil averti. C’est le premier
2015. 63 x 76 cm. élément essentiel de toute peinture, quels que soient la
technique et le style, figuratif, suggéré ou abstrait.
Afin de bien comprendre, il est important de revenir aux
fondamentaux, car avec le temps de petites modifications
peuvent avoir lieu à travers les changements linguistiques et
LES HABITUDES DES PEINTRES AUJOURD’HUI des idéaux, qui peuvent à leur tour déformer notre perception
du sujet en question. Le terme de composition, selon
De nos jours, la plupart des gens peignent sur le motif ou d’après photos. Le Robert, est la suivante : « Action, manière de former un
Beaucoup d’artistes se servent d’appareils pour leur dessin, afin d’être sûr tout en assemblant plusieurs parties, plusieurs éléments. »
qu’il soit sans erreur. Pour certains, cela s’appelle le progrès. Ces formes Voyons comment cela se traduit en peinture :
de préparation ne développent cependant pas chez l’artiste de vraies
Les éléments d’une peinture sont :
capacités à concevoir une composition, car la composition s’apprend avant
tout avec le dessin. L’art ne consiste pas à reproduire les formes que l’on a - La couleur
sous les yeux : il constitue une vision construite par l’artiste afin qu’il puisse - Les valeurs
s’exprimer. Pour y arriver, les artistes doivent modifier la réalité en termes de - Les formes
formes, de valeurs et de couleurs, afin de raconter leur histoire. La capacité Les combinaisons multiples de ces trois éléments
à disséquer n’importe quel sujet s’apprend grâce au langage visuel qu’est la créent des peintures ; rien de plus, rien de moins.
peinture et à la compréhension de la manipulation des trois éléments clés Vous m’avez sans doute déjà entendu dire au fil des ans :
que sont les formes, les valeurs et la couleur. Une ligne verticale peut être « La composition est simplement l’arrangement des
utilisée pour guider ou bloquer le regard du spectateur ; elle ne peut pas couleurs, des valeurs et des formes sur la surface de la
être reproduite sur la feuille simplement parce qu’elle fait partie du paysage. toile. ». Autrement dit, le rôle d’un artiste dans la création
Nous devons prendre des décisions afin de choisir quelles formes, valeurs et de sa composition consiste à choisir l’emplacement
couleurs aideront au mieux notre peinture. Cela revient à maîtriser le dessin. de chaque couleur, valeur et forme. Bien que cela
Le dessin est essentiel en peinture. Il est la base de plusieurs éléments paraisse simple, cela demande une compréhension
comme les valeurs, les formes, la compréhension de l’espace et du complète des couleurs, des valeurs et des formes, à la
volume, la hiérarchie et les relations entre ces différents éléments. Il est la fois comme concepts individuels et dans les relations
construction qui sous-tend une peinture. Lorsque nous dessinons, nous qu’elles entretiennent entre elles. Cette notion est l’art
arrangeons les formes avec leurs valeurs et leurs couleurs de telle sorte même derrière chaque peinture et elle est rarement
qu’elles puissent exprimer le plus simplement possible le message que nous optimisée de nos jours. C’est la raison selon moi pour
voulons transmettre. laquelle la plupart des gens ont du mal à maîtriser l’art de
Dans cette œuvre de Denny Bond, nous pouvons voir comment la la composition.
construction délicate de la composition a été créée afin de rendre cet effet Afin d’avoir plus d’information et de conseils de la part de
particulier. Denny Bond est un des rares artistes à utiliser autant de lignes Denny Bond, vous retrouverez un article complet sur son
directionnelles que moi ! Regardons plus attentivement quelles sont les style, sa préparation et sa vision en peinture dans le numéro
formes, les couleurs et les valeurs qu’il a utilisées. de décembre de l’Art de l’Aquarelle.

RENCONTRE
Xi Guo
Le cycle de la vie
The Last Sleep N° 1

51 x 76 cm.
« Cette peinture s’inspire de fleurs fanées dans
REPÈRES
ma chambre. C’était par une fin d’après-midi : Xi Guo est née à Shanghai en 1975. Elle est membre signataire de la National Watercolor Society
j’ai vu l’ombre des pétales en train de mourir (NWS) et de la Northwest Watercolor Society (NWWS). En 2015, Xi Guo a été sélectionnée
dans la lumière chaude. J’ai voulu saisir pour exposer à la Royal Institute (RI) of Painters in Water Colours, à Londres ; elle a ainsi été
la beauté et la tristesse de cet instant. la première artiste féminine d’origine chinoise à exposer à la RI depuis sa création en 1831.
Le sol était en fait brun foncé, et je l’ai changé Elle a exposé à la RI en 2016, puis en 2017. Une de ses œuvres a remporté le prix de la Biennale
pour un gris rosé clair afin qu’il s’accorde internationale de l’aquarelle de Shenzhen. Ses œuvres ont également été acceptées dans
avec la couleur principale. »
la 149e exposition internationale de l’American Watercolor Society. Elle a de plus remporté
le prix Da Vinci Artist’s Merchandise, lors de la 96e exposition internationale de la NWS.
60
EMPREINTE DE MÉLANCOLIE, LA PEINTURE DE
XI GUO EST UNE RÉFLEXION SUR LE CYCLE
DE LA VIE, REFLÉTÉ DANS LA NATURE.
L’AQUARELLE EST POUR ELLE LA TECHNIQUE
QUI SE PRÊTE LE MIEUX À SES RECHERCHES ET
SES IDÉES. ELLE NOUS EXPLIQUE POURQUOI.
Je suis née et j’ai grandi à Shanghai, en Chine. J’ai LE CHOIX DU SUJET

étudié la peinture chinoise dans mes premières Mes études en photographie et en art contemporain
nnées d’enfance et j’ai commencé ma formation influencent ma peinture – je ne produis pas d’aqua-
cadémique de dessin quand j’avais environ 10 ans. relles très réalistes. Je reconnais qu’il y a quelque
Ensuite, je suis allée à Shanghai Art and Craft School, chose dans ma peinture qui peut mettre mal à
un lycée associé à l’art et au design, spécialisé dans l’aise et surprendre… surtout avec les poses de mes
le design graphique. En raison de l’atmosphère artis- modèles. Grâce à des images intenses, je veux parler
tique et ouverte, c’était la première fois que j’avais aux spectateurs de mon obsession pour la beauté du
un sens de ce qui était « contemporain, moderne cycle de la vie, qui comprend la vie et la mort. Il est
et postmoderne ». Quatre ans plus tard, j’ai intégré important pour moi que mes sujets correspondent
l’Université normale de Shanghai, où j’ai étudié la à mon concept. Comme tous les autres artistes, je
peinture à l’huile. Après avoir obtenu mon diplôme suis tentée par un grand nombre de sujets intéres-
universitaire, j’ai enseigné au Shanghai Art and Craft sants, mais je dois me restreindre aux idées qui fonc-
College. En 2009, après huit ans d’enseignement, tionnent avec mes projets.
j’ai décidé que je voulais aller ailleurs et apprendre
quelque chose de nouveau, alors j’ai décidé de LE RAPPORT À LA NATURE
quitter mon emploi et d’étudier à l’étranger. J’ai été Fondamentalement, mes peintures de la nature et
acceptée au Savannah College of Art and Design en mes portraits sont comme le Yin et le Yang du Tai Ji.
Georgie aux États-Unis d’Amérique, où j’ai obtenu Par leur biais, je raconte mon histoire. Enfant, je me
une maîtrise en photographie. sentais plus à l’aise dans la nature qu’en compagnie
Baby’s breath
76 x 51 cm.
« J’ai toujours
aimé les
gypsophiles
pour leur aspect
nuageux. Aussi,
quand j’ai décidé
de me peindre
avec cette
chemise blanche,
j’ai tout de suite
pensé à cette
fleur. J’ai recadré
l’image et flouté
les fleurs afin de
rendre le regard
plus intense.
Les détails de la
chemise blanche
et la texture
sur les jambes
permettent
d’équilibrer la
composition. »

XI GUO
Dreaming
of Butterfly
N° 5
48 x 33 cm.
« Cette série
de peintures
est inspirée
de Zhuang Zi,
un philosophe
taoïste chinois
qui raconte
l’histoire de
son rêve, dans
lequel il était
un papillon. À
son réveil, il ne
se souvenait
plus s’il était
un homme qui
avait rêvé qu’il
était devenu
un papillon ou
un papillon qui
avait rêvé qu’il
était devenu
humain. En
répétant et en
dissimulant
certaines
parties de
l’image, j’ai
essayé de
donner corps
au concept
d’identité et
d’illusion. »
62
Dreaming of Lilith
Butterfly N° 6 76 x 51 cm.
48 x 33 cm. « Cette peinture
« J’avais est inspirée de la
déménagé mythologie juive.
aux États-Unis Lilith, la première
pendant deux ans femme d’Adam,
au moment de vit dans un arbre.
cette peinture. Elle est à
Parfois, je rêvais la fois source
que j’étais de fantastique
encore à mon et d’horreur.
appartement à Je me suis prise
Shanghai. Le en photo devant
choc culturel des buissons,
était toujours là. dans mon jardin.
Par conséquent, J’ai assombri
j’ai combiné le fond afin que
les éléments le buisson donne
orientaux dans l’apparence
l’environnement d’une jungle
occidental pour mystérieuse, et
symboliser les ajouté des tons
étourdissements violacés sur les
et le désordre feuilles afin de
dans mon esprit. » créer un contexte
plus surréaliste. »
des gens. Elle est toujours une source d’inspiration. MON PROCESSUS DE TRAVAIL
Mes peintures de nature sont plus calmes et plus Si j’ai une idée, j’écris quelques mots-clés, puis réalise
pacifiques que mes portraits. Je ne peins pas quelque quelques croquis. Une fois ma composition détermi-
chose de simplement doux et joli. Vous pouvez voir née, j’essaie de trouver le meilleur endroit et d’autres
la beauté dans toute chose, qu’elle soit merveilleuse éléments pour prendre des autoportraits, à l’aide de
ou laide, vivante ou morte. La nature est la meilleure mon appareil photo et de mon trépied. Je me pro-
illustration du cycle de vie. mène partout avec. Si je trouve quelque chose qui
attire mon attention, je prends des clichés. Si l’éclai-
UNE ENFANCE SOLITAIRE ET MÉLANCOLIQUE rage n’est pas suffisant, je prends des photos du
Ma peinture est mélancolique, car je suis avant tout même sujet, jusqu’à obtenir le bon éclairage. J’utilise
une personne pessimiste. D’après Freud, tout pro- également Photoshop pour éditer mes images. Le
viendrait de mon enfance solitaire. J’étais un enfant
très maladroit et excentrique. Mes parents étaient
très occupés, ils m’ont envoyé dans la maison de ma L’AUTOPORTRAIT, UN CHOIX ÉVIDENT
grand-mère dans un petit village. Les enfants ont Tous mes tableaux sont mon autoportrait. La raison en est
senti que j’étais une étrangère, là-bas. Quand je suis que cela rend mon travail plus personnel. C’est comme si
j’étais le narrateur qui raconte sa propre histoire. Je suis
retournée à la ville, j’étais encore une étrangère. Il y à la fois le réalisateur et l’acteur. Je suis narcissique et entière.
avait un cimetière près du village, où je me rendais Le processus de fabrication de l’art est une sorte de jeu pour
souvent. Donc, pour moi, la mélancolie est proba- moi. Je n’ai besoin de personne d’autre. Les avantages sont
blement une nostalgie. J’ai vraiment apprécié ces évidents. Personne ne sait ce que je veux plus que moi et
je peux prendre autant de temps que je le souhaite pour obtenir
après-midi. J’allais au cimetière et j’espérais rencon- exactement ce que je veux. La difficulté est que je ne peux pas
trer un fantôme pour me donner les réponses à mes me voir dans l’objectif, ce qui rend le processus très lent.
questions. Parfois, je prenais un livre avec moi, mais
la plupart du temps, je regardais les pierres tombales
et méditais sur les histoires et les personnalités de
tous ceux qui étaient enterrés. Certaines tombes ont
été abandonnées. Le lierre sauvage et les plantes
commençaient à prendre la relève. Cela m’a toujours
impressionnée. « A Melancholy Poem » est une série
de peintures qui traite de mes interrogations. Je sou-
haite que les spectateurs puissent sortir de leur vie
ordinaire et rêver. C’est effrayant de ne pas savoir ce
qui est au-delà, mais c’est en même temps attirant,
mystérieux.

XI GUO « L’ÉMOTION DE L’ARTISTE DOIT PRIMER, CAR IL S’AGIT DE L’ESSENCE DE L’ART. LA TECHNIQUE N’EST
Tangle N° 5. 76 x 51 cm « Je suis tombée amoureuse de la mousse espagnole après Antique Shop in the Sunset. 48 x 33 cm. « Ce tableau est une œuvre de jeunesse.
avoir déménagé pour Savannah, dans le sud des États-Unis. Cette plante légère et délicate, J’ai cherché dans cette peinture à comprendre comment peindre les ombres. J’ai aussi
suspendue dans les arbres et sans racines, pousse partout ici, ce qui rend cette ville cherché à fluidifier les formes tout en gardant le contrôle, et à trouver le bon mélange
historique encore plus mystérieuse et étrange. C’est devenu mon sujet préféré. pour mes tons sombres. »
résultat ne sera jamais le même. C’est la beauté de la beaucoup plus qu’avec l’huile. Le seul inconvénient à
peinture, et en particulier l’aquarelle. Vous ne pouvez mes yeux est qu’elle a tendance à s’éclaircir et à être
pas créer la même peinture deux fois de suite. moins brillante une fois sèche.
Il est important pour un artiste de trouver le juste
AVANTAGES ET INCONVÉNIENTS DE L’AQUARELLE milieu entre une œuvre inachevée et une œuvre
Je suis une aquarelliste plutôt traditionnelle. où on est allé trop loin. J’inspecte généralement
L’aquarelle me fascine par sa transparence. C’est ma peinture à une certaine distance lorsque je la
pourquoi j’en ai fait mon principal moyen de travail. pense finie et je fais des ajustements. Je procède
Vous pouvez penser que quelques coups mélangés ainsi durant quelques jours – ce qui me permet de la
avec de la peinture blanche n’auront pas d’incidence, voir d’un autre œil. Parfois, je prends des photos de
mais cela vous donne en fait une excuse pour par- l’œuvre et les regarde sur l’écran de mon ordinateur
donner vos erreurs. En fait, vous verrez l’effet dans pour analyser ce qui doit être amélioré. C’est parfois
votre peinture même si vous ne verrez pas ces instinctif mais je pense que mes études en photo-
erreurs dans les reproductions de vos peintures. graphie et en art contemporain m’aident beaucoup.
J’ajoute seulement dans mes peintures un peu de
médium irisé, qui donne un aspect un peu brillant. LE MESSAGE DANS MA PEINTURE
Si je compare la peinture à l’huile à un homme, alors Zhuang Zi, un philosophe taoïste influent a dit : « Il
l’aquarelle m’apparaît au contraire très féminine. Sa n’existe pas de différence fondamentale entre la vie et la
grâce, son incertitude, sa sensibilité et sa fragilité mort, vous et moi, puisque tout est physique ; sauf le tao
m’attirent. Elle est joueuse et s’accorde parfaitement qui est métaphysique et la loi de l’univers. Le paradis et la
à mon idée de l’art. On peut la croire inconstante et Terre partagent les mêmes racines et je suis un avec les
difficile à maîtriser au départ, mais une fois que vous myriades de choses. » Les taoïstes pensent que la vie
connaîtrez bien cette technique, vous vous amuserez et la mort sont les reflets des saisons. La naissance

