El claroscuro

El claroscuro, palabra proveniente del italiano chiaroscuro,1 es una técnica de

pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos
iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos
elementos.2 Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de
las formas, a través de la gradación de tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente
por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría su
madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado
tenebrismo.3

El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es

empleado más específicamente para una técnica de grabado en xilografía, que por
medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen
pintadas a la acuarela.4 El primer uso conocido del término, con este significado, se
atribuye al grabador italiano del siglo XVI Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea
de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros grabadores que trabajaron
esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los grabados de Da
Carpi, el efecto del claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente
de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin embargo, las áreas oscuras
no están tan acentuadas como llegarían a verse en
la obra de los principales difusores del chiaroscuro,
Caravaggio y Giovanni Baglione.

La técnica se impondría también entre los

manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última
Cena de Tintoretto o su Retrato de dos hombres,
que presagia las composiciones de Rembrandt. El
pintor holandés ha sido uno de los más conspicuos
practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su
composición para destacar sólo su objeto
específico.

El dibujo
El dibujo es el arte y técnica de dibujar. Mediante el acto de dibujar, queda
plasmada una imagen, sobre un papel, lienzo o cualquier otro material, haciendo
uso de diferentes técnicas.
El dibujo es una forma de expresión gráfica en un plano horizontal, o sea en dos
dimensiones. Es también una de las artes visuales. A lo largo de los años la
humanidad lo ha utilizado como una forma de expresión universal y también de
transmisión de la cultura, el lenguaje y demás.
El dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los objetos
reales, cuando hay cosas que las palabras no pueden explicar se dice que es mejor
dibujar. Siempre el artista realiza un trabajo mental previo a plasmar sus ideas, en
donde mezcla ideas, sentimientos, recuerdos u otros para obtener el acabado final.
Tipos de dibujos
 Artístico: En este tipo de di bujo se
expresan las ideas del artista, haciendo
uso de diferentes técnicas, como la
perspectiva, e incluso de materiales, ya
que existe una extensa variedad de lápices
y otros elementos para dibujar, como el
carboncillo.
 Técnico: Este segundo tipo es utilizado
para hacer representaciones de diferentes cosas, por ejemplo planos de
arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la principal intención
es representar de la mejor forma posible, de la más exacta, las dimensiones
y la forma de un objeto determinado. Es la clase de dibujo que utilizan los
profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera). A
su vez, el dibujo técnico tiene cuatro clasificaciones: natural, continuo,
industrial y definido.

El boceto
En la pintura, los términos boceto (del italiano
bozzetto), esbozo (del italiano sbozzare),
bosquejo (de bosq ue), borrador (de borrar) y
apunte (de punto o punta) se usan para
designar al proyecto, las pruebas o la traza
primera que se realiza previamente a la obra
definitiva. En un boceto los contornos y los
detalles no están definidos, sino insinuados de
forma esquemática (abocetados, esbozados o bosquejados).3 Aunque se puede
señalar algún matiz diferencial entre "boceto" y "esbozo",4 no hay en el uso general
una estricta diferencia conceptual entre cualquiera de estos términos, ni entre sí ni
con otros como "croquis" y "estudio", o con el muy poco usado "esquicio", que se
suele usar directamente con la palabra italiana, francesa o inglesa schizzo, esquisse
o sketch (esta última también designa a una escena cómica breve).56

Se utiliza la expresión estilo abocetado7 para designar al de los pintores cuya obra,
sólo aparentemente, tiene un aspecto de ejecución "fácil",8 "rápida" y "no
terminada" ("imperfecta" -non finito o "estética de lo inacabado"-), con predominio
de la gestualidad y la pincelada suelta, también llamada "impresionista". En
oposición, las obras en las que el pintor insiste en un acabado pulcro o pulido (fini,
"terminado", "perfecto") de los detalles se suelen calificar como de ejecución
"academicista" o "preciosista" (cuando no pompier o kitsch, términos peyorativos).

