Nombre: Alex Milvan Magne Mamani

Materia: Temas de Historia de la música III

1 LAS FUENTES

Las grandes estructuras tonales de los siglos XVII y XIX se desarrollaron gracias a la

expansión del uso y significado del cromatismo. Otra característica de la tonalidad

tradicional desarrollada fue el uso estructural de la modulación. Mediante la técnica de

la modulación el cromatismo llego a desempeñar un papel estructural importante

(estructuras tonales XVIII y XIX) y muy especial en las formas tonales del siglo XVII.

En compositores románticos, Chopin y Liszt, por ejemplo, el cromatismo desempeño su

mayor papel en lo que respecta al detalle expresivo; Brahms y, especialmente, en las

gigantescas estructuras del drama musical wagneriano, funciono tanto como detalle

cuanto como base para la prolongación estructural. Tristan e Isolda (1865) es parte de la

tradición en cuanto su cromatismo extremo esta aun basado en la expectativa frustrada

por la resolución “falsa” y evasiva. Bruckner, Strauss y Mahler emplearon la nueva

libertad armónica, melódica y modulatoria como base para un estilo tonal del tardío

romanticismo. Max Reger (1873-1916) fue el que utilizo el idioma cromático de

Wagner, pero era un cromatismo cuidadosamente sistematizado, basándose en formas y

procedimientos del siglo XVIII, derivados de Bach y Mozart. Influyo teóricamente a

Hindemith.

Arnold Schoenberg (1874-1951) influido directa y completamente con Wagner.

Schoenberg creo la música dodecafónica con un estilo parecido de Tristan de Wagner

con obras como Veklarte Nacht (1899), el ciclo Gurrelieder (1901), Pelleas und

melisande (1903) y el primer y segundo cuarteto de cuerdas, las implicancias de Tristan

y Parsifal son continuadas hasta más allá del campo de la expectativa y las formas

tonales. En contraste Strauss desarrollo muy pocas técnicas nuevas y esencialmente no

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descubrió nuevas formas universales. El caballero de la rosa no desarrolla las

implicancias de la revolución wagneriana y mas bien completa la exploración de las

mismas. Pero es imposible negar el impacto de obras como Salome y Electra en el

comienzo de la evolución de la música del siglo XX. Strauss logra demorar hasta

suprimir la resolución de la “disonancia” armónica y melódica, extiende este principio

de libre movimiento “disonante” para producir formas de “asociación libre”. No

abandona la tonalidad funcional (El caballero de la rosa – Ariadna en Naxos). Siendo

Ariadna la primera composición neoclásica. Stravinsky necesito destruir la tonalidad

funcional para luego inventar un nuevo tipo de tonalidad que la remplazara.

Strauss llego hasta el borde del abismo y luego retrocedió. Redefinió sus limites y los

de la tonalidad funcional. Vivió hasta la mitad del siglo XX y se convirtió el único que

aceptaba y creía en las limitaciones.

Mahler duplico la revolución Wagneriana al adaptar la tradición sinfónica a una

concepción vocal y lirico-dramática del discurso musical. El lenguaje básico de Mahler

es la practica corriente del siglo XIX decididamente tonal y hasta fundamentalmente

diatónico. Expuso ideas relativamente simples y aparentemente limitadas y las plasmo

en enormes y poderosas estructuras. Su visión esencialmente nueva de la tonalidad, lo

mismo que su notable expansión de la estructura de la frase, uso y organización de la

modulacion y del color han ejercido importante influjo en el siglo XX.

Ferruccio Busoni su esquema para una nueva estética de la música de 1907, anticipo

parte del desarrollo de ideas contemporáneas con claridad visionaria. Elegias para piano

de 1907, fue tanto un retorno a los ideales del siglo XVII al igual que Reger.
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La tradición tonal en sus formas más típicas, es Italo-Germana y llego a su fin en

Eurpoa Central en virtud de su propio desarrollo cromático y contrapuntístico. La

música Hungaro-Gitana de Liszt y Brhams sugiere ciertos usso melódicos que se apartan

del uso tonal diatónico normal. Las ideas modales orientales aparecen en trabajos de

compositores como Dvroak y el grupo ruso de “Los cinco”. Mussorgsky adopto estas

ideas en la formación de un estilo melodico y armonico que frecuentemente cotradecia

las nociones tonales-contrapuntisticas entonces prevalentes.

La verdadera evolución de la practica francesa se ha realizado en forma

completamente independiente de la evolución tonal Italo-Germana. Esta independencia

con flexibilidad métrica, rítmica y de fraseo, está estrechamente vinculada al carácter

libre no acentual del idioma francés. Con cualidad de prosa fluida y poética opuesta a la

construcción en verso de la música italiana o alemana y a su vez menos direccional y

mas colorida. Los compositores franceses con la notable excepecion de Berlioz,

tendieron a aceptar las formas clásicas rítmicas y estructurales de la música italo-

germana. La influencia de Wagner fue decisiva en la ultima parte del siglo XVIII

sugiriendo una prosa fluida y un color expresivo. El cromatismo llego a Francia pasando

por Bélgica, a través de la obra de Cesar Frank. Sus seguidores Vincent D’Indy y Ernest

Ghausson, utilizaron extensos esquemas de modulación cromática, combinados con un

sentido flexbile y asimetrico de la línea melódica y una tendencia hacias las ricas

armonias cromáticas que se desvanecían en inflexiones de color muy a la francesa.

La tendencia hacia un estilo melódico flexible se unió a una rica, sensual y sutil

paleta armónica, libre de todo wagnerismo en la obra de Gabriel Faure, desarrollando

cromatismo poético y esfumado dentro del marco de un refinado ycomplejo sentido de la

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estructura tonal.Fuere, Reger y Mahler nunca abandonaron la tonalidad funcional, pero

la libertad y sutileza de su estilo representan el clima artístico de Francia en el final del

siglo XIX y sugieren, paralelamente a Debussy.