QU’UN OUTIL POUR EXPRIMER VOS PENSÉES. »
Tangle n° 2
en 3 gestes clés
1. LE DESSIN ET SON REPORT
À l’aide d’un crayon 2B, je réalise
un dessin très détaillé sur une feuille
de papier-calque, du même format que
mon papier aquarelle. Je retourne
ensuite mon calque et passe une couche
de crayon 6B. Je retourne à nouveau
mon calque et le scotche à mon papier
aquarelle. Ensuite, avec un feutre
à pointe fine, je retrace le dessin sur
le papier aquarelle.
ASTUCE
Pour protéger votre pinceau de
la gomme à masquer, trempez-le
au préalable dans de l’eau savonneuse.
2. LA GOMME À MASQUER
J’applique de la gomme à masquer
au pinceau sur les zones qui resteront
blanches. Je peins les valeurs
moyennes et foncées de l’arrière-plan
avec un grand pinceau rond, d’un geste
rapide, ce qui me permet d’obtenir des
textures et des mélanges de couleur.
Je pose ensuite mes zones sombres,
avec un pinceau n° 6 ou n° 8, sur
la couche de couleur précédente
encore mouillée. Avec un pinceau
propre mouillé, je fonds mes contours.
Je pose du vert clair sur la feuille encore
humide afin d’enrichir mon arrière-
plan. Après séchage, j’ajoute des détails
Tangle N° 2. 76 x 51 cm. aux pinceaux n° 4 et n° 6.
« Une autre représentation de la mousse espagnole. La lumière matinale tombait sur cette
plante délicate, la rendant brillante et presque transparente. Malgré son apparence fragile
et élégante, elle possède un caractère puissant et résistant. »
3. ADOUCIR LES CONTOURS
Avant d’aller plus loin, j’enlève
délicatement toutes la gomme
et la mort sont comme être issu du Tao et retourner à masquer, puis ajoute des détails
dans les branches et dans la mousse,
vers le Tao. À travers mes peintures – paysages et en alternant entre un pinceau très sec
portraits – je recherche la beauté des formes dans chargé en couleur et un pinceau trempé
la vie, dans tout ce qu’elle a de beau et de laid, dans dans de l’eau claire afin d’adoucir
les contours. J’ajoute encore
sa jeunesse et son déclin. Mes peintures sont éga- des détails avant de prendre de
lement le reflet du besoin d’avoir quelque chose qui la distance pour apprécier ma peinture
est capable d’emmener le spectateur hors de lui- et voir les éléments qui doivent encore
être travaillés. Cette étape est répétée
même vers un ailleurs – même si le spectateur sait encore trois ou quatre fois. Je densifie
que tout est évanescent, tout, mis à part le vide, n’est mes valeurs sombres et ramène
jamais permanent. quelques blancs à l’aide d’une lame
de canif. Les couleurs trop saturées
Le taoïsme, le zen et Sigmund Freud influencent sont adoucies et je fonds quelques
ma vie et mon travail. Il y a également Botticelli. détails dans les ombres afin d’équilibrer
Enfant, je suis tombée amoureuse de la peinture l’ensemble de la composition.
parce que j’avais un livre avec des reproductions de
ses tableaux. Il y a un adage qui dit que la peinture
est le reflet du peintre. Je pense que c’est vrai. Mes MES COULEURS : AQUARELLES DA VINCI
peintures sont le reflet de ma personnalité et de mes J’aime les couleurs Da Vinci pour leur densité de pigments et
croyances. Faire de l’art est un voyage de décou- leur texture crémeuse. Voici ma palatte :
verte, de connaissance de soi et d’exploration de la Jaune arylide, jaune arylide foncé, orange benzimide, orange benzimide
relation entre moi, en tant qu’individu, et l’univers. foncé, terre de Sienne brûlée, terre de Sienne brûlée foncée, rouge de
cadmium foncé, rouge de cadmium, jaune de cadmium foncé, bleu de
céruléum, bleu de cobalt, bleu de cobalt teinte verte, violet de cobalt,
Texte : Laurent Benoist. rouge Da Vinci, violet Da Vinci, vert émeraude (permanent), bleu
Photos : D. R. outremer, indigo, vert feuille, violet de manganèse, opus (rose vif).

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Dossier :-BRVBSFMMFFTQBHOPMF 1PSOTJSJLBO 5BO4V[$IJBOH $ISJTUJOF-FNBZFVS #FSOBSE"MVOOJ "QB[B .PSUFO4PMCFSH FU%NJUSZ3PE[JO
Portfolio :(VBO8FJYJOH Savoir-faire :$IJFO$IVOH8FJ Savoir-faire :%BWJE-PCFOCFSH Savoir-faire :+PÑMMF,SVQB Portfolio :4UFQIFO4DPUU:PVOH
Portfolio :$IFO8FO$IFOH Portfolio :$PODPVST.POEJBM "TUSVDPortfolio :*84 Terre d’artistes : DBQBV/PSE

LEÇON DE PEINTURE
Peindre les fleurs

avec Jasmine Huang
Pas à pas Golden Romance
1 2
« La réussite d’une peinture de fleurs ne dépend pas de la réussite d’une
de la position, des couleurs et des contrastes de chacune d’entre elles. »
4 5

ALLIANT EXPRESSIVITÉ ET DÉLICATESSE, ÉLÉGANCE
ET MODERNITÉ, LES PEINTURES FLORALES DE
JASMINE HUANG SONT DES JEUX DE FORME OÙ
L’ENSEMBLE PRIME SUR LE DÉTAIL. L’ARTISTE
NOUS DÉVOILE LES TENANTS DE SA PRATIQUE.
2017. Aquarelle sur papier Arches

300 grammes grain satin, 35 x 26 cm.
1. L’ESQUISSE PRÉLIMINAIRE
Je commence par une esquisse assez simple qui me permet de poser
ma composition principale, mon point focal ainsi que les autres parties
qui viennent en renfort.
2. UN DESSIN TOUT EN LIGNES

Ensuite, à l’aide d’un crayon 2B, je pose les lignes de contours
en m’assurant de conserver les lignes du dessin dynamiques.
3. LIER LES FORMES ET LE FOND

J’apporte une couleur jaune vif sur les fleurs. Je lie ensuite les formes
des fleurs avec les zones grises et chaudes du fond, ainsi qu’avec
celles qui sont bleues et froides, avant que l’eau ne s’évapore. Une fois
que ma peinture est sèche, j’atténue la luminosité des pétales.
4. DES CONTRASTES DE FORMES

Je me concentre sur les détails des fleurs principales avant de
continuer progressivement sur celles qui sont moins importantes.
Je peins ensuite les feuillages en couleurs sombres afin d’apporter
du contraste avec les formes florales.
3 5. CONSIDÉRER LA PEINTURE
DANS SON ENSEMBLE
Je commence à travailler sur les fleurs moins importantes, dans
seule fleur, mais de la taille, le coin inférieur gauche. Je considère toujours la peinture dans son
ensemble, afin de ne pas perdre mon centre d’intérêt. Puis, j’ajoute
les feuilles sombres et les tiges fines afin de stabiliser ma structure.
6. L’ÉTAPE FINALE
Au cours de cette ultime étape, je ne me réfère plus à la photo de
référence ou aux fleurs que j’ai sous les yeux. Je vérifie qu’il n’y a pas
d’imperfections dans la composition, et j’ajoute des détails si cela
s’avère nécessaire. La technique expressive et abstraite n’apparaît
pas seulement dans la composition globale mais aussi dans
la représentation de chaque détail.
MES COULEURS
J’utilise toujours des aquarelles Winsor &
Newton Artists. Parfois, je peins aussi avec des
couleurs Winsor & Newton Cotman.
Ma palette de base se compose des couleurs
suivantes : carmin d’alizarine, laque écarlate,
jaune de cadmium, orange Winsor, bleu
outremer, bleu de cobalt, bleu Winsor, bleu
céruléum, viridien, noir de fumée, brun Van
Dyck, terre de Sienne brûlée et terre d’ombre.
Elles me permettent de créer une belle harmonie de teintes. En outre,
je peux ajouter en fonction de mes besoins des peintures translucides et
opaques. Ma particularité est de privilégier les couleurs qui granulent,
tels que le bleu outremer, le bleu de cobalt, le brun Van Dyck et l’ombre
6 naturelle. En utilisant beaucoup d’eau, on peut obtenir de surprenants
effets de texture et de granulation.

JASMINE HUANG
« Quand il s’agit de
trouver un ordre dans
une masse désordonnée
d’informations,
les fleurs sont le meilleur
sujet qui soit. »
Early Summer
Sunshine 2017.
36 x 27 cm.
« Il arrive que
l’on aperçoive
soudain un
rehaut de
lumière se faire
jour dans un
coin, et cela
signifie que l’on
peut en faire
quelque chose
En fait, j’ai peint plus de paysages que de tableaux Blossom. 2016.
d’intéressant. » floraux, mais en ce qui me concerne, le sujet n’est 26 x 35 cm
qu’un moyen d’arriver à une fin. Et grâce à ce moyen, « J’ai fait
l’expérience
je peux soit démontrer le genre de composition dans du noir d’ivoire
lequel j’excelle ou en expérimenter de nouvelles. Les dans l’arrière-
fleurs sont un des sujets les plus difficiles. Ceci dit, plan pour créer
une ambiance
quand il s’agit de trouver un ordre dans une masse particulière
désordonnée d’informations, les fleurs sont le meil- empreinte de
leur sujet qui soit. mystère. »
RETRANSCRIRE UNE CERTAINE IDÉE DE LA BEAUTÉ

Je cherche avant tout à peindre la beauté, c’est-à-
dire le genre de beauté qui donne envie aux specta-
teurs de regarder le tableau encore et encore. Cela
ne peut s’obtenir simplement en recopiant le sujet.
The Prynne C’est quelque chose de difficile à atteindre, mais c’est
Love. 2015. également un grand défi, qui fascine les peintres.
35 x 26 cm. Pour mes tableaux floraux, je peins d’après photo
« Il y a ou d’après nature. Mes fleurs préférées sont celles
une sorte
d’élégance qui ont de grands pétales, comme les roses et les
dans la orchidées.
couleur
grise ; j’ai
donc utilisé LE LIEN ENTRE LE FOND ET LES DÉTAILS
ici différents Comme mon fond est très libre, je n’ai pas besoin
tons de gris d’avoir trop de détails dans la zone de mon point
pour avoir un
beau panel focal. Après avoir déterminé la composition de base
de teintes. » de ma peinture, je laisse les pigments couler libre-
ment. Au cours de ce processus, je reviens et ajuste
constamment les formes et les lignes imparfaites.
Une fois que je suis satisfaite de la première couche
de ma peinture, je me concentre progressivement
sur la représentation détaillée de mon point focal. Il
faut garder en tête que lorsque vous travaillez sur
les détails, il faut constamment prêter attention à la
relation qu’ils entretiennent avec l’ensemble.

LES CONSEILS DE JASMINE HUANG REPÈRES
POUR PEINDRE MOUILLÉ SUR MOUILLÉ Jasmine Huang est une aquarelliste taïwanaise qui a
remporté de nombreux prix. Son aquarelle Enchanted
Peindre mouillé sur mouillé consiste à constamment modifier la
with Venice a remporté la médaille d’argent lors de la
surface de la peinture avant qu’elle ne soit complètement sèche.
149e exposition annuelle internationale de l’American
Bien sûr, le plus grand défi est qu’il s’agit d’une course contre
Watercolor Society, ainsi que le prix Best of Show du
la montre. Voici mes conseils :
concours Watermedia Showcase, en 2015.
- L’humidité du pinceau doit être Son aquarelle Yellow Roses a remporté le prix Jerry
moins élevée que celle de la feuille Artarama lors de la 95e exposition internationale de la
- Les couleurs lourdes doivent être National Watercolor Society. Elle a également gagné
déposées sur les couleurs légères. le prix Di Di Deglin lors de la 148e exposition annuelle
- Au cours de la peinture, je mouille internationale de l’American Watercolor Society,
la feuille à l’aide d’un vaporisateur ainsi que le Matt Bruce RI Memorial Award, lors de la
afin d’augmenter son temps 204 e exposition internationale du Royal Institute of
de séchage. Watercolour Artists (RI). Elle réside à Taïwan et elle est
régulièrement invitée à participer aux plus grandes
expositions d’aquarelle à travers le monde.
LE RÔLE DES VALEURS

Ma peinture Blossom (ci-contre à gauche) est un bon
exemple du rôle joué par les valeurs et les couleurs.
J’ai utilisé des couleurs avec une saturation faible afin
qu’elles s’accordent avec les zones à faible et haute
brillance. Pourquoi ? Parce que dans les zones dotées
d’une luminosité faible ou élevée, les couleurs appa-
raissent moins intenses. Ce n’est que dans les zones
à la luminosité moyenne que les couleurs paraissent
pleinement saturées.
PEINDRE EN NÉGATIF
Il s’agit d’une technique expressive très répandue.
Sans contraste, il ne peut pas y avoir de formes. Je
choisis les couleurs selon la luminosité des fleurs
elles-mêmes. Les fleurs dotées d’une haute brillance
doivent être équilibrées par un fond sombre, et réci-
proquement. Mais il faut également prêter attention,
lorsque vous peignez des pétales, à ne pas trop des-
siner et préciser les formes.
LE SECRET D’UNE PEINTURE FLORALE RÉUSSIE