Caricatura
Una caricatura (del italiano caricare: cargar, exagerar) es un
retrato que exagera o distorsiona la apariencia física de una o
varias personas en ocasiones un retrato de la sociedad
reconocible, para crear un parecido fácilmente identificable y,
generalmente, humorístico. También puede tratarse de alegorías.
Su técnica usual se basa en recoger los rasgos más marcados
de una persona (labios, cejas, etc.) y exagerarlos o simplificarlos
para causar comicidad o para representar un defecto moral a
través de la deformación de los rasgos, en tal caso es una forma
de humor gráfico.

La caricatura también se usa abundantemente en la historieta,

pero sin limitarse a un género concreto por, pudiendo aparecer en hagiografías
como el Buda de Osamu Tezuka o en relatos costumbristas como los de Daniel
Clowes.

El diseño
Del italiano disegno, la palabra diseño se refiere a
un boceto, bosquejoo esquema que se realiza, ya sea mentalmente o en un
soporte material, antes de concretar la producción de algo. El término también se
emplea para referirse a la apariencia de ciertos productos en cuanto a sus líneas,
forma y funcionalidades.

Por ejemplo: “Me fascina el diseño del Museo Guggenheim de Bilbao”, “Estoy
trabajando en el diseño de un nuevo dispositivo para regar el jardín”, “El
departamento de Diseño ya me envió el prototipo: si todo marcha bien,
comenzaremos la producción el mes próximo”.
El concepto de diseño suele utilizarse en el contexto de las artes, la arquitectura,
la ingeniería y otras disciplinas. El momento del diseño implica
una representación mental y la posterior plasmación de dicha idea en algún
formato gráfico (visual) para exhibir cómo será la obra que se planea realizar. El
diseño, por lo tanto, puede incluir un dibujo o trazado que anticipe las características
de la obra.

La psicología de color
La psicología del color es un campo de estudio que está dirigido a analizar cómo
percibimos y nos comportamos ante distintos colores, así como las emociones que
suscitan en nosotros dichos tonos.

Hay ciertos aspectos subjetivos en la psicología del color, por lo que no hay que
olvidar que pueden existir ciertas variaciones en la interpretación y el significado
entre culturas. A pesar de todo, hay ciertos principios aceptados que vamos a
repasar en este artículo y que se aplican fundamentalmente a las sociedades
occidentales.
Y es que no suena nada rara la afirmación de que los colores provocan un efecto
emocional en nosotros. De hecho, forma parte de nuestro lenguaje cotidiano. En
otras palabras, es común hablar de colores cálidos, como el rojo, el amarillo o el
naranja, que pueden suscitar distintas reacciones, desde positivas (calidez) o
negativas (hostilidad y enfado). O, por contra, también solemos hablar de colores
fríos, como el verde o el azul, que suelen provocar una sensación de calma pero
también tristeza.

Ya que todos estamos familiarizados c on

estos conceptos, la psicología del color se
emplea en la vida cotidiana. Por ejemplo,
cuando pintas tu casa y consideras qué
colores quieres para tu hogar porque vas a
pasar muchas horas allí dentro. Cuando haces
eso, sueles tener en cuenta cómo te harán
sentir las diferentes tonalidades: ¿un gris
elegante para el salón? ¿una cocina verde que se asocie a la primavera y la
frescura? A lo mejor te gusta el yoga y la meditación y quieres una habitación blanca
porque sabes que tiene un efecto relajante. Esto son solo algunos ejemplos de cómo
empleamos la psicología del color casi sin darnos cuenta.

Danzas guatemaltecas
Entre las más de 20 comunidades lingüísticas mayas, la conquista española y la
colonia criolla existen prácticas de danzas culturales y bailes folklóricos que deben
diferenciarse.