Une peinture florale réussie n’est en soi pas différente
d’un portrait ou d’un paysage. Le secret réside dans
une imagination vive et une composition parfaite.
La plus grande erreur commise par les débutants
est qu’ils se concentrent sur les vraies fleurs sans
prendre conscience qu’ils sont en train de peindre.
Le résultat final n’est pas un tableau de fleurs mais
plutôt une masse informe.
The Secret Garden. 2015. 35 x 26 cm.
« Des lavis répétés peuvent donner lieu à de riches textures. »
L’ANGOISSE DE LA FEUILLE BLANCHE ?
Je ne sais pas si j’ai du talent, mais j’essaye en tout
cas de résoudre chaque erreur et chaque problème DES COULEURS FAIBLES EN SATURATION
qui se présente. Une technique évoluée de peinture Mes paysages sont généralement créés avec des couleurs faiblement
saturées. Cependant, en ce qui concerne mes sujets floraux, j’essaye
vient avec l’accumulation de l’expérience. Personne de peindre avec des couleurs plus vives, mais même dans ce cas,
n’est capable de peindre une bonne aquarelle à ses je ne peins pas avec des couleurs pures. Quel que soit le cas,
débuts. Lorsque je me retrouve face à une feuille c’est toujours une bonne idée d’ajouter des
couleurs complémentaires.
blanche, je ne ressens que de l’excitation, et non de D’un côté, cela permet
l’angoisse. La véritable angoisse survient lorsque je de réduire l’intensité des
me rapproche de la fin de ma peinture. À ce stade, couleurs ; de l’autre, cela
rend les teintes plus riches,
j’ai peur qu’une seule petite erreur ne vienne gâcher plus profondes.
tout le travail accompli.
71
RENCONTRE
QU’ELLE JETTE SON DÉVOLU SUR DES PERSONNAGES, DES
OBJETS OU DES TEXTURES, CETTE ARTISTE APPROCHE SES
SUJETS D’UNE MANIÈRE SENSIBLE, QUI TRADUIT L’ACUITÉ DE
SON REGARD ET SA MAÎTRISE INSTINCTIVE DE L’AQUARELLE.
RuhyieYalgin
La passion
du détail
Zoom sur une œuvre primée,
Misir (56 x 76 cm)
Une femme anatolienne m’a invité chez elle ; je l’ai prise en photo. Des produits de son jardin étaient
en train de sécher dans une pièce, comme ces épis de maïs. Reposant sur le sol en bois, ils ont attiré
mon regard. Ils sont devenus le sujet de cette aquarelle, que j’ai peinte avec beaucoup de plaisir.
J’ai commencé par prendre des photos, avant de me fixer sur celle qui me convenait le mieux.
REPÈRES J’ai ensuite effectué un dessin en apportant quelques modifications : j’ai par exemple diminué le
Ruhiye Yalgin est née nombre d’épis de maïs afin de donner plus de lisibilité à l’ensemble. J’ai voulu attirer l’attention sur
en Turquie en 1964. le sol en bois et créer ainsi un équilibre entre l’intensité du premier plan et les interstices dans le sol,
Elle a suivi des études en étalant les épis de maïs. J’ai utilisé du sel pour donner un aspect vieux et détérioré au sol en bois.
d’arts graphiques, de
peinture ornementale Après un dessin au trait, je commence par
et de dessin de mode peindre les tons les plus clairs des épis de maïs.
à la faculté des beaux-
arts de l’université de Je poursuis en rehaussant les tons jaunes
Gazi. Elle a travaillé de sur les maïs. Je leur donne également
nombreuses années du volume en variant mes couleurs,
comme enseignante notamment avec un apport de rouge.
en peinture et en arts Je continue à donner du relief aux brins
graphiques. Après avoir de maïs, toujours en jouant sur différents
pris sa retraite, elle a mélanges de jaune et de rouge.
choisi de se consacrer Je pose ensuite les ombres portées avec un
à temps plein à sa mélange de violet, de rouge foncé et de vert.
peinture. Elle a exposé
J’apporte des effets de texture au premier plan
aussi bien en Turquie
qu’à l’étranger, et a en déposant du sel et en jouant avec le grain
remporté plusieurs prix. torchon du papier.
Les dernières ombres sur le sol sont posées,
avec un mélange de brun, de vert et de violet.
TEXTE :
LAURENT BENOIST. J’ai peint cette aquarelle avec des couleurs des
marques Talens, Van Gogh, Winsor & Newton,
PHOTOS : D. R. St. Petersburg et Schmincke. J’ai utilisé les teintes
suivantes : jaune citron, orange, rouge clair, rouge
de cadmium, rouge de cadmium foncé, vert olive,
terre d’ombre, brun sépia, violet, terre de Sienne
brûlée, terre de Sienne, rouge carmin.
72 A QUARELLE N°34
L’Art de l’Aquarelle : Pouvez-nous nous parler de gestuelle. Si vous aimez peindre en plein air et si
votre découverte de l’aquarelle ? vous êtes un peintre de paysage, cela joue à votre
Ruhyie Yalgin : Au cours de ma carrière d’ensei- avantage. Ceci dit, avec mes sujets de prédilection,
gnante en art, j’ai utilisé aussi bien le fusain, le crayon, peindre sur le motif n’est pas forcément un avan-
la gouache et l’huile que l’aquarelle, sur différents tage. Un contexte trop stimulant peut affecter ma
supp rts. Après avoir pris ma retraite, j’ai décidé de concentration ; j’ai alors du mal à me concentrer sur
me recentrer sur l’huile et l’aquarelle, avant de me mon sujet. J’aime rendre les détails dans mes aqua-
consacrer uniquement à cette dernière, parce que je relles, et cela demande à la fois beaucoup de temps
prends plus de plaisir avec cette technique et qu’elle et d’attention. C’est pour cela que je préfère travailler
convient mieux à mon tempérament. dans mon atelier, installée dans mon salon.
ADA : Êtes-vous plutôt une peintre d’atelier ou de ADA : Vous vous êtes récemment mise à l’aqua-
plein air ? relle… pouvez-vous néanmoins déjà voir une évolu-
R. Y. : La technique que vous utilisez et la façon dont tion dans votre manière de l’aborder ?
vous l’appliquez sont deux facteurs importants. Bien R. Y. : Effectivement, j’ai commencé à peindre à
sûr, l’environnement est également un élément qui l’aquarelle il y a trois ans, et je suis désormais en
joue. Vous êtes plus ouvert d’esprit et plus actif mesure de voir les effets causés par le fait que, dans
avec une technique qui est plus dynamique et plus mes premières peintures, je ne connaissais pas bien

RUHYIE YALGIN
« TRAVAILLER LES DÉTAILS DES LÉGUMES – NOTAMMENT CEUX DES ÉPIS
DE MAÏS - OU UNE CHEVELURE PEUT ÊTRE DÉLICAT. BIEN SÛR, CE SONT
CES ÉLÉMENTS QUI ONT MA PRÉFÉRENCE ! »
Anadolu (Anatolia).
2017. 76 x 56 cm.
« Les motifs et
plis et replis du
foulard noué
traditionnellement
de cette vieille
femme anatolienne
sont les mêmes
que l’original. »
mon matériel. Votre expérience, vos choix de tech- connaissances fondamentales en peinture. Ceci dit,
niques et la manière dont vous appliquez la pein- le lien que vous arrivez à créer avec votre modèle
ture se voient dans vos peintures. Ces changements est plus important que tout. Toutes vos connais-
n’ont pas été conscients, c’est un processus qui s’est sances se retrouveront sur la feuille, grâce aux
déroulé au fil du temps. émotions que vous ressentez. Je ne choisis pas
consciemment les éléments que je souhaite inclure
ADA : Vous peignez aussi bien mouillé sur mouillé ou non dans une peinture. Je prends mes décisions
que mouillé sur sec. Comment déterminez-vous la spontanément et je peins.
technique à utiliser ?
R. Y. : J’aime peindre avec ces deux techniques, et ADA : Existe-t-il pour vous un sujet idéal ?
ce quel que soit mon sujet. Je préfère peindre des R. Y. : Je ne pense pas. Le sujet parfait varie d’un
portraits serrés parce que je considère les détails artiste à l’autre. Un tout petit objet que personne
comme importants : aussi, je travaille ceux-ci sur ne remarque peut être un excellent sujet si vous
sec et les zones plus grandes dans l’humide. Tout êtes capable de le voir. Il est important de ressentir
dépend de ce que je souhaite mettre en avant. quelque chose à propos de votre sujet. En fait, tout
ce qui m’entoure peut faire l’objet d’une peinture :
ADA : Comment sélectionnez-vous les éléments tissus, fruits, légumes, oiseaux et portraits sont pour
lors de la composition : est-il par exemple plus moi les sujets les plus intéressants. J’aime rendre la
facile pour vous de savoir quels éléments garder texture des tissus et les détails des drapés, peindre
ou supprimer ? des vieilles femmes qui portent sur elle le poids des
R. Y. : Il est entendu que ce que vous voulez dire ans, et qui sont capables, malgré tout ce qu’elles ont
et la façon dont vous voulez vous exprimer, ainsi dû endurer, de continuer à sourire. J’aime également
que votre maîtrise technique, sont des éléments peindre les foulards qui enserrent leur visage et qui
importants. Il est également important d’avoir des jouent dans la représentation des émotions. Par

Grandma Saadet
Saadet Nine
(Grandma Saadet).
2016. 38 x 28 cm.
« J’ai peint cette
vieille dame dont
le sourire heureux
m’a touchée.
J’ai aimé travailler
les motifs
du foulard et ma
transparence
des lunettes. »
Je choisis mes modèles moi-même. Je commence

par imaginer le tableau final, puis j’assemble ma
composition afin qu’elle ressemble à l’image que
j’ai en tête, puis je me lance dans mon travail.
Il m’arrive parfois de prendre des photos et de
m’en servir comme matériau de référence.
La plupart de mes portraits sont de personnes
que je connais, ou qui m’ont marquée.
Certains de mes modèles sont d’ailleurs des
proches, membres de ma famille ou amis.
MA PALETTE
Portre - Beyaz örtülü kadın- J’utilise une variété de marques, et mes couleurs
(Portrait). 2016. 38 x 56 cm. de base sont les suivantes : terre de Sienne,
terre de Sienne brûlée, terre d’ombre brûlée,
« Une œuvre réalisée d’après
rouge jaune, carmin, rose, brun et sépia.
photographie, en utilisant des
peintures Winsor & Newton. »
corrections ne sont pas possibles et chaque ton

doit être choisi avec soin. Avant de me consacrer à
l’aquarelle, j’ai peint avec plusieurs techniques, mais
je prends plus de plaisir à l’aquarelle. Il est possible
de créer un paysage noyé dans la brume unique-
ment en se basant sur votre imaginaire, et vous
ressentez un grand plaisir à créer quelque chose
avec une technique qui ne souffre pas de repen-
tir. Des effets incroyables et des images imprévi-
sibles lorsque l’eau rencontre la feuille. C’est à vous
de choisir la quantité d’eau avant de contempler la
danse de la peinture sur la feuille. Parfois, seules la
peinture et la feuille savent ce que vous voulez et
vous devancent dans vos projets. L’aquarelle est
une technique rapide, excitante et toujours pleine
exemple, la personne représentée dans un de mes de surprises. C’est pour ces qualités-là que je privi-
portraits, intitulé Hüzün (Tristesse), m’a terriblement légie l’aquarelle.
impressionnée, même si je ne la connaissais pas. La
seule chose que je savais d’elle était qu’elle était très ADA : Enfin, dans quelle direction souhaiteriez-vous
âgée et qu’elle continuait malgré tout à faire de la amener votre aquarelle ?
dentelle à la main. Je ne savais rien de sa vie, ni de R. Y. : L’environnement social et naturel dans lequel
ses tristesses ou de ses bonheurs, mais j’ai été extrê- je vis, mes expériences – bonnes et mauvaises – mes
mement touchée par l’émotion qui se dégageait de émotions et l’âge affectent à la fois mes préférences
son regard. et mon travail. Je serais bien en peine de dire ce qui
se passera à l’avenir. Quand je revois mes premières
ADA : Quel est l’aspect le plus difficile du travail à peintures, je leur trouve bien des erreurs dans
l’aquarelle ? la composition, le choix des couleurs et d’autres
R. Y. : Selon moi, c’est le fait de créer des petites aspects techniques. Je pense que je m’améliore à
zones blanches si vous peignez de manière détail- chaque nouvelle peinture, et quand une œuvre est
lée. Je n’aime pas utiliser la gomme à masquer. Les terminée, j’envisage tout de suite la suivante…

NOUVELLE
RUBRIQUE CAHIER TECHNIQUE/Psycho
ÉXVI JIQQI
0I GLEPPIRKI
SOMMAIRE EST-IL PLUS DIFFICILE D’ÊTRE
DU CAHIER ARTISTE QUAND ON EST UNE FEMME
QUE QUAND ON EST UN HOMME ?
TECHNIQUE NOUS AVONS POSÉ LA QUESTION

À SEPT AQUARELLISTES D’HORIZONS
DIVERS AFIN D’AVOIR UN APERÇU
4W]GLS GLOBAL DE LA SITUATION ACTUELLE.
ÊTRE FEMME ET ARTISTE :
LE CHALLENGE D’UNE VIE ?.................76
%WXYGIW
20 QUESTIONS À SE POSER
POUR SAVOIR SI VOTRE PEINTURE
EST TERMINÉE .............................................82 Amanda Hyatt
ª9REVXMWXIIWXGVqEXMJUYIPUYIWSMXWSRWI\I«
7 CLÉS POUR RÉUSSIR Je ne me suis jamais considérée comme une artiste femme.
Je suis juste une artiste. Pour moi, un artiste est créatif quel
SA COMPOSITION ......................................86 que soit son sexe. Mon style est à la fois traditionnel, réaliste et
impressionniste ; la lumière est dans ma peinture un élément
majeur. Je ne m’intéresse pas aux visages atypiques, à l’expres-
'EVVMrVI sionnisme abstrait, à la provocation, à la couleur, à la ligne, à

essayer d’exprimer quelque chose ou à tenter d’être différente
et unique. Je m’intéresse à la lumière et sa capacité incroyable
COMMENT SE RENOUVELER ?............84 à créer de l’impact. Je peins professionnellement
depuis 35 ans, étant constamment stimulée par « Lorsque j’ai
des artistes comme Elizabeth Sparhawk Jones débuté ma
JOSEPH ZBUKVIC : SES CONSEILS et le peintre à l’huile finlandais Albert Edelfelt,
carrière il y a
qui utilisait également une touche spontanée et
POUR RESTER CRÉATIF impressionniste avec une facilité déconcertante. 35 ans, je ne
En tant qu’aquarelliste, principalement, je trouve signais qu’avec
ET DANS L’AIR DU TEMPS ......................88 que la spontanéité de la technique me permet de mes initiales. »
peindre alla prima. Je pense qu’une peinture est
réussie seulement si elle permet au spectateur de voir la fuga-
-RWTMVEXMSR cité et l’énergie du sujet. Cela ne peut être atteint que si la pein-
ture est effectuée dans « l’instant présent », avec célérité, préci-
sion, confiance et assurance. Chaque coup de pinceau doit être
DONNER DE L’IMPACT À SA PEINTURE, important. Quant au succès des artistes, je pense que c’est une
notion très subjective. Plusieurs facteurs entrent en jeu, comme
AVEC KATHLEEN MALING ....................90 le fait d’avoir une bonne galerie qui vous soutient, ainsi que des
collectionneurs, et être populaire, ou excentrique et même faire
des peintures qui s’accordent avec vos meubles sont aussi une
manière d’atteindre ce succès. Le succès pour moi consiste à

« Je dois admettre
qu’il m’arrive
IXEVXMWXI
constamment de
mentir sur mon âge,
mais est-ce qu’un
artiste homme ferait
H¸YRI ZMI# de même ? »
Shirley Trevena
ª0¸MQTSVXERXTSYVYRIEVXMWXIIWXH¸EZSMV
YRTEVXIREMVIUYMP¸IRGSYVEKI«
Durant les années 80, j’ai pris une décision qui a changé ma
vie : quitter mon travail d’urbaniste pour devenir une artiste pro-
fessionnelle. Cela impliquait bien évidemment de renoncer à un
salaire régulier, et gagner ma vie en faisant des bandes dessi-
Geelong nées, en illustrant des affiches et en dessinant des vitraux. Cela
Marina. m’a en revanche donné tout le temps de faire des expériences
54 x 74 cm. et de progresser dans ma peinture – qui se bornait jusque-là à
quelques croquis durant les vacances.
Après toutes ces années, je trouve que le facteur temps est
encore un problème pour moi. J’apprécie la vie sociale avec
mon partenaire et mes amis, mais je dois parfois me couper du
monde pour peindre. Cette pensée reste néanmoins toujours
en moi : peut-être que si je consacrais plus de temps à mon
travail, je pourrais progresser dans ma créativité. Beaucoup de
femmes ressentent sûrement cet antagonisme entre ces deux
aspects importants de leur vie.
En vieillissant, je déteste le fait que je n’ai plus autant d’énergie –
et pire encore, vient également le sentiment que l’image d’une
femme plus âgée qui peint des fleurs à l’aquarelle n’est pas très
forte. Je pense qu’une des choses les plus importantes pour une
femme artiste est d’avoir un partenaire qui l’encourage et qui
adore faire la cuisine. Que pourrais-je demander de plus ?
être en compétition avec moi-même afin de créer une peinture
meilleure que la précédente. J’ai découvert qu’il n’y a pas d’équi-
libre dans ce domaine et une femme artiste doit travailler deux
fois plus pour obtenir la moitié de la reconnaissance d’un artiste
masculin. On a toujours tendance à penser qu’un artiste mascu-
lin est meilleur simplement parce qu’il doit forcément l’être. Je
n’y crois pas un seul instant.
ª .¸EM H XVEZEMPPIV FIEYGSYT TPYW UYI
QIW GSQTEVWIW QEWGYPMRW¬ «
Lorsque j’ai débuté ma carrière, je ne signais qu’avec mes ini-
tiales. J’ai remporté un prix australien important, décerné par
Sir William Dargie, portraitiste réputé et peintre de l’armée. Il ne
savait pas qui avait peint ce tableau – ni que j’étais une femme.
Cela a démontré que ma peinture a remporté le prix pour la
simple et bonne raison qu’elle était réussie. Il est intéressant de
remarquer qu’au cours de ses cinquante-deux ans d’existence,
ce prix n’a été remporté que par 6 femmes seulement. Cela m’a
encouragée à abandonner ma carrière scientifique pour me
lancer dans la peinture. Le
chemin fut parsemé de joies,
de désespoirs, d’euphories, de
frustrations et de travail. Mais
j’ai fait de mon mieux pour que
chacune de mes peintures soit
meilleure que la précédente
– sans doute parce que j’ai dû
travailler beaucoup plus que
mes comparses masculins… Flowers & Fruit against a Blue Curtain.