Las primeras experiencias, tienen origen en las culturas prehispánicas como la

Maya. En ellas se incluye cosmovisión, filosofía, cultura e identidad propia.
bailando el son foto por banguate gob gt - Los Sones, Bailes y Danzas Folclóricas
en Guatemala
Bailando el Son – foto: banguate.gob.gt
Los bailes que vienen de la conquista española y de la colonia criolla, surgen del
mestizaje y la idiosincrasia de una población no indígena que tienen la necesidad
de mostrar su propia nacionalidad.

El folklore guatemalteco expresado en bailes es acompañado de música de

marimba, sencilla o doble.

En las culturas indígenas,

particularmente del pueblo Maya, se
revisten manifestaciones culturales,
espirituales, ecológicas como el agua,
bosque, flora y la fauna.

La parte cósmica va mediante las

danzas, en actos y escenarios
culturales, con ocasión de ferias y festividades patronales a las cuales se acoplaron
para sobrevivir hasta hoy.

Las danzas de origen prehispánico y otras de creación en la época republicana, son

llamadas a partir de la década de los 90 “Estampas culturales”. Estas van
acompañadas con instrumentos indígenas como el tun, la chirimía, el tzijolaj, y la
marimba de cuello o arco, la de tecomates, entre otros.

Los mayas-K’iche’, por su parte ejecutaron danzas con música de flautas de hueso
y conchas de caracol llamadas to’t.

Antes de la llegada de los españoles a Guatemala, este sitio ya contaba con danzas
establecidas.

Danzas urbanas
Las danzas urbanas tienen su origen en la cultura HIP HOP la cual nace en los
sectores marginales de la ciudad de New York en los años 70; sus habitantes por la
dificultad de asistir a discotecas costosas se reunían a compartir en lugares
llamados “Block Parties”.
En estos recintos, el Disc jockey colocaba la música, luego el MC empezaba a
cantar e improvisar y en los momentos de su descanso, grupos de personas se
subían al escenario a bailar Breakdance.

Lo que hoy se conoce como “Streetdance” o danza urbana, se baila con diferentes
tipos de música y varios estilos de baile.
BREAKDANCE: es la danza original asociada al Hip Hop, generalmente poco
estructurada y altamente improvisada.
LOCKING: se caracteriza por congelar movimientos rápidos sosteniendo una
posición específica y luego continuando con la velocidad anterior.
POPPING: perteneciente a los llamados "Funk Styles", consiste en mover partes del
cuerpo en movimientos marcados simulando un robot, combinándolo con diferentes
posturas y efectos visuales.
EL KRUMP o KRUMPING: es una forma relativamente nueva de danza negra
urbana. Es libre, con mucha improvisación, de movimientos enérgicos y expresivos
del torso y la cadera.
DANCEHALL: tiene su origen en las danzas africanas
y caribeñas; se caracteriza por ser un baile muy
sensual y se basa en una coreografía formada por
pasos que se nombran en la canción y que se repiten
varias veces.
HOUSE DANCE: es un estilo callejero bailado sobre
música House; basado en la improvisación y
complejos trabajos de pies, combinados con
movimientos fluidos y rítmicos del torso.

El sonido
El sonido es la percepción de nuestro cerebro (C) de las vibraciones mecánicas que
producen los cuerpos (A) y que llegan a nuestro oído a través de un medio (B).

Imaginemos una cuerda tensada entre dos puntos, sobre la que, a continuación,
pulsamos con un dedo. La cuerda comenzará a producir un movimiento ondulatorio,
desplazándose de un lado a otro, hasta llegar a alcanzar de nuevo el punto de
reposo inicial.

Todos esos movimientos son las vibraciones. Como esos movimientos no los
realizará en el vacío sino en el aire (aunque también podría hacerlo, por ejemplo,
dentro del agua), se producirá el desplazamiento de las moléculas, empujándose
unas a otras en forma de ondas. Esas ondas sonoras se desplazarán hasta llegar a
nuestro oído y de ahí pasarán a nuestro cerebro, que se encargará de reconocer e
interpretar la vibración percibida.