CAHIER TECHNIQUE/Psycho
Naomi Tydeman
ª%YNSYVH¸LYMPIWJIQQIWTIYZIRXWIJEMVI
YRITPEGIEYWSPIMPTPYWMQTSVXERXI«
Mon point de vue est sans doute plus philosophique que poé-
tique. J’ai toujours plaisanté sur le fait que chaque artiste fémi-
nine a besoin d’être une femme. Je gère ma propre entreprise,
une galerie, un foyer, un chien et je suis exténuée la plupart
du temps. Il y a les contraintes que le monde nous impose et
celles que nous nous imposons nous-même, et ce sont souvent
les plus dures. J’aurais pu choisir de ne pas m’occuper de mes
parents, ou de ma famille, de ne pas avoir un jardin magnifique,
ni un chien, mais ma vie n’aurait pas été complète.
Je crois que le monde de l’art est toujours dominé par les
hommes, mais je ne pense pas que j’en subis les conséquences.
Historiquement, les femmes n’étaient pas reconnues – combien
de femmes artistes célèbres peut-on citer ? – mais aujourd’hui,
elles peuvent se faire une place au soleil plus importante. J’ai la
chance de vivre dans un lieu reculé et que je travaille seule et
pour moi seule. Aussi longtemps que je ressentirai que je pro-
gresse, alors je serai satisfaite. Je travaille dur et j’aime ce que je
fais – et il y a peu de personnes aussi chanceuses que moi.
« Je crois que
le monde de
l’art est toujours
dominé par Barbara Nechis
les hommes, ª0IWJIQQIWHSMZIRX
mais que je n’en XSYNSYVWsXVIQIMPPIYVIW
subis pas les UYIPIWLSQQIWTSYV
conséquences. » TEVZIRMVEYQsQIWYGGrW«
Intuitivement, j’ai toujours su que les
femmes devaient être plus proac-
tives pour être sur un pied d’égalité
avec les hommes et j’ai suivi mes
instincts pour réussir.
Lorsque la troisième personne qui
a vu mon travail à l’aquarelle m’a
demandé si je pouvais donner des « Même si la plupart
cours, j’ai dit oui. Ma fille avait 3 mois de mes étudiants
et elle avait déjà fait l’expérience étaient des femmes,
d’être transportée à l’arrière de ma
voiture avec mes peintures lorsque
tous les enseignants
je me rendais à des cours d’aqua- étaient masculins. »
relle en plein air. Désormais, pen-
dant qu’elle faisait la sieste, mes 3 étudiants étaient rassemblés
autour de la table de ma salle à manger. Et son réveil marquait la
fin du cours. Quand elle était plus âgée, d’autres mères avec de
jeunes enfants se sont joint à mes cours et j’ai embauché une
baby-sitter pour les divertir pendant que nous peignions sur des
tables de pique-nique à la plage. Une fois mes enfants à l’école,
je n’ai plus invité les enfants à mes cours.
J’ai ensuite dispensé des cours du soir à l’école secondaire
locale. Un jour, en me rendant à mon cours avec mon voisin qui
enseignait la céramique, il m’a dit qu’il supposait que je gagnais
plus que lui parce que j’avais deux fois plus d’étudiants. J’avais
demandé une augmentation et elle m’avait été refusée. Quand
nous avons réalisé qu’il était mieux payé que moi, ce fut un
choc. J’ai démissionné à la fin du semestre.
Je souhaitais en fait, avec mes cours, diversifier mes revenus.
Blue Moon. Aquarelle et feuille d’or, 35 x 35 cm. L’intensité d’un stage de 5 jours donnait de meilleurs résultats

« J’ai eu la chance de
recevoir le soutien
sans réserve de ma
famille, de mon mari
et de mes enfants. »
Rouge passion’’
Mars 2017 48 x 48 cm
Concrete Abstract.
Winter Lace.
9RI JIQQI HERW PI NYV]
À la parution de mon premier livre, dans les
Aquarelle années 80, il y avait déjà beaucoup d’ouvrages sur
et encre, l’aquarelle mais aucun n’avait été écrit par une femme
56 x 76 cm. et la plupart mettaient en avant les règles plutôt que
la créativité. Ainsi, la plupart des organisations, dont Marie-Line Montécot
les jurys étaient exclusivement masculins, ont cherché
à équilibrer leur jury et ont commencé à s’intéresser ª -P Q¸E JEPPY TVIRHVI QSR HIWXMR IR QEMR
aux femmes artistes dont je parlais dans mon livre. IX TEWWIV k P¸EGXMSR «
Lorsque je revois les photos de jury de l’époque,
j’étais très souvent la seule femme, un peu comme J’ai adoré être une artiste en étant une femme. C’était un défi à
un faire-valoir. relever chaque jour pour tout concilier et trouver un équilibre. Si
pratiquer un art relève d’une profonde nécessité pour moi, ne
pas négliger mon rôle de femme et de mère avait autant d’im-
portance. J’ai apprécié, en me plongeant dans les tâches fami-
liales, de prendre du recul sur un projet artistique qui aurait pu
me prendre la tête. Et vice versa, devant la charge que repré-
sente une famille au quotidien, même si elle a fait preuve de
beaucoup de coopération, c’était du repos pour mon esprit de
retourner dans mon univers, de me concentrer sur un projet.
Cette alternance m’a toujours convenu, cette dualité qui évite
la spécialisation et donc la lassitude, l’amertume, la frustration
ou l’égoïsme. J’ai eu la chance par là même de recevoir sans
réserve le soutien de ma famille, mon mari et mes enfants.
Les combats des féministes ont bien fait avancer les prises de
conscience et je me suis avancée à leur suite. Il m’a fallu d’abord
que des cours hebdomadaires. Même si la plupart de mes étu- prendre mon destin en main et ensuite passer à l’action. En
diants étaient des femmes, tous les enseignants étaient mas- revendiquant le statut d’artiste professionnelle, j’ai senti que je
culins. On proposait à certains de mes collègues masculins de soulevais le poids du passé et le destin de ces générations de
donner des stages et j’ai compris que j’aurais besoin de plus de femmes dépendantes, non libres, travailleuses, courageuses,
visibilité pour me faire connaître. J’ai donc proposé des articles à mais oublieuses d‘elles-mêmes par la force des choses. Quel
la presse spécialisée, sans succès. J’ai ensuite présenté le même dommage qu’elles aient dû renoncer, pour beaucoup, à ce qui
contenu à une autre maison d’édition (North Light Magazine), qui les animait et donnait sens à leur vie !
en a fait mon premier livre, Watercolor, the Creative Experience. La pratique d’un art ne tient pas à un genre, elle a toujours été
L’ouvrage est sorti en 1979 et suite à cette parution, je n’ai plus pour moi un assemblage heureux du masculin et du féminin. La
jamais eu à faire ma promotion pour des offres de cours. Même génération dont je suis issue m’a permis, par un long processus
si aujourd’hui, beaucoup de choses ont changé, je pense que les lié à l’art, de devenir moi-même en écoutant mes aspirations
femmes doivent toujours être meilleures que leurs équivalents profondes pour la culture, mon amour de l’art et le désir de par-
masculins pour arriver au même succès. tager cette magnifique mais rude expérience.

CAHIER TECHNIQUE/Psycho
Nicole B 7IWGSRWIMPWTSYVWI
ª&IEYGSYTSRXHEXXIRHVIP¸lKI TVSJIWWMSRREPMWIV
HIPEVIXVEMXITSYVW¸I\TVMQIVIRÁR« La notion même d’art « au féminin »
La femme a toujours joué l’accompagnante dans la vie d’artistes pose question, pouvant supposer
masculins. Rarement, elle tenait le pinceau devant la toile et le un genre particulier de la création.
couteau devant la sculpture, sauf pour la préparation. La fini- Le doute, ne pas avoir la possibilité
tion restait l’apanage des hommes. Elle fut assistante, modèle, d’exercer une vie artistique à part
muse, compagne et amante. En deux mots, hors cadre. Loin entière au même titre que l’homme,
de moi d’oublier les noms de femmes célèbres, à savoir, les lui qui dans la plupart des cas laisse
anciennes : Artemisia Gentileschi, Élisabeth Vigée Le Brun ; les à sa compagne le soin des tâches
impressionnistes : Berthe Morisot, Mary Cassatt ; le XXe siècle : du quotidien. Une de mes stagiaires
Camille Claudel, Sonia Delaunay, Marie Laurencin, Frida Kahlo, me posait la question concernant
Leonor Fini, Louise Bourgeois, Niki de Saint Phalle, Vieira da son choix de quitter son job dans une
Silva, Geneviève Asse, Annette Messager et bien d’autres. Les administration pour se lancer dans
mentalités et le féminisme après la Seconde Guerre mondiale une formation en art-thérapie. Pour moi, il faut six points
ont fait progresser l’expression artistique de la femme dans une forts à prendre en considération.
plus large mesure. 1. Être dotée d’une motivation sans faille et
Plus de ségrégation au sein des institutions artistiques, sauf au d’un engagement digne d’un sacerdoce.
sein de certaines familles, où le fait de faire des études dans les
2. Réduire aux mieux les tâches ménagères et compter
académies « ne mène à rien ». Aujourd’hui, lors de mes stages,
sur des personnes pour la garde éventuelle des enfants.
combien de femmes me disent leur bonheur de pouvoir enfin
peindre ! Beaucoup d’entre elles ont dû attendre l’âge de la 3. Avoir chez soi un lieu pour l’exercice de sa créativité.
retraite pour s’exprimer enfin, l’art étant mal vu par leur famille 4. Posséder un fichier de relations comprenant adresses
et leur entourage, mari et enfants compris. et réseaux sociaux, digne d’un élu en campagne.
J’ai eu la chance de naître dans un milieu d’artistes. Cela sem- 5. Avoir l’acceptation et l’encouragement de son
blait couler de source. Nourrie aux tubes de couleur dans la plus compagnon de vie.
grande décontraction, j’ai grandi. Deux grands-pères peintres,
6. Être consciente que l’apport financier sera là surtout
sans compter la sœur de ma mère et le frère de mon père. Une
pour couvrir les frais, le matériel, le transport, les
institutrice peintre également. Cela ne s’invente pas.
cotisations, les vernissages et bien d’autres choses.
ª-PJEYXHYXIQTWTSYVSVKERMWIV
YRIZMIH¸EVXMWXI«
Études en Art déco et en académie. Engagée dans une grande Le fait de rester constamment en éveil, de voir des expositions,
librairie pour gérer les livres d’art. Ensuite, mariée, j’ai ouvert un d’aller au musée, de rencontrer des peintres, des sculpteurs,
magasin de fournitures artistiques. Oui ! J’avais deux enfants. On des céramistes, hommes, femmes dans leur atelier… tout cela a
me posait souvent la question de savoir comment j’organisais été une nourriture de l’esprit et une grande ouverture vers l’art
tout cela, eh bien, j’organisais ma vie de mère de famille et ma contemporain et ceci sans restriction ni a priori.
vie de femme d’entreprise. Mon mari était aux manettes. De là à 1995 a été l’année de mon envol vers une technique mixte sur
organiser une vie d’artiste, il a fallu du temps. papier en abstraction après plus de six ans en aquarelle clas-
sique, où, j’avais encore bien des choses à apprendre. Grand
moment de solitude accompagné d’une incompréhension de
mon entourage. L’aspect non commercial de ma démarche en
a surpris plus d’un.
La réflexion d’un visiteur lors d’un Salon à Namur en voyant
mon travail signé Nicole B. : « Ce n’est pas possible que ce soit
une femme qui ait peint cela ». J’avais dans mon jeu de cartes des
atouts, la connaissance d’artistes de la scène belge, des peintres
qui m’ont encouragée à poursuivre mon travail.
En 1997, une demande que j’ai honorée depuis vingt ans,
Sans titre. le montage des stages « De la figuration à l’abstraction ».
L’invitation faite par de nombreux Salons, tant en France qu’en
Belgique a conforté mon choix de peintre abstraite. L’aide de
mon époux a été précieuse pour tout : transport, montage d’ex-
positions, présence.
En 2000, j’ai quitté l’entreprise pour me structurer en tant
qu’artiste avec le statut de plasticienne, ce qui en Belgique
ne change pas grand-chose : j’étais considérée simplement
comme indépendante avec les charges inhérentes à toute pro-
fession. Les enfants avaient quitté le nid familial. Je retrouvais du
temps libre.
Nombreuses sont les femmes qui exercent le métier d’artiste, si
c’est un métier ou si c’est l’expression d’un ressenti. Il faut de la
curiosité et de l’observation à consommer sans modération.

« Mon mari sait combien il est essentiel
pour moi de m’améliorer dans mon art,
de passer assez de temps à l’atelier,
il me soutient, me comprend et m’aide. »
femme, je prends soin de ma famille, je cui-

sine, je fais le ménage, etc. Bien sûr, cela me
prend beaucoup de temps que je pourrais
consacrer à la peinture, mais en échange, je
ressens l’amour et la gratitude de ma famille,
c’est si important ! Cet amour et cette harmo-
nie familiale permettent d’atteindre de grands
objectifs dans la carrière. C’est la meilleure incitation à progres-
ser. Mon mari sait combien il est essentiel pour moi de m’amé-
Railway Station. 40 x 60 cm. liorer dans mon art, de passer assez de temps à l’atelier, il me
soutient, me comprend et m’aide.
Mais mon cas est un peu différent. Je peins à l’aquarelle et dans
notre milieu, la distinction entre art masculin et féminin n’est pas
clairement définie. La chose la plus importante est avant tout le
professionnalisme. L’aquarelle se développe et les artistes qui
montrent les meilleures œuvres sont très populaires et respec-
tés. Mon statut et le développement de ma carrière artistique
dépendent avant tout de mon niveau de professionnalisme. Je
ne sais pas s’il est facile ou difficile d’être une artiste femme. Je
n’ai rencontré aucune difficulté majeure, on aime mes aqua-
relles et c’est le plus important ! Je peux juste dire que je suis
heureuse d’être artiste. Vivre cette vie d’artiste, c’est formidable !
ª .I R¸EM VIRGSRXVq EYGYRI HMJÁGYPXq
QENIYVI SR EMQI QIW EUYEVIPPIW
IX G¸IWX PI TPYW MQTSVXERX «
Aujourd’hui, en même temps que les femmes bénéficient
d’une plus grande égalité sociale et éducative en Russie, elles
s’impliquent davantage dans la sphère professionnelle. Il y a
une augmentation significative du nombre de femmes poètes,
de femmes artistes. Les frontières entre les concepts de « l’art
Olga Litvinenko féminin » et du « grand art » s’atténuent. Bien sûr, l’idée que
l’art est un territoire d’expression masculine existe toujours, et
ª'SQQIRXTIRWIVkPE JSMW k PE QIMPPIYVI pour longtemps encore. On suppose que le génie est tradition-
GSQTSWMXMSRTSYVYR XEFPIEY nellement masculin, tandis que les pratiques de la décoration et
de l’artisanat appartiennent à la sphère des activités féminines.
IXEY\TVSFPrQIWHYUYSXMHMIR # « Oui, malheureusement, en Russie, il existe des différences entre
Pour les femmes, il est en général ardu de concilier vie fami- les statuts des femmes et des hommes artistes. Bien sûr, dans
liale et carrière. La difficulté est d’autant plus grande pour les l’idéal, cette distinction entre art masculin et féminin ne devrait
femmes artistes. Lorsque vous vivez pour l’art, vous n’avez pas exister. Soit vous faites de l’art, soit non. Peu importe le
pas de planning défini, d’emploi du temps. La vie d’un artiste sexe. Cependant, en aquarelle, on peut distinguer une écriture
consiste en une méditation constante sur son travail ; il n’est pas féminine d’une écriture masculine (mais cela ne concerne que
facile alors de passer aux activités domestiques. Comment pen- l’aspect technique).
ser à la fois à la meilleure composition pour un tableau et aux Je pense souvent au moment où j’ai postulé à l’aspiranture
problèmes du quotidien ? Mais parce que prendre soin de la [3e cycle, NDLR] à l’Académie des beaux-arts. On m’a tout de
famille est dans les gènes des femmes, il ne leur est pas si com- suite prévenue que je ne pourrai pas rester enseigner à la
pliqué (surtout pour les femmes faculté, bien que j’eusse des
russes) de tout associer. Mais
les artistes masculins, qui se 0IWXEXYXHIWEVXMWXIW recommandations d’artistes
très importants. Tous les ensei-
consacrent presque exclusive-
ment à leur carrière, peuvent JqQMRMRIWIR6YWWMI gnants étaient exclusivement
des hommes. Pourquoi ? Mon
atteindre de bien meilleurs En Russie, on emploie les termes d’art « féminin » professionnalisme n’est pour-
résultats. Nous, les femmes, ou « féministe » dans toutes les combinaisons possibles. tant pas inférieur ! Si j’étais un
sommes habituées à combi- La tendance à la discrimination contre les femmes dans homme aux cheveux gris, ma
ner de nombreuses choses. le milieu artistique ne change pas. La rhétorique générale carrière aurait progressé plus
Prendre soin de son chéri, d’une est restée la même que celle des années 90. Bien entendu, rapidement !
famille aimante et développer le statut des femmes artistes est malheureusement
sa carrière artistique, c’est une différent de celui des hommes. La hiérarchie des genres Propos recueillis par : Laurent
vie parfaite pour une artiste dans le milieu de l’art russe existe encore. Benoist et Valérie Auriel.
femme ! Comme toute autre Photos : tous droits réservés

NOUVELLE
RUBRIQUE CAHIER TECHNIQUE/Astuces
UYIWXMSRWkWITSWIV
TSYVWEZSMVWM
ZSXVITIMRXYVIIWXXIVQMRqI
IL ARRIVE TOUJOURS UN MOMENT DANS UNE PEINTURE OÙ L’ARTISTE S’INTERROGE : MON TABLEAU EST-IL
TERMINÉ ? SI CETTE QUESTION PEUT PARAÎTRE SIMPLE ET ANODINE, LA RÉPONSE L’EST EN FAIT BEAUCOUP
MOINS. HEUREUSEMENT, L’ART DE L’AQUARELLE EST LÀ POUR VOUS AIDER.
I
l est parfois simple de déterminer si un tableau est fini : vous départ. Si ce n’est pas le cas, posez-vous la question de savoir
avez le sentiment qu’il est parfait tel qu’il est, et que la moindre pourquoi : certaines zones sont-elles trop prépondérantes, et
touche supplémentaire n’apportera rien de plus. Voire pire. d’autres au contraire trop silencieuses ?
Tous les tableaux ratés, disait un artiste, ont commencé par
cette question innocente : « Et si je rajoutais une touche de
peinture ici ? »… Pour toutes les fois où cette prise de décision 6. Le tableau « fonctionne-t-il »?
s’avère compliquée, il peut être utile de se poser des questions Placez votre tableau à l’envers ou regardez-le par l’entremise
qui vous aideront à déterminer si votre aquarelle est bel et bien d’un miroir. Vous serez ainsi en mesure de déceler plus
terminée. Pour cela, il vous faut développer votre œil critique, facilement ce qui ne vous convient pas. N’hésitez pas non plus
et cela passe par deux aspects essentiels : la capacité de juger à le prendre en photo.
froidement et analytiquement votre travail comme s’il s’agissait
de celui de quelqu’un d’autre, et une connaissance visuelle
étendue, une manière de répertoire d’images. Ces deux aspects 7. Les couleurs employées aident-elles à transmettre
sont, en fait, très simples à développer : il vous suffit de peindre l’ambiance que vous souhaitez?
et de voir beaucoup d’œuvres. Les couleurs – et surtout leur température – influent sur
l’ambiance d’un tableau. Celles que vous avez employées
sont-elles au service de votre message, ou au contraire
1. Le tableau possède-t-il un point focal? viennent-elles le perturber ?
Si oui, attire-t-il naturellement le regard?
L’œil a besoin de circuler au sein d’une peinture et un point focal
vous permettra de hiérarchiser les informations dans votre 8. Les formes dans le tableau possèdent-elles
tableau tout en mettant l’accent sur le sujet principal. des contours nets et/ou flous?
Chaque élément au sein d’un tableau possède un impact ou
un poids visuel. Répartissez ces différents éléments au sein
2. Dois-je ajouter plus de détails à certains endroits? du tableau afin de trouver un équilibre.
Ou en retirer?
Une peinture, c’est comme une conversation : tout ne doit
pas être dit. À moins que vous ne peigniez dans un style
photoréaliste, inutile d’inclure tous les détails de votre sujet.
%HMWSVR
3. Est-ce que les premieret arrière-plans, ainsi que le 4SVRWMVMOEVR
plan intermédiaire, sont suffisamment différenciés? « Finir un tableau est un
sentiment proche de celui
C’est en étageant les plans que vous donnerez de la profondeur qu’on éprouve après avoir
à votre tableau, particulièrement dans le cas d’un paysage. mangé ! C’est à vous qu’il
appartient de savoir si
4. Les proportions sont-elles correctes? vous avez assez mangé
L’art figuratif repose en grande partie sur le respect des et si votre tableau est
proportions et des tailles des éléments entre eux. terminé. C’est quelque
chose qui vient avec la
pratique, au fil du temps. »
5. Le regard circule-t-il bien dans l’ensemble
du tableau?
L’œil doit circuler dans le tableau, et revenir à son point de

3RE/MRKHSR
« Regarder une peinture finie est comme
se souvenir d’un voyage, me donnant une
chance d’évaluer ce qui a fonctionné à la fois
%PZEVS techniquement et imaginairement et ce qui
'EWXEKRIX n’a pas fonctionné, mais une fois que cela
est fait, j’ai toujours envie de me lancer dans
« Il est très important la peinture suivante. »
pour l’aquarelle d’avoir
dans votre esprit une
vision de la peinture 13. Les couleurs sont-elles réparties sur l’ensemble
finie, avant même de du tableau?
commencer, afin que C’est en distribuant les couleurs sur l’ensemble de votre tableau
vous sachiez ce que vous que vous atteindrez une harmonie colorée.
voulez exprimer. Cela
vous donne beaucoup de
liberté lors de l’exécution 14. Le message que je souhaite communiquer est-il
de votre peinture (comme
savoir où placer les clairement exprimé?
valeurs fortes, les blancs Toute œuvre d’art, quelle que soit la technique ou l’écriture
à préserver, etc.). » choisie, doit communiquer un message ou une interprétation
stylistique du sujet.
15. Le tableau est-il cohérent?

Posez votre pinceau et reculez de trois mètres afin de ne plus être
influencé par le sujet : les formes sont-elles liées entre elles ?
Les valeurs et couleurs sont-elles harmonieuses ?
9. Est-ce que le tableau ressemble (de près ou de loin) 16. Chaque élément/forme dans le tableau
à ce que j’avais en tête au départ? est-il facilement identifiable ou lisible?
Aviez-vous une idée en tête au moment de vous lancer ? Peut-être Posez-vous la question de savoir si telle ou telle forme est
en avez-vous dérogé au fil de votre peinture… Le tableau final vous compréhensible par le spectateur. Avez-vous réussi à représenter
plaît-il ou auriez-vous préféré qu’il ressemble plus à l’idée que vous de manière convaincante ce que vous vouliez montrer ?
vous en faisiez au départ ?
10. Y a-t-il des éléments qui vous paraissent 17. Quelle gamme de valeurs ai-je utilisée?
Généralement, une œuvre forte fait appel
être en trop dans le tableau? à toute la gamme des valeurs.
Regardez votre tableau rapidement. Sur quel élément votre
œil tombe-t-il en premier ? Cet élément est-il indispensable au
message que vous souhaitez exprimer ? Si ce n’est pas le cas, 18. Y a-t-il des zones que je peux ou que je souhaite
supprimez-le. pousser plus loin?
Vous avez le sentiment que certaines zones de votre tableau
11. Les ombres sont-elles cohérentes mériteraient d’être plus abouties ? Dites-vous qu’à l’époque
du romantisme, le non finito, qui consistait à ne pas terminer
avec la source lumineuse? ses tableaux, étaient très en vogue.
Les ombres portées et propres de chacun des objets
de votre tableau doivent être en accord avec la direction
choisie pour la lumière. 19. Comment se présente ce tableau par rapport
à ma production précédente? En suis-je plus satisfait
12. Les formes varient-elles en taille? ou moins satisfait?
Pour donner du rythme à votre tableau, variez la taille des Tous les artistes s’accordent à le dire : le prochain tableau doit être
différents éléments. Si vous constatez qu’ils sont trop uniformes, meilleur que le précédent. C’est ainsi que vous progresserez.
essayez d’en augmenter et/ou d’en réduire quelques-uns.
20. Et enfin, la dernière question – primordiale –, et
/SRWXERXMR7XIVOLSZ certainement celle à laquelle toutes les précédentes
« Je dois admettre que j’ai gâché un certain nombre de sont subordonnées : le tableau me plaît-il?
peintures en allant trop loin et en franchissant le point Une œuvre d’art est tout sauf une recette de cuisine : il ne suffit
de non-retour. La plupart du temps, cela se produit pas de mélanger les ingrédients dans les bonnes proportions
lorsque je perds mon intérêt pour le sujet. Ensuite, et de suivre scrupuleusement la recette pour obtenir un chef-
je perds aussi l’intuition requise qui aide à connaître d’œuvre. Un tableau n’est rien de plus, ni rien de moins, que
le bon moment. Lorsque la peinture se fait d’un seul la résultante de votre expérience, de vos connaissances et de
souffle, ce n’est généralement pas un problème. » vos exigences. Ainsi, en conclusion, si votre aquarelle vous plaît
telle qu’elle est, c’est qu’elle est bel et bien terminée !

NOUVELLE
RUBRIQUE CAHIER TECHNIQUE/Carrière
'SQQIRX WI VIRSYZIPIV#
VOUS ÊTES À COURT D’IDÉES ? VOUS MANQUEZ D’INSPIRATION ?
RASSUREZ-VOUS, CELA ARRIVE À TOUS LES ARTISTES !
TOUT LE MONDE A CONNU UN JOUR OU L’AUTRE L’ANGOISSE
DE LA FEUILLE BLANCHE… VOICI COMMENT Y REMÉDIER.
Essayez de nouvelles techniques

Peut-être avez-vous l’impression d’avoir fait le tour de l’aqua-
relle ? Essayez de nouvelles techniques qui vous obligeront à
trouver de nouveaux repères et de nouveaux réflexes. Cela
vous permettra ainsi de reprendre vos aquarelles avec un re-
gard neuf et enrichi. Pourquoi ne
pas tenter la tempera ou les crayons
Notez vos idées dans un carnet aquarellables ? En fait, pas besoin
d’aller jusque-là : si vous avez pris
ou un journal l’habitude de peindre toujours avec
Inutile de le prendre trop volumineux, privilégiez au contraire la même gamme (ou marque) d’aqua-
un carnet de petit format dans lequel vous noterez vos idées. relles, pourquoi ne pas – enfin – es-
Bien sûr, ces idées peuvent aussi prendre la forme d’esquisses sayer les tubes que l’on vous a offerts
(comme des notes de couleur ou des dessins au trait), mais éga- à Noël ou pour votre anniversaire et
lement de phrases. Ce carnet n’a pas vocation à être exposé ou que vous n’avez pas encore eu l’occa-
diffusé, aussi ne vous souciez pas de savoir comment vous le sion de tester ?
remplissez ou de la qualité d’exécution. Il s’agit avant tout d’un
outil de travail. Pour vous. En
vous y replongeant, quand vous 1qPERKIVTEWXIP
serez en manque d’inspiration,
vous pourrez y puiser de nou- IX EUYEVIPPI
velles idées. Comme l’écrivait Richard McKinley est un pastelliste
Oscar Wilde : « Je ne voyage ja- américain extrêmement reconnu. Sa
mais sans mon journal intime. Il particularité ? Il démarre souvent par des
fait toujours avoir quelque chose de premiers lavis à l’aquarelle et à l’alcool,
sensationnel à lire dans le train. » ! sur lesquels il revient ensuite au pastel.
Pourquoi ne pas essayer vous aussi ?
Lors de ses voyages, comme ici à Zanzibar,
Sonia Privat remplit ses carnets d’objets
hétéroclites qui accompagnent ses prises
de notes : « Toutes les “nourritures”
essentielles à mon travail sont une
quête de chaque instant : croquis,
photos, “poubelles” (bouts de papiers,
De quoi avez-vous peur?
tissus, capsules et autres petits Souvent, l’envie de changer peut être inhibée par l’angoisse…
bonheurs), prise de sons… et écriture
bien sûr. Tous ces éléments seront mis du changement. Sortir de sa zone de confort permet de se dé-
en page dans un carnet de voyage en velopper. Tentez d’identifier les raisons qui vous empêchent de
parallèle à mon travail d’atelier sur de sortir des sentiers battus et de vous renouveler. Avez-vous peur
grands formats. » de commettre des erreurs ? Redoutez-vous le jugement des
autres ? Ou bien, avez-vous tout simplement le sentiment de ne
pas être assez « bon » ? Notre conseil ? Postez sur les réseaux
Fixez-vous des contraintes sociaux des images de vos aquarelles – oui, même celles dont
La contrainte est-elle libératrice ? Vaste débat philosophique… vous n’êtes pas particulièrement fier(e) ! – en demandant des cri-
et dont une des réponses peut être la suivante : est véritable- tiques constructives et des commentaires. Sollicitez l’avis de vos
ment libre celle ou celui qui choisit de se fixer des contraintes. proches, de vos amis et de vos pairs si vous faites partie d’une
Choisissez de ne peindre qu’avec trois couleurs, lancez-vous association ou d’une société d’aquarelle. Il y a fort à parier que
dans le daily painting (le fait de peindre une œuvre différente tous ces commentaires vous pousseront dans une direction
par jour pendant un certain temps), ne peignez que sur des for- différente de celle que vous avez prise jusqu’ici, ou vous ouvri-
mats carrés si vous avez l’habitude de peindre des formats pay- ront de nouveaux horizons et de nouvelles possibilités que vous
sage ou portrait… n’aviez jusqu’alors pas envisagés.