Fuentes de producción del sonido

Las ondas sonoras longitudinales se producen como consecuencia de una
perturbación periódica en el aire. El oído humano actúa como receptor de estas
ondas sonoras periódicas, percibiéndolas como sonido. El cuerpo sonoro puede
vibrar longitudinal o transversalmente.
Deben existir dos factores para que exista el sonido:
1. Es necesaria una fuente de vibración mecánica
2. Un medio elástico a través del cual se propague la perturbación
La fuente puede ser un diapasón, una cuerda que vibre o una columna de aire
vibrando en un tubo de órgano. Los sonidos se producen por una materia que vibra.
Los fenómenos que constituyen la base de la producción de sonido por
los instrumentos musicales son los siguientes:
 Establecimiento de un régimen de ondas estacionarias en un tubo, ya sea
cerrado o no por uno de sus
extremos y que resuena a varias
frecuencias. Así se afinan los
órganos y los instrumentos de viento.
 Producción de oscilaciones de
relajación: un flujo de aire que llega a
gran velocidad sobre un bisel agudo
se divide tanto a una de sus caras
como de la otra, y en cierto modo,
vibra como una lámina vibrante, así
se produce el sonido en los
instrumentos de viento.

Las cualidades del sonido

Generalmente se utilizan cuatro cualidades subjetivas para describir un sonido
musical: intensidad, tono, timbre y duración. Cada uno de estos atributos depende
de uno o más parámetros físicos que pueden ser medidos.
Desde el punto de vista de la intensidad, los sonidos pueden dividirse en fuertes y
débiles. La intensidad depende principalmente de la presión sonora (intensidad),
pero también del espectro de parciales y de la duración.
El tono o altura es la cualidad que nos permite distinguir entre un sonido agudo o
alto y otro grave o bajo. Para un sonido puro el tono viene determinado
principalmente por la frecuencia, aunque también puede cambiar con la presión y
la envolvente.
El timbre de un sonido es la cualidad en virtud de la que podemos distinguir dos
sonidos de igual frecuencia e intensidad emitidos por dos focos sonoros diferentes.
El timbre se debe a que generalmente un sonido no es puro y depende
principalmente del espectro. Pero también depende en gran manera de la
envolvente y de la frecuencia.
La duración física de un sonido y la percibida están muy relacionadas aunque no
son exactamente lo mismo. La duración percibida es aquel intervalo temporal en
el que el sonido persiste sin discontinuidad.

La escritura musical
Tenemos asumido que existe un lenguaje
escrito que sirve para representar en un medio
sólido (papel, madera, monitor, etc.)
al lenguaje hablado, de manera que
posteriormente puede ser leído e interpretado
por otras personas y trasmitirse así con toda
fidelidad a ot ras generaciones o,
sencillamente, a otros lugares. Se compone
como todos sabemos de una serie de signos que han ido evolucionando a lo largo
de la historia hasta representar con la mayor exactitud posible los sonidos que
emitimos.
Exactamente igual pasa en la música. Pero, si bien para representar la palabra
hablada es suficiente con los signos del alfabeto, cuando hablamos de sonido en
música, hemos de recordar las cualidades de
este: tono, intensidad, timbre y duración y todo aquello que ha de ser
representado de la manera más fidedigna. Así pues, un signo (o varios a la a vez)
nos ha de decir de un sonido exactamente cuán grave o agudo es, si es suave o
fuerte o si va a aumentando o decreciendo en su volumen, cuánto dura, cuándo
no hay sonido y en algunos casos, que instrumento ha de emitirlo. Como podemos
imaginar, representar un sonido (o una melodía, si queremos complicar el asunto)
es algo más complejo que representar una palabra o una frase.