Texte : Laurent Benoist. Photos : D. R.
Identifiez les raisons

0IXIQTWIRTIMRXYVI pour lesquelles vous peignez
YRIRSXMSRWYFNIGXMZI Les raisons qui poussent à peindre sont vastes, et peut-être
même uniques à chacun des peintres. Mais quoi qu’il en soit,
POUR ELENA BAZANOVA : « La réflexion sur la composition toute œuvre, quelle que soit sa technique, obéit à une motiva-
commence à partir du moment où l’on se met en quête d’un tion première. Autrement dit, il existe une idée qui a précédé la
nouveau sujet, d’une nouvelle histoire à raconter. Parfois, il réalisation de l’œuvre d’art. S’il est difficile de toutes les aborder,
arrive que la composition naisse la plupart de ces motivations premières appartiennent à l’une
de manière spontanée et parfois ou l’autre (voire plusieurs) de ces catégories principales.
il faut plusieurs années pour
en accoucher. J’ai des idées qui 0¸EVX k HIW ÁRW HI XqQSMKREKI H¸IRWIMKRI
me trottent dans la tête depuis QIRXSYHITVSXIWXEXMSR L’art peut aussi bien servir à
quatre ans ! » transmettre des idées et à les enseigner qu’à laisser une trace
ou un témoignage d’un événement historique. Les vitraux
des cathédrales, par exemple, servaient à diffuser par l’image
les enseignements de la Bible à une population qui, dans sa
majeure partie, ne savait pas lire. L’art peut être aussi une
Vos habitudes de peintre manière de commenter l’histoire actuelle : pensez par exemple
à Guernica, peint par Picasso après le bombardement de la ville
sont-elles efficaces? basque en 1936 lors de la guerre civile espagnole. Andrew Kish,
lui, est un bon exemple d’artiste contemporain dont l’aquarelle
Peut-être que le problème vient du fait que votre manière de
est un véhicule qui lui sert à exprimer ses idées politiques.
travailler n’est pas compatible avec votre processus créatif ?
Peut-être travaillez-vous trop tôt le matin, trop tard le soir, ou 0¸EVX TIYX qKEPIQIRX sXVI PI VIÂIX HI WIW WIR
bien trop ou pas assez longtemps ? Si vous êtes un artiste pro-
fessionnel, peut-être avez-vous le sentiment d’être débordé par
XMQIRXWJEGIkPEREXYVI De Turner à Monet, tous les
artistes ont voulu reproduire sur la feuille ou la toile les émotions
les tâches quotidiennes et administratives comme les envois
ressenties face au spectacle qu’ils avaient sous les yeux, et qui
d’e-mails ou votre comptabilité, par exemple ? Vous pouvez
peut aussi bien être un lever de soleil sur la campagne que la
aussi avoir le sentiment que vous n’arrivez pas à tirer pleine-
clameur d’une grande avenue dans un centre-ville.
ment parti de vos séances de peinture… Notre conseil : prenez
du recul afin de comprendre les éléments qui posent problème. 0¸EVX GSQQI VIÂIX H¸YRI XVEHMXMSR GYPXYVIPPI
Vous êtes trop fatigué pour peindre en semaine ? Essayez de Une œuvre d’art peut faire partie d’une cérémonie, d’un rituel
vous ménager une plage horaire le week-end. La seule règle qui ou d’une tradition culturelle. Ces œuvres sont alors créées dans
vaille est de trouver un programme avec lequel vous êtes satis- un but précis et ne font sens que dans le cadre de ce contexte,
fait(e). Le temps en peinture diffère d’un artiste à l’autre. et elles sont même parfois éphémères. Le mandala, c’est-à-dire
la représentation de l’univers bouddhiste, est un exemple de
cette forme d’art.
8qQSMKREKI 0E TIMRXYVI TIYX qKEPIQIRX sXVI ZYI GSQQI
APPRENDRE À DÉPASSER SES ERREURS : LE POINT DE VUE YR EKIRGIQIRX JSVQIP H¸qPqQIRXW Expérimentez
DE IAIN STEWART avec des éléments purement formels, sans vous soucier de re-
présenter la réalité. Un exemple en est Ken Thrift, dans le pré-
« Mon style évolue constamment et je travaille dur pour sent numéro (voir p. 32).
encourager cela. Mon travail est une combinaison de plateaux
et d’ascensions. Durant l’ascension, je peux buter quelques
semaines contre un problème ou avoir le sentiment de peindre
mal. J’ai appris par expérience à naviguer à travers ces périodes,
en ajoutant même parfois des difficultés supplémentaires, telles
qu’une nouvelle couleur, un nouveau pinceau, un nouveau papier.
À un moment donné, les choses se mettent en place d’elles-
mêmes : je découvre alors que mon processus a légèrement
évolué et que mon travail est quelque peu différent.
En fait, je prends plus de plaisir dans l’acte de
peindre et je peins plus rapidement avec un plus
grand taux de réussite. C’est ce que j’appelle des
“plateaux” : je travaille avec un niveau de confiance
très satisfaisant. À un moment donné, ce rythme de
croisière ne me satisfera plus et je recommencerai
mon ascension. Je pense que cela se résume
à accepter les échecs et, à travers eux, retenir
une expérience. Je dis toujours à mes étudiants
que si vous devez échouer, échouez de manière
spectaculaire. L’hésitation tue l’inspiration. »
Libertatem Constituentes. Andrew Kish est l’exemple d’un artiste qui peint pour exprimer
ses convictions politiques. Et vous, savez-vous pour quelles raisons vous peignez ?

NOUVELLE
RUBRIQUE CAHIER TECHNIQUE/Méthode
GPqWTSYVVqYWWMV
WEGSQTSWMXMSR
LA COMPOSITION A CECI DE PARADOXAL QUE SI ELLE EST RÉUSSIE, ELLE NE SE VOIT PAS…
ELLE S’EFFACE POUR LAISSER PLACE À L’APPRÉCIATION DE LA PEINTURE.
AUTRE PARADOXE : MIEUX VOUS CONNAÎTREZ LES RÈGLES DE COMPOSITION, MOINS
VOUS Y PENSEREZ AU MOMENT DE PEINDRE. NOUS AVONS DRESSÉ ICI UNE LISTE
DE 7 POINTS CLÉS QUI VOUS AIDERONT À METTRE EN ŒUVRE VOTRE TABLEAU.
1. Privilégiez des nombres impairs 2. Prêtez attention au placement des formes

plutôt que pairs Toutes les formes dans une
peinture sont reliées entre elles.
Les compositions basées sur des rythmes impairs sont tou- En fait, la relation spatiale entre
jours plus dynamiques que celles basées sur des rythmes pairs. deux formes est nécessaire-
Pourquoi ? L’explication est assez complexe et fait appel à la ment une des trois suivantes :
théorie de la gestalt, qui explique comment nous appréhendons
notre environnement d’un point de vue psychologique. Notre Elles sont
cerveau a ainsi tendance à naturellement grouper par paire les juxtaposées
formes similaires. Autrement dit, un nombre pair d’objets aura
un effet apaisant, tandis qu’un nombre impair créera une « ten- Elles se
sion » (pour ceux qui désireraient en savoir plus, nous vous re- chevauchent
commandons l’ouvrage de l’historien de l’art Ernst Gombrich,
L’art et l’Illusion). Ce serait ainsi, par exemple, une des origines Elles sont
de la règle qui veut que l’on n’offre que des fleurs en nombre séparées
impair, afin qu’une fois dans un vase, le bouquet soit plus plai-
sant à l’œil. John Singer Sargent a réalisé cette aquarelle ci-des- Henri Fantin-Latour,
En règle générale, évitez de
sous en 1918, alors qu’il voyageait sur le front en Europe en tant Nature morte avec fleurs et fruits. juxtaposer les formes pour
que peintre des Armées. Elle représente ce qui est sans doute 1866, huile sur toile, 73 x 60 cm. privilégier au contraire celles
Achat M. et Mme Richard J. Bernhard Gift, 1980.
des fûts de canon sous les arcades en ogive d’un bâtiment en Metropolitan Museum of Art, New York.
qui se chevauchent ou qui
ruines. Remarquez le rythme apporté par la succession des sont séparées (par un espace
trois roues (qui se répète également dans la courbe des arca- vide). Regardez par exemple cette nature morte d’Henri-Fantin
tures) Son aquarelle n’aurait-elle pas été moins dynamique – Latour dont le chevauchement des formes crée de la profon-
plus « plate » – s’il avait choisi de ne représenter que deux roues deur et une illusion de tridimensionnalité.
au lieu des trois ?
3. La règle des trois tiers

Divisez votre feuille en trois tiers, aussi bien dans le sens de la
John Singer hauteur que de la largeur. Vous obtiendrez ainsi une grille avec
Sargent, neuf cases. Afin de créer le maximum d’impact, le point focal ne
Wheels in Vault.
1918, aquarelle, doit pas se situer dans la case centrale : il doit être au contraire
crayon et cire sur décentré. Vous pouvez
papier vélin, par exemple le situer à
39,1 x 52,9 cm. l’intersection des lignes
Don de Mme Francis
Ormond, 1950.
(voir schéma ci-contre).
Metropolitan Museum De manière géné-
of Art, New York.
rale, une composition

Par Laurent Benoist
5.Apprenez à dessiner(avec) le vide

symétrique apporte un sen- Les espaces entre les formes sont aussi importants, voire
timent de stabilité. Ce procé- même plus importants, que les formes elles-mêmes : le vide
dé traverse toute l’histoire de constitue ainsi lui aussi une forme. Entraînez-vous à l’aide de
l’art. Cette symétrie est par l’exercice suivant : recouvrez une
exemple couramment em- feuille de fusain. Puis, avec une
ployée dans les crucifixions, gomme, amusez-vous à dessiner
comme en témoigne ce ta- des formes en effaçant la matière
bleau du peintre de Bruges, sur la feuille. Vous pouvez égale-
Gérard David. Ici, la symétrie ment effectuer la même chose à
est de plus renforcée par l’em- l’aquarelle, en veillant bien sûr à
ploi de la même couleur sur prendre une surface sur laquelle
les personnages de part et vous pourrez facilement lever les
d’autre du Christ. blancs. Dans cette aquarelle repré-
sentant un combat de coq à Oman,
le peintre Arthur Melville a parfaite-
Gérard David, La Crucifixion. 1495 environ, huile sur bois, 53,3 x 38,1 cm.
Fonds Rogers 1909. Metropolitan Museum of Art, New York.
ment su jouer avec les vides et les
blancs.
4. Une bonne composition fonctionne Arthur Melville, Combat de coqs. 1900,

quelle que soit l’échelle aquarelle sur papier, 83, 8 x 58,4 cm.
Don de Mme Arthur Melville, 1906.
Metropolitan Museum of Art, New York.
Regardez les icônes sur l’écran de votre smartphone ou de
votre ordinateur : pourquoi sont-elles aussi facilement discer-
nables et instantanément reconnaissables, malgré leur petite
taille ? Toutes possèdent les points communs suivants : un lo-
go ou une forme simple et des couleurs qui tranchent. Il en va Paul Klee, Trois
de même avec les panneaux de signalisation routière qui, eux, maisons. 1922,
restent visibles et compréhensibles de loin : là aussi, les formes aquarelle sur
papier, montée
sont simplifiées. Faites donc l’exercice suivant pour juger de la sur carton,
réussite de votre composition : prenez une photo de votre ta- 24,4 × 34,3 cm.
bleau (avec votre téléphone, par exemple) et réduisez sa taille Collection Berggruen
Klee, 1984. Metropolitan
au maximum. Même si vous n’arrivez plus à discerner le sujet, Museum of Art, New York.
vous devez néanmoins voir un arrangement esthétiquement
plaisant de formes et de couleurs.
6. Répétez les formes, les couleurs

et les motifs
Les répétitions donnent un rythme et une dynamique visuelle
à votre peinture. Cette aquarelle de Paul Klee, peinte alors qu’il
enseignait au Bauhaus, est ainsi exemplaire : bien qu’elle ne soit
basée que sur des répétitions de formes géométriques simples
(des triangles et des rectangles), chacune d’entre elles est de
taille différente. Remarquez en outre comment la seule forme
circulaire de la composition (le soleil, dans le quart supérieur
gauche) saute aux yeux, précisément parce qu’il s’agit du seul
cercle de la composition.
7. Placez des lignes horizontales et diagonales

Servez-vous de lignes diagonales pour entraîner le regard dans le tableau.
En règle générale, elles donnent de la nervosité tandis que les lignes horizon-
tales apportent de la stabilité, en « asseyant » votre composition. Comparez
cette aquarelle romantique de Paul Huet, peinte sur le vif en Auvergne alors
qu’il se rendait dans le sud de la France, à celle de Paul Klee, ci-dessus. Le
tracé en diagonale des silhouettes des volcans et des lignes de crête à l’ar-
rière-plan apporte un sentiment de tension, accentué par le ciel orageux.
Pour souligner la fougue des éléments déchaînés et harmoniser sa composi-
tion, le peintre a répété la ligne descendante du flanc du volcan principal dans
les nuages à droite
Paul Huet, Montagne d’Auvergne. 1831-1833, aquarelle avec encre brune,
16 x 28,5 cm. Achat, Don Christie’s et Wildenstein, 1996
NOUVELLE
RUBRIQUE CAHIER TECHNIQUE/Carrière
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À MESURE QUE LES ANNÉES PASSENT, IL DEVIENT DE PLUS EN PLUS

DIFFICILE DE RESTER FRAIS ET DE PROPOSER DE NOUVELLES IDÉES.
FINALEMENT, N’ARRIVE-T-IL PAS UN MOMENT OÙ L’ON PENSE AVOIR
PEINT TOUS LES SUJETS POSSIBLES ET IMAGINABLES ? EH BIEN, PAS
DU TOUT ! IL Y A TOUJOURS UNE NOUVELLE FAÇON D’ABORDER LE
MÊME SUJET, ET PARFOIS ELLE SE TROUVE JUSTE DEVANT NOS YEUX,
À CONDITION QUE NOUS SACHIONS REGARDER. RAPPELEZ-VOUS,
IL N’Y A PAS DE MAUVAIS SUJET, JUSTE DE MAUVAISES PEINTURES…
Il n’y a rien de plus triste qu’un artiste qui continue de répéter

le même sujet jusqu’à ce que ces tableaux ne soient plus
qu’une triste copie d’eux-mêmes. Mon ami Herman Pekel a dit
un jour qu’un artiste ne devrait jamais se copier lui-même. Joseph Zbukvic
Trop souvent, dès que l’on entre dans une exposition, nous sur le motif
n’avons aucun mal à reconnaître le travail de quelqu’un sans avoir lors d’une
à déchiffrer la signature et l’on se dit : « Tiens, encore un tableau démonstration
d’untel ! » D’autre fois, nous nous précipitons pour découvrir le publique en
travail d’un artiste que l’on connaît bien, et qui pourtant nous tient Chine, en 2016.
en haleine à chacune de ses peintures. Quelle est la différence ?
Est-ce vraiment le sujet, ou bien la vision ? Selon moi, c’est
toujours la vision. La façon dont un artiste convertit un sujet en
un langage visuel pousse le spectateur à sortir de son quotidien.
Tout le monde veut appartenir à quelque chose de plus grand
et de plus important que son existence quotidienne. C’est pour
cette raison précise que l’art attire les gens.
MAINTENIR L’ENTHOUSIASME DES DÉBUTS
Cela m’a toujours fasciné de comprendre pourquoi les gens
s’arrêtent et regardent un peintre à l’œuvre. Même lorsqu’ils Ces journaux de bord contiennent souvent des dessins
passent devant en voiture à toute vitesse, ils ne peuvent rien voir, de choses que je ne peindrais pas nécessairement. Il s’agit
et pourtant ils regardent. Pourquoi ? Est-ce qu’ils s’arrêteraient simplement d’un souvenir de personnes et de lieux, mais cela
pour regarder quelqu’un faire autre chose, à moins qu’il ne a plus d’une fois été transformé en un travail majeur. Si vous
s’agisse d’une situation de vie ou de mort ? Pourquoi de longues prenez des photos, vous ne voyez jamais le sujet correctement.
queues dans les musées lors d’expositions d’artistes renommés ? J’ai un jour observé un homme qui se promenait dans le musée
Pourquoi payer des millions pour un Picasso ou un Rembrandt ? de l’Ermitage à Saint-Pétersbourg en regardant les tableaux
C’est parce que ces artistes sont restés sincères et ont su à travers son iPad ! Il n’a jamais levé les yeux de son écran.
exploiter leur énergie. Au début de leur carrière, tout est nouveau Regarder ses photos ne peut jamais remplacer une peinture
et il est facile de maintenir l’enthousiasme qui se reflète dans les in situ. Le temps passé à observer le sujet est inestimable. Chaque
peintures : c’est ce qui les rend dynamiques et passionnantes, dessin ou peinture exécutés sur le motif vous entraîne à voir le
donc faciles à vendre. Maintenir cette énergie et garder sujet en termes de langage visuel, jusqu’à ce que cela devienne
vos peintures spontanées une fois que vous êtes un artiste établi une seconde nature et que vous finissiez par tout voir comme un
est extrêmement important. sujet potentiel. Si vous dessinez et peignez à l’extérieur de façon
LE TEMPS PASSÉ À OBSERVER LE SUJET EST INESTIMABLE régulière, cela vous aidera à découvrir des sujets partout. Alors
Je pense que dessiner constamment et beaucoup voyager est sortez, peignez et emportez toujours un carnet de croquis avec
très utile pour affiner votre sens de l’observation. Je conserve vous, où que vous soyez. Dessinez tous les jours, n’importe où,
un journal visuel et l’ai fait pendant de nombreuses années. n’importe quand et n’importe quoi.

Village Life, Traduction : Laurent Benoist.
China. Photos : D. R.
37 x 54 cm.
troupeau de cerfs. Ils sont passés devant
moi et je me suis arrêté pour les regarder
disparaître dans un virage. J’ai su alors que
j’avais eu raison de décider de rompre cette
routine dans laquelle j’étais tombé.
NE PAS SUCCOMBER AUX CHANGEMENTS
SUPERFICIELS
Je recherche constamment de nouvelles
façons de peindre ainsi que de nouveaux
sujets, mais je suis également heureux
de revenir à mes motifs favoris.
Cela entraîne généralement quelque chose
de nouveau, une fois que vous rétablissez
la confiance. L’un des meilleurs aspects de
l’aquarelle est que vous ne pouvez jamais
précisément répéter la même peinture. Elles sont toujours
différentes. Je pense aussi qu’il n’est pas nécessaire de modifier
radicalement son style ou son sujet. Les changements forcés
sont superficiels. Se réveiller un matin en se disant que vous allez
devenir un peintre abstrait ou décider du jour au lendemain de
peindre dans un style totalement différent est tout simplement
ridicule. L’art est un jeu à long terme. Les peintres à la mode sont
rapidement remplacés par d’autres.
NE PAS SE POSER DE QUESTIONS QUAND ON PEINT
Il n’y a pas de réponse à cette recherche d’inspiration éternelle.
C’est plus facile au début en raison de l’énergie et de l’ignorance
de la jeunesse, mais cela devient plus gratifiant plus tard dans
votre carrière parce que vous avez acquis des compétences
et de l’expérience. J’ai depuis
longtemps abandonné l’idée de
trouver au coin de la rue un sujet
incroyable ou une technique
inédite, comme je le souhaitais
autrefois. Personnellement, je crois
simplement au labeur honnête
et sincère. Je peins simplement
et aussitôt que je m’engage dans
le processus, je l’apprécie.
Quand je peins, je ne pense pas
à mon image publique ni ne
m’inquiète de faire de grandes
déclarations, de gagner des prix ou
de faire une vente. Ces questions
se posent dès lors que j’ai posé mes
pinceaux. Le processus de peinture
doit rester totalement exempt de
ROMPRE AVEC LA ROUTINE toutes ces notions.
Les voyages ouvrent l’esprit, comme on dit. Si vous pouvez
vous le permettre, c’est le moyen le plus simple de trouver de Cela fonctionne pour moi car cela
nouveaux sujets. Cependant, un nouveau paysage n’est que le mène finalement à quelque chose
bénéfice évident du voyage. Une autre langue et une expérience de neuf, sans que je l’aie recherché.
étrangère dans un endroit inconnu mettent nos sens en éveil. Beaucoup de mes meilleures
Mais attention, ne vous méprenez pas : il n’y a rien de plus œuvres ont commencé comme une
agréable que le poulet rôti familial du dimanche midi, mais le dernière peinture travaillée rapidement en fin de journée
confort engendre également la paresse. Rester dans sa zone de ou avant le déjeuner. La pire chose pour l’inspiration est de
confort tue la créativité. Les voyages peuvent vous aider à en penser que votre prochain tableau sera forcément votre meilleur.
sortir, mais seulement si vous avez l’esprit ouvert et que vous C’est l’échec assuré. Dans le café en bas de chez moi, je vois
êtes prêt à emprunter de nouvelles routes. Le nouveau sujet seul souvent ce type que je connais et qui depuis dix ans travaille sur
ne peut pas réveiller un esprit fatigué. Il y a des années, je me suis un « magnifique roman » – sauf qu’il ne l’a pas encore écrit.
levé un matin et j’ai pris la décision consciente de commencer à Il dit qu’il attend l’inspiration. Le temps passé à chercher ce sujet
voyager autant que possible. Et ce jour-là, j’ai reçu une invitation insaisissable ou ce moment d’inspiration pourrait être consacré
à enseigner dans le Montana ! Peu de temps après, alors que je à la peinture. Alors laissez l’inspiration venir en travaillant.
faisais du vélo sur une route de montagne dans le parc national
de Glacier, je me suis tout à coup retrouvé entouré d’un immense

NOUVELLE
RUBRIQUE CAHIER TECHNIQUE/Inspiration
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EZIG/EXLPIIR1EPMRK
Une fois ma muse trouvée, il est important pour moi d’obtenir le plus
rapidement possible, dès les premiers lavis, l’harmonie naturelle.
Avoir une feuille de papier blanc, vierge de peinture et avec juste quelques
traces de crayon, peut être impressionnant, alors que vous vous apprêtez à
vous lancer dans la couleur. J’ai découvert qu’il était pour moi plus simple de
« plonger » en quelque sorte, et de mouiller toute ma feuille. Je dépose ensuite
ma peinture, manipulant ma feuille alors que j’apporte de la peinture.
Je vais par exemple la retourner à 90° ou 180° et l’asperger d’eau jusqu’à ce
BEAUCOUP DES MOTIFS QUE JE PEINS que les lavis soient mélangés et se fondent sur la feuille. C’est un processus
organique qui laisse une part à l’aléatoire. C’est un dialogue avec la peinture
NE SAURAIENT ÊTRE CONSIDÉRÉS où vous débutez avec vos propres idées, mais où vous finissez par aboutir à
un compromis avec votre sujet. L’harmonie ne peut être atteinte que si vous
COMME BEAUX EN TANT QUE TELS. écoutez autant que vous vous exprimez.
JE CHERCHE À DÉVOILER LA BEAUTÉ
Regarderson sujet
QUE JE TROUVE DANS DES SUJETS
Tandis que j’ajoute de la couleur, je regarde attentivement mon sujet (une
À CÔTÉ DESQUELS ON POURRAIT photo, généralement) et je me décide sur les zones qui accueilleront des teintes
chaudes et des teintes froides. C’est quelque chose de très excitant pour moi
PASSER. UN ÉCLAT DE LUMIÈRE parce que si je vois une zone avec une couleur chaude, je vais avoir tendance
à l’exagérer, tout en sachant qu’en séchant, elle deviendra beaucoup plus claire,
SUR LES ÉCAILLES D’UN ALLIGATOR me laissant ainsi la possibilité de jouer avec par la suite. Je sèche ma feuille entre
chaque couleur ; cela crée une espèce de « soupe » sur la feuille qui me permet
OU LES REFLETS SUR DES VARANS de respirer et de décider de l’étape suivante, après avoir observé comment
DE KOMODO SONT AUTANT les couleurs ont séché.
D’OPPORTUNITÉS DE DÉVOILER MA Sur l’usage des couleurs

FASCINATION POUR CES CRÉATURES. J’ai tendance à fonctionner par complémentaires : je choisis deux couleurs
complémentaires sur le cercle chromatique, et quelques autres teintes
adjacentes. Garder mes couleurs propres est toujours ma priorité à l’aquarelle et
je procède de plusieurs manières : la première consiste à repasser une deuxième
couche avec exactement la même couleur (pure ou mélangée) sur une zone
déjà sèche afin de saturer mes couleurs. Également, lorsque j’ai deux couleurs
complémentaires que je souhaite relier,
je vais utiliser pour ce lien une couleur
qui se mélange bien avec les deux. Par
exemple, si je souhaite relier un bleu
froid avec un orange chaud, je vais
mouiller la zone intermédiaire et ajouter
un pigment rouge ou violet afin de relier
ces deux couleurs. Sur ma palette,
je sépare toujours mes teintes chaudes
et mes teintes froides.
Komodo Dragon 1 et Komodo Dragon 2.

« Ces varans ne sont pas en réalité aussi
colorés, mais c’est précisément dans
l’interprétation de son sujet que réside
Gator in Water. « Il s’agit d’une de mes peintures préférées. le plaisir de l’aquarelle. Choisir des animaux
Je me souviens encore du jour où j’ai vu sa gueule émerger de dans des zoos, derrière des vitres en verre
l’étang boueux pour se retrouver en plein soleil, avec un filet implique de devoir gérer beaucoup de reflets
d’eau qui coulait sur sa tête. J’ai utilisé un mélange de bleu dans les photos. Ce fut là le plus grand défi
phtalo et de rose quinacridone pour presque tout son visage. » de cette peinture. »

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WETIMRXYVI 0IWYNIXJ’adore ce sentiment quand je regarde dans mon appareil
photo et que je réalise que j’ai une bonne photo. La manière dont nos yeux
saisissent la beauté du monde naturel est difficile à rendre dans une photo,
mais l’un des avantages de l’aquarelle est qu’il est possible de redonner vie
à une image plate. Il est cependant nécessaire de commencer avec
L’ajout de couleurs plus denses un sujet qui vous interpelle vraiment, et c’est comme cela que je débute
Mes premiers lavis sont généralement mélangés sur mes propres peintures. Je suis toujours à la recherche de sujets qui rendront
la feuille avec une couleur directement déposée dans une harmonie naturelle. Le sujet doit également interpeller par lui-même.
un godet à partir du tube. Comme les couleurs chaudes
se mélangent entre elles et que les couleurs froides
font de même entre elles sur ma palette, je tire parti de
ces mélanges en les posant sur ma feuille. Lorsque tout
est parfaitement sec, je suis prête à me lancer dans
la création de formes, à partir de la « soupe » présente sur
la feuille. Je vais commencer par mélanger mes couleurs
sur la palette, ajoutant au fur et à mesure des couleurs
de plus en plus denses afin de créer des changements
de valeur. D’habitude, je peins sur une petite zone de la
peinture, en allant du plus clair vers le plus foncé : cette
zone me sert de test afin de jauger le reste de la peinture. 1. J’ai appliqué les premiers lavis ; je les ai 2. Je continue à ajouter des formes et
Alligator Eye.
laissés se mélanger sur la feuille et sécher. des valeurs tout en ajoutant et en renforçant
Je commence par les petites zones autour les couleurs posées lors des premiers lavis.
« Dans ce plan
des yeux, en testant ma gamme de valeurs,
rapproché d’un
alligator, je me pour la suite.
suis concentrée
sur ses yeux,
mais c’était
expérimental
sur du papier
pressé à froid
300 g. Le papier
est lumineux
mais je crois
que je préfère
la simplicité
d’utilisation
du 640 g. »
3. Je me lance maintenant dans les détails, 4. Je continue toujours dans les détails,
L’importance des valeurs et j’enlève la gomme à masquer au fur en levant les couleurs à certains endroits,
et à mesure que je progresse. et en adoucissant les contours là où
Les couleurs sont seulement un aspect d’une peinture, la gomme à masquer a été retirée.
c’est le contraste des valeurs qui en construit le squelette.
Lorsque je suis en quête de sujets, mon appareil photo
à la main, je recherche des lumières fortes et des ombres.
J’ai constaté que souvent, les œuvres que je n’ai pas
menées à leur terme ne possédaient pas de contrastes de
valeurs suffisants. Désormais, je vérifie au préalable mes
photos de référence, sous différentes lumières, dans un
miroir et à l’envers, afin de pouvoir déceler tous les motifs
d’ombres et de lumières. Si la gamme de valeurs est
correcte, la couleur est une peau qui s’adapte aisément
sur le squelette créé par les contrastes de valeurs.
Suivre le courant…
Généralement, je débute par une série de petites
esquisses, chacune avec des couleurs différentes.
En fonction de la manière dont ma peinture réagit, j’ajuste
mes touches et mes couleurs. Très souvent, je mets mes
esquisses de côté. À l’aquarelle, on doit littéralement être
capable de « suivre le courant », c’est le mieux selon moi.
Les détails peuvent être de petits éléments abstraits qui
s’assemblent comme des pièces de puzzle, le fond peut
être une série de couches de couleur superposées… mais
en tout cas l’incertitude doit demeurer, du début à la fin. Alligator. 56 x 76 cm.

NOTRE LAURÉAT
Eugeniu Gorean
BIEN CONNU DE NOS LECTEURS, L’ARTISTE MOLDAVE
A REMPORTÉ LE CONCOURS LECTEURS DU DERNIER
NUMÉRO DE L’ART DE L’AQUARELLE. IL NOUS DÉVOILE
ICI LES CLÉS DE SA PRATIQUE ET NOUS PARLE DE
SON AMOUR POUR LA PEINTURE SUR LE MOTIF.
« Je suis un adepte
du plein-air »
L’Art de l’Aquarelle : Eugeniu, quels sont les béné-
fices que vous apporte la peinture sur le motif ?
Eugeniu Gorean : Je pratique habituellement les
deux méthodes, le plein-air et le travail en atelier. Je
pense que cette combinaison me représente totale-
ment. Ce sont des notions complémentaires, ce qui
signifie qu’une méthode ne peut pas exister sans MON PAPIER
l’autre. Étant un adepte du plein-air, je pense qu’elle J’utilise du papier Arches de
peut aider à obtenir les vraies couleurs. Le plus grand différents types : grain torchon,
défi dans la peinture de plein-air est qu’un artiste grain satin et grain fin… à chaque
joue une sorte de duel. Ayant le papier comme papier son sujet. Le grain torchon,
espace bidimensionnel, il doit créer un tableau en par exemple, est bien pour des
scènes urbaines, et le grain fin
trois dimensions. Le côté positif du plein-air est qu’il pour des scènes plus rurales et des
apprend à capturer très rapidement le mouvement peintures dans l’humide, où l’eau est
et la composition, raison pour laquelle je ne consacre prédominante. J’utilise moins le grain
satin, généralement pour des études
pas plus de 2 heures par peinture sur le motif. d’animaux et des natures mortes.
ADA : Vos œuvres incluent à la fois des techniques

humides et sèches. Comment choisissez-vous l’une
ou l’autre ? MES COULEURS
E. G. : En ce moment, je pense que la combinaison Plus de la moitié de ma palette comprend de pigments
de techniques humides et sèches dans la peinture Winsor & Newton – je les trouve assez bons –, suivis de
Sennelier et Daniel Smith. Les couleurs qui la composent
aquarelle est la voie royale. Aucune des deux n’est sont les suivantes : bleu de cobalt (Winsor & Newton),
plus importante que l’autre, et l’artiste doit être en outremer (Winsor & Newton est une couleur équilibrée
mesure de présenter les deux pour avoir un bon avec une belle luminosité), bleu céruléum (Winsor &
résultat. Je suis plus concentré sur le message que Newton, une couleur subtile, mais qui mélangée avec
d’autres donne des tonalités complexes, semi-saturées),
je veux envoyer, et en fonction de cela, je choisis turquoise de cobalt (la teinte Winsor & Newton est un peu
la technique, qu’elle soit humide pour créer une agressive, mais très transparente), rouge vénitien (Daniel
impression ou plus sèche pour décrire quelque Smith, une couleur qui se prête merveilleusement aux
chose. Cela met le détail en contraste avec les sur- mélanges), rose de poterie (Winsor & Newton), terre de
Sienne (Sennelier), jaune de Naples (Daniel Smith, semi-
faces plus grandes. Parfois, j’aime peindre le même saturé), teinte neutre (Sennelier, je m’en sers comme
sujet mais de différentes façons. Par exemple, le couleur de base, mélangée avec d’autres couleurs).
brouillard est un sujet que j’aime. J’ai essayé dix fois

REPÈRES
Biennale de
Namur (Belgique), prix
du jeune artiste
- Salon d’Uckange
(France), 1er prix
Biennale
d’aquarelle de
Narbonne (France)
International
Watercolor Exhibition
à Shenzhen, Chine
- International
Watercolor Exhibition
à Fabriano, Italie
Biennale
internationale du Léon,
France
- Exposition
personnelle à
Guernesey
- Exposition
personnelle, Portico
Gallery, Londres
- Exposition
personnelle, Tour
Médiévale, Morestel.
France
IWS Portugal,
Torres Vedras
- « Interferance »,
exposition personnelle
de la représentation
permanente de
la République de
Moldavie auprès du
Conseil de l’Europe,
Strasbourg.
Ci-dessus : Moldovan de trouver la couleur de ce phénomène éphémère