El monologo
Monólogo es un discurso que genera una sola persona, dirigido tanto hacia un solo
receptor como hacia varios receptores (lectores, auditorio, a una cosa, a un
personaje o a un narrador). El monólogo es un recurso utilizado en todos los
géneros literarios que puede encontrarse tanto en poesía, cuento, periodismo,
revistas, guiones, discusión, teatro, como en novelas.
"El monólogo se diferencia del diálogo porque
resalta el papel del interlocutor implementando
interrogativas y referencias, las exclamaciones son
frecuentes y atiende de manera limitada al discurso
mismo. El personaje no se dirige a un interlocutor
material sino que habla o piensa para sí mismo con
autenticidad y desinhibición."1

El personaje se caracteriza por expresarse a través

de dos medios: la voz y el pensamiento. Ambos procedimientos admiten dos modos
de expresión:
1. Enunciados de voz citada y diálogo: se refiere a cuando la voz está aislada
o en réplica con otros personajes.
2. Enunciación de pensamiento: comprende el monólogo citado, monólogo
autocitado, monólogo autónomo y pensamiento referido. «Pero puede
suceder que la voz y el pensamiento aparezcan de modo cerrado, es decir,
se ofrezcan en la narración desde posicionamientos más o menos solapados,
produciéndose, por consiguiente, una cierta gradación según permanezcan
o no el enunciador o el sujeto cognitivo del personaje».

Presentación, nudo, desenlace

Introducción
En la introducción, se presentan los personajes, el
escenario, y demás elementos que conforman la
'normalidad' de la historia. Puede representarse c on
el Había una vez de los cuentos clásicos.
Es importante tener en cuenta que la normalidad puede
ser algo completamente anormal, terrible, o fuera de lo
común, pero presentado como introducción, pasa a ser
la normalidadde esa historia. La introducción sirve
también para inducir al lector hacia el nudo.
Nudo
El nudo empieza cuando aparece un elemento de
tensión que rompe con la normalidad planteada en la introducción. Se podría
representar con el Pero un buen día de los cuentos tradicionales
Desenlace
En el desenlace, llegado a un punto de tensión determinado, ocurre algún hecho
que re-ordena estos elementos y establece una nueva normalidad. A este punto se
lo conoce como final o desenlace.
Esta nueva normalidad puede ser similar a la previa al conflicto o mejor o peor o
completamente diferente. Lo importante es que el desenlace deja planteado como
serán las cosas a partir de ese momento. Puede representarse con ...y vivieron
felices para siempre como en los cuentos clásicos.
En el Cuento, esta estructura (el argumento) es el todo. Otras formas narrativas,
como la novela, admiten líneas argumentales adicionales (por ejemplo en cada
capítulo).

Actos, cuadros, escenas

La estructura externa es la forma como está organizada la obra:

•Actos: Un acto se distingue porque al terminar se

cierra el telón, además, implica un cambio importante
dentro de la historia.

•Escenas: Una escena se distingue porque hay un

cambio de personajes, sea que entra uno o sale otro.

•Cuadros: Un cambio de cuadro se distingue porque

hay un cambio en la escenografía, sea porque entran
o salen del lugar donde se encuentran los personajes

Sentido de la verdad
“No es lo que nos mantiene en la prisión de los prejuicios, sino aquello que
permite la libertad del ser humano”.

Como ya escribí aquí cierta vez, la verdad siempre ha

presentado muchas facetas, y en su nombre la
humanidad ha cometido algunos de sus peores
crímenes. Se destruyó la cultura de muchas
civilizaciones y los que buscaban un camino diferente
fueron marginados. Uno de ellos en nombre de la
“verdad” terminó crucificado; pero antes de morir nos
dejó la gran definición de la verdad.
Ella no es lo que nos da certezas, ni profundidad, ni
nos hace sentir mejor que otros. No es lo que nos
mantiene en la prisión de los prejuicios, sino aquello
que permite la libertad del ser humano.
“Conoceréis la verdad, y la verdad os hará libres”, dijo Jesús. A continuación,
algunas reflexiones al respecto.