Carpet. 55 x 60 cm.
qu’est le brouillard, et même aujourd’hui, je ne peux
« Une œuvre peinte
en plein-air dans
pas dire que je sois satisfait du résultat.
un monastère. J’ai
ajouté des éléments ADA : Comment arrivez-vous à savoir quels sont
abstraits à l’arrière-
plan. Les couleurs
les éléments que vous souhaitez garder dans votre
me rappellent celles composition et ceux que vous souhaitez supprimer ?
d’un tapis traditionnel E. G. : Cela est lié aux goûts esthétiques de chacun,
moldave. »
qui dictent ce qu’il faut souligner dans une pein-
Ci-contre :
ture et ce qu’il faut oublier. Si l’artiste a un peu de
Venice in the fog. 2017. talent, son goût peut être façonné en cours de route.
28 x 38 cm. L’idée ou le message de l’artiste jouent aussi dans
« Une des œuvres une composition. Par exemple, si l’accent est au pre-
de ma série bleue. mier plan, le deuxième plan sera pauvre en détails.
L’accent est mis ici
sur l’atmosphère et Habituellement, je peins la lumière en couleur, car
les couleurs. La tour c’est un motif récurrent dans ma peinture et elle peut
apparaît en silhouette. exister dans toutes les couleurs. C’est l’inverse avec
Je voulais montrer
ici un mouvement les ombres, que je considère comme un concept plus
en forme de vagues homogène, sans détails, sobre, tonal et mat.
perturbant cet endroit
tranquille.
NOTRE LAURÉAT
« L’aspect le plus difficile de l’aquarelle est que l’on ne peut
connaître le résultat final de son travail. On peut être parfois déçu
Eugeniu et parfois plus impressionné qu’on ne l’imaginait. »
Gorean
Guernesey.
« Mon séjour sur l’île
britannique de Guernesey m’a
fait découvrir la couleur verte
dans une nouvelle lumière.
Et cette impression a marqué
ma palette… »
Winter Evening, London. 2017. 25 x 35 cm

« Encore une œuvre de ma série bleue,
qui montre un ciel d’hiver au crépuscule,
dont la couleur donne une atmosphère
bien particulière. L’eau reflète les nuances
subtiles du ciel, le côté droit est dans le
brouillard, et seules quelques lumières au
second plan marquent la profondeur. »
ADA : En quoi votre style a-t-il évolué depuis vos

débuts ?
E. G. : J’ai commencé à exposer mes peintures quand
j’étais encore étudiant à l’Académie des beaux-arts.
Les tableaux que j’ai présentés à cette époque
étaient influencés par ce milieu académique, mes
sujets bien équilibrés tant au niveau de la couleur
que de la composition, en bref des tableaux réa-
listes et même classiques, d’une certaine manière.
Chaque artiste suit son propre chemin. Pour moi, il
est normal de se métamorphoser et de libérer son
style ; cela signifie qu’il y a un processus créatif. De
nombreuses tentatives et recherches d’expressions
artistiques changent le langage plastique. Ces chan-
gements sont proportionnels aux expériences que
j’ai accumulées.
ADA : Et comment voyez-vous vos futures pein-

ADA : Le rythme et l’harmonie sont deux choses tures ? Quelle direction aimerez-vous prendre ?
importantes pour vous… E. G. : Malheureusement, ou heureusement, un pro-
E. G. : Depuis douze ans que je peins, j’ai compris une cessus créatif ne peut être prévu dans le temps, mais
chose : la notion d’harmonie n’est pas une formule basé sur la passion pour les expériences techniques
exacte. Elle possède un statut éphémère. Le rythme et les recherches artistiques. Aussi, je peux dire avec
des lignes et le contraste des gestes rendent la pein- certitude que ma peinture va changer. Je ne pense
ture plus intégrée. Outre le fait que ma peinture est pas que Malevitch, au début de sa carrière, pensait
figurative, j’aime avoir des parties abstraites pour qu’il ferait des formes absolues comme Le Carré noir
libérer l’œil à un certain moment d’une construc- sur fond blanc. C’est pourquoi je considère la peinture
tion logique. Très souvent, je trouve l’harmonie et comme un concept, comme une nouveauté ou une
le rythme dans mes voyages, où je peux découvrir improvisation permanente qui repose sur le goût
des choses incroyables. Un exemple récent est esthétique développé dans le temps et les capacités
mon séjour sur l’île britannique de Guernesey, où techniques. Dans mes futures peintures, j’aimerais
j’ai découvert la couleur verte dans une nouvelle rapprocher le sujet du spectateur.
lumière. Et cette impression a marqué ma palette… TEXTE : L AURENT BENOIST. PHOTOS : D. R.

LE TABLEAU GAGNANT DÉCRYPTÉ Parlement en bleu, 37 x 53 cm
LE SUJET peinture, le ciel constitue lignes statiques verticales EXPÉRIMENTER

Cette aquarelle provient l’impression principale, les du Parlement. AVEC LE BLEU
de ma nouvelle collection, nuages diffèrent en tonalité J’aime beaucoup expérimenter.
appelée la « Série bleue ». et en forme, par endroits le Dans ma « Série bleue », afin
LA TECHNIQUE
L’Angleterre et surtout Londres ciel s’intensifie, et à d’autres il d’obtenir un bleu particulier, j’ai
s’agit juste d’ombre. Je n’avais Cette peinture est un exemple
m’ont impressionné par leurs combiné trois cobalts différents
pas l’intention de décrire de peinture humide rapide
nuances fraîches, du cobalt de chez Winsor & Newton,
l’architecture avec exactitude ; combinée à la technique
au sombre, en passant par Sennelier et Daniel Smith.
j’ai été plus impressionné par sèche. Ses caractéristiques ne
le pourpre foncé. J’y ai vu un J’ai ainsi obtenu un autre type
la ligne extérieure du bâtiment. sont mises en valeur que par
étrange contraste de couleurs de bleu de cobalt, assez saturé,
Je voulais laisser le deuxième les lumières et les quelques
froides qui ont rempli et formé avec peu de transparence, et
plan comme une silhouette flashs des bateaux. L’idée
un mélange homogène, et qui devient mat en séchant.
architecturale. principale de cette série de
à partir de là j’ai commencé
paysages londoniens était
à créer et développer une
d’avoir une conversation avec
nouvelle collection. LA LIGNE D’HORIZON le paysage urbain du XIXe siècle
La ligne de l’horizon a été de Turner, contrairement
LA COMPOSITION éteinte à gauche de la peinture à la réalité d’aujourd’hui.
Le Parlement en bleu est l’une pour obtenir une profondeur, Donc, d’une certaine
de mes nombreuses tentatives un côté mystérieux. manière, c’est le XXIe siècle de
de peinture du Parlement sur Le contraste entre certains Londres contre le Londres
la Tamise. Pour cela, j’ai choisi bateaux, l’eau créent un rythme vu par Turner. J’ai toujours
une composition relativement semblable à celui du ciel. Cela mentionné l’importance de
simple. L’accent est mis sur me permet de structurer les l’aquarelle anglaise dans mon
la partie supérieure de la lignes horizontales avec les développement.

APPELS À CANDIDATURES NOUVELLE
RUBRIQUE
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Dates d’exposition : $5 pour chaque œuvre supplémentaire Frais d’inscription : £10 par œuvre
du 6 au 30 novembre 2017 (maximum 5 œuvres au total) (plus £30 de frais d’accrochage par œuvre)
Lieu d’exposition : Renseignements : Prix : plusieurs prix, dont le City of Glasgow
Gittins Gallery, jazztune.wixsite.com/smallworks College Purchase Prize, d’une valeur de
University of Utah, Date limite d’inscription : 1er octobre 2017 £8 000 et le Walter Scott Prize, d’une
valeur de £5 000.
Salt Lake City, États-Unis.
Frais d’inscription : 22,50 USD
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Dates d’exposition : www.rsw.org.uk/index.php
Prix : plusieurs prix
du 20 au 24 novembre 2017 Date limite d’inscription : octobre 2017
Renseignements :
Lieu d’exposition :
collegeoffineartsuniversityofutah.
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paperwest-2017-national-works-on-paper-
4 Bik Lane, Fitzroy North FIGURATIVE ART TODAY
Victoria 3068, Australie. Dates d’exposition :
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Pas de frais d’inscription du 31 janvier au 17 février 2018
Date limite d’inscription : Prix : 10 000 AUD Lieu d’exposition :
22 septembre 2017 Renseignements : www.roiapartments. Mall Galleries,
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GLASGOW INSTITUTE OF FINE ARTS Frais d’inscription : £15 par œuvre (£10
Dates d’exposition : ALTÉRITÉ, pour les artistes de moins de 35 ans)
du 11 au 26 novembre 2017 EXPOSITION À LA GALERIE 29 Prix : de nombreux prix dont un premier
Lieu d’exposition : Dates d’exposition : plusieurs expositions prix de £20 000 avec une exposition
RGI Kelly Gallery, de janvier 2018 à janvier 2019 à la Mall Galleries.
118 Douglas Street, Lieu d’exposition : Renseignements :
Glasgow G2 4ET, Royaume Uni. Galerie 29, 29 rue Nationale columbiathreadneedleprize.com
Frais d’inscription : £10 par œuvre 74500 Évian, France. Date limite d’inscription :
(gratuit pour les membres de la RGI) Pas de frais d’inscription 22 septembre 2017
Prix : plusieurs prixRenseignements : Renseignements : www.galerie29.org
royalglasgowinstitute.oess.uk/entrydetails. Date limite d’inscription : par e-mail B. J. SPOKE GALLERY
aspx ?exhID=39 (galerie29@mjcevian.com) avant 37E EXPOSITION ANNUELLE
Date limite d’inscription : 1er octobre 2017 le dimanche 15 octobre 2017 Dates d’exposition : mars 2018
Lieu d’exposition :
SURRENDER TO SMALL - 137E EXPOSITION D’HIVER DE 299 Main Street,
SMALL WORKS JURIED ART SHOW LA ROYAL SCOTTISH SOCIETY Huntington NY 11743, États-Unis.
Dates d’exposition : 12 novembre 2017 OF PAINTERS IN WATERCOLOUR Juge : Cara Manas, assistant-conservateur
Lieu d’exposition : Dates d’exposition : janvier 2018 (peinture et sculpture) au Museum of
Volition Gallery Lieu d’exposition : Modern Art.
103 S. Greenbush Road Royal Scottish Academy Frais d’inscription : 35 USD.

La prochaine édition
d’Aquarell’Eure est Lilias August a remporté en
prévue du 5 au 2017 le Dry Red Press Award
13 mai 2018. de la Royal Institute of
Painters in Water Colour.
Eban, ainsi que

Roland Palmaerts,
sont les deux
JOHN MOORES PAINTING PRIZE
invités d’honneur Dates d’exposition :
de la Biennale de juillet novembre 2018
internationale Lieu d’exposition :
d’aquarelle du Bassin The Walker Art Gallery,
d’Arcachon, qui aura
lieu l’été prochain. William Brown Street,
Sandi Anderson Liverpool, L3 8EL, Royaume-Uni.
a remporté le Frais d’inscription : £25 par artiste
Prix House for
an Art Lover Prix : plusieurs prix dont un premier prix
d’une valeur de de £25 000, quatre prix de £2 500.
£1000 lors de la Renseignements : www.liverpoolmuseums.
136e exposition
de la Royal
org.uk/walker/johnmoores/
Scottish Society Date limite d’inscription : novembre 2017
of Painters in
Watercolour en
2016.
FONDATION FRANÇOIS SCHNEIDER
Dates d’exposition : courant 2018
Renseignements : www.callforentry.org/ le centre culturel (rue Verte), le lavoir, Lieu d’exposition :
festivals_unique_info.php ?ID=4592 27600 Gaillon, France. Fondation François Schneider,
Date limite d’inscription : 11 novembre 2017 Frais d’inscription : aucun. 7 rue de la Première Armée
Renseignements : 68700 Wattwiller, France.
ROYAL WATERCOLOUR SOCIETY adagge.fr/aquarelleure-2018/ Pas de frais d’inscription
CONTEMPORARY WATERCOLOUR Date limite d’inscription : Prix : 20 000 euros
EXHIBITION 30 septembre 2017 Renseignements :
Dates d’exposition : entre mars et avril 2018 www.fondationfrancoisschneider.org
Lieu d’exposition : WFWS43 – SOUTHERN ARIZONA Date limite d’inscription : 1er novembre 2017
Royal Watercolour Society WATERCOLOR GUILD
Bankside Gallery Dates d’exposition : CONTEMPORARY ART AWARDS 2018
48 Hopton Street, Londres SE1 9JH du 5 mai au 24 juin 2018 Exposition en ligne
Royaume-Uni Lieu d’exposition : Lieu d’exposition : en ligne.
Frais d’inscription : . SAWG Gallery Frais d’inscription : 40 AUD.
Prix : plusieurs prix dont le David Gluck 5420 E Broadway BLVD Ste # 240 Prix : 5 510 AUD de prix, dont un prix
Memorial Award d’une valeur de £750 Tucson, AZ 85711-3725, États-Unis. de 3 000 AUD.
Renseignements : https://www. Juge : Ted Nuttall, AWS, NWS Renseignements :
royalwatercoloursociety.co.uk Frais d’inscription : 40 USD www.contemporaryartawards.com
Date limite d’inscription : décembre 2017 Renseignements : Date limite d’inscription :
wfws.org/upcoming-exhibition-wfws42 28 novembre 2017
PRIX DE DESSIN ADELAIDE PERRY Date limite d’inscription : 1er décembre 2017
Dates d’exposition : du 2 au 29 mars 2018 BIENNALE INTERNATIONALE
Lieu d’exposition : 206E EXPOSITION DU D’AQUARELLE DU BASSIN D’ARCACHON
Adelaide Perry Gallery ROYAL INSTITUTE OF PAINTERS Dates d’exposition : du 4 au 19 août 2018,
Croydon Centre for Art, Design & IN WATER COLOUR vernissage le 4 août 2018
Technology, Corner of Hennessy and Dates d’exposition : du 5 au 13 mai 2018 Lieu d’exposition :
College Streets, Croydon NSW 2132, Lieu d’exposition : Biennale internationale d’aquarelle
Australie Mall Galleries, du Bassin d’Arcachon
Pas de frais d’inscription The Mall, St. James’s, Salle polyvalente, Place du Souvenir
Prix : prix acquisitif de 25 000 AUD, prix Londres SW1, Royaume-Uni. 33470 Le Teich, France.
du public de 2 000 AUD (non acquisitif). Frais d’inscription : £15 par œuvre Frais d’inscription : 70 euros.
Renseignements : www.plc.nsw.edu.au/ au moment de l’inscription (£10 par œuvre Pas de prix
microsites/adelaide-perry-gallery/adelaide- pour les artistes de moins de 35 ans). Renseignements :
perry-prize-for-drawing Prix : de nombreux prix, dont le Prix www.biennaleaquarelleleteich.com/
Date limite d’inscription : 10 janvier 2018 Leathersellers de £1 000. inscription-exposition/inscription-fr/
Renseignements : www.mallgalleries.org. Date limite d’inscription : 17 février 2018
AQUARELL’EURE 2018 uk/call-for-entries/open-exhibitions/royal-
Dates d’exposition : du 5 au 13 mai 2018 institute-painters-water-colours
Lieu d’exposition : Date limite d’inscription : inscription en Rubrique réalisée par :
La salle du conseil municipal, ligne entre le 2 et le 5 octobre 2017 Laurent Benoist / Photos : D. R.

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L'Art de L'aquarelle - Decembre 2017

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14 A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

WILLIAM HENRY HUNT AQUARELLES

A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 15

L’Art de l’Aquarelle : Comment s’est effec-

16 A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

A QUARELLE N° 34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 17

FOIS ATTIRÉ UN GRAND NOMBRE DE VISITEURS,

La Biennale d’aquarelle de Brioude

18 A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

Invitée à Brioude en tant qu’artiste performeur,

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A QUARELLE N°34 / S EPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 19

Pierre Mach / France

Spatule blanche. Aquarelle, 60 x 40 cm.

La nature et le monde sauvage sont mes

20 A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

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A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 21

LE THÈME ? PEINDRE LE BLANC…

commentaires sur leurs travaux. »

Par groupe de deux, chaque

Toutes les couleurs peuvent

Le premier jour, nous

A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 23

A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 25

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26 A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017

A QUARELLE N°34 / SEPTEMBRE - NOVEMBRE 2017 27

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