ESCUELA SUPERIOR DE FORMACIÓN ARTÍSTICA QUETZALTENANGO

MAGISTERIO EN ARTES PLÁSTICAS

PROMOCIÓN 2006-2008

QUETZALTENANGO, 2008
 Nomina de Alumnos
Promoción 2006-2008

Aguilar Cabrera, Byron Abner.

Aguilar Cabrera, Pedro.

Cabrera de León, Julio

Caniz Muy, Elmer Anacleto.
Cayax Chojolán, Jacqueline Scarleth.
Cuá, María Eugenia.

Cuzal Estrada, Cecilia Teresa.

de León Mejía, Edgar Roberto.
García Polanco, Jennifer Guisela.

López García, Martín.

Pérez Pérez, María Gloria.
Pérez y Pérez, Alvaro Diego.

Poncio Monrroy, Cesar Francisco.

Romero Méndez, Maynor Alexander.
Salanic Colop, Gladys Aracely.
Tzaj Guarchaj, Pascual Federico.

Velásquez Sánchez, Elmer Omar.

Xiloj Cabrera, José Luis.

ASESOR:
PEM en Psicología Gloria Analí Sac Cúa.
REVISOR:

Lic. Eduardo Sac.

 INTRODUCCIÓN

Los alumnos de Sexto Magisterio en Artes Plásticas de la Escuela Superior de Formación

Artística de Quetzaltenango ESFAQ. Presentamos al lector de este TEMARIO en el cual
incluimos temas relacionados con las ARTES PLASTICAS.
El arte como forma de expresión del sentimiento ha tenido diversos cambios durante la
historia, cada etapa con su peculiar forma de interpretar y manifestar las vivencias de los
pueblos. Como lo proyectaban nuestros antepasados Mayas.
Dentro de las Ramas de las Artes Plásticas esta: el dibujo, la pintura, la escultura y otros
que serán explicados más adelante.
También se podrá observar los fundamentos psicopedagógicos necesarios en el estudio de
las Artes Plásticas, más aun como factor importante en la formación de Maestros en Artes
Plásticas, para la realización adecuada en el hecho educativo dentro de la práctica
supervisada.
Es un gusto presentarlo esperando enriquezca su conocimiento en esta rama del Arte.
 I CAPITULO

NOCIONES FUNDAMENTALES DE ARTES PLÁTICAS.

1.1 ARTE:

Arte es la aplicación de la habilidad y del gusto a la producción de una obra según

principios estéticos. El concepto de Arte va asociado al concepto de Obra de arte, que no
es otra cosa que el producto o mensaje considerado primariamente en función de su
forma o estructura sensible (estética). El Arte es el acto o la facultad mediante la cual el
hombre imita o expresa y crea copiando o fantaseando, aquello que es material o
inmaterial, haciendo uso de la materia, la imagen, el sonido, la expresión corporal, etc., o,
simplemente, incitando la imaginación de los demás. Un arte es una expresión de la
actividad humana mediante la cual se manifiesta una visión personal sobre lo real o
imaginado.

El término arte procede del latín ras. En la Antigüedad se consideró el arte como la pericia
y habilidad en la producción de algo. Es hasta finales del siglo XV, durante el Renacimiento
italiano, cuando por primera vez se hace la distinción entre el artesano y el artista
(artesanía y bellas artes) y, equivalentemente, entre artesano (productor de obras
múltiples), y artista (productor de obras únicas). Es también en este período cuando se
crea un lenguaje articulado para referirse al exterior y no a la representación formal,
quedando clasificadas las artes liberales (las actuales bellas artes) en tres oficios:
escultores, pintores y arquitectos.

1.2 CLASIFICACIÓN DE LAS BELLAS ARTES:

1.2.1 ARTES RITMICAS:

Son las artes del ritmo o del tiempo, y comprende a la poesía, danza, teatro y música.

1.2.2 ARTES PLÁSTICAS:

Diremos de Plástica que es el arte de expresar representativamente con materiales

adecuados como arcilla, yeso, piedra, metal y más. Dicho de otra manera es modelar una
sustancia blanda o adecuada para obtener una obra de arte, ejemplos claros son la
arquitectura, la artesanía, la caligrafía, las formas y colores. Si tomamos en cuenta las
definiciones de arte y plástica podemos definir las Artes Plásticas como: La expresión de
los sentimientos a través de una amplia gama de materiales, formas, líneas, colores,
utilizando para ello la pintura, la arcilla, el metal, etc., que desemboca en expresiones
como Arquitectura, Pintura y Escultura, principalmente.
PINTURA:

Es el Arte de representar imágenes reales, ficticias o, simplemente, abstractas sobre una

superficie, que puede ser de naturaleza muy diversa, por medio de pigmentos mezclados
con otras sustancias orgánicas o sintéticas.

ESCULTURA:

Es el Arte de crear formas figurativas o abstractas, tanto exentas como en relieve,

utilizando materiales maleables.

DIBUJO:

Es el Arte que utiliza la representación gráfica sobre una superficie, por medio de líneas o
sombras, de objetos reales, imaginarios o abstractos.

1.3 ELEMENTOS FUNDAMENTALES EN LAS ARTES PLÁSTICAS:

FIGURA - FONDO

Ley de la psicología de la Forma, formulada por Mex Wertheimer que establece la

tendencia a subdividir la totalidad de un campo de percepción en zonas más articuladas
(figuras) y otras fluidas y desorganizadas que constituyen el fondo. Según esta ley toda
superficie rodeada tiende a convertirse en figura en tanto que la restante actuará como
fondo. Wertheimer fijó, además, otras leyes principales que determinan el fenómeno: todo
objeto sensible existe contra un fondo; la figura tiene calidad de cosa, el fondo calidad de
sustancia; nunca los límites son comunes a ambos campos; siempre pertenecen a la figura;
se tiene la impresión que el fondo `pasa' por detrás de la figura; la figura es por lo general
el campo de menor tamaño; el color es más denso y compacto en la figura que en el
fondo; también aquella presenta mayor estabilidad, claridad y precisión, apareciendo
siempre más cerca del espectador. Todo lo de la figura se recuerda mejor.

IMAGEN

Se llama usualmente imagen a las representaciones que tenemos de las cosas. En alguna
medida imagen y representación son sinónimos y se refieren a los diversos tipos de
aprehensión de un objeto presente, la representación de percepciones pasadas, estar
ligado a la imaginación en la libre combinación de percepciones pasadas o a la alucinación.
Las imágenes o representaciones pueden ser acústicas, ópticas, eidéticas, no eidéticas,
afectivas, volitivas, etc. En el sentido artístico, la imagen plástica puede ser definida como
el resultado de un proceso de creación, en el que, buscando la adecuación de los
materiales, las técnicas y la organización sufre una transformación de las impresiones
sensoriales, de fantasías mnémicas, supone siempre la actualidad de la experiencia, la que
aparece a través de la imagen; esto hace suponer a la vez una experiencia anterior. La
imagen trae consigo la actualidad del objeto convocante de lo dado.

PERCEPCIÓN

El término alude primariamente a una aprehensión, sea cual fuere la realidad aprehendida.
Percibir es en efecto recoger, si se recoge o aprehende notas intelectuales se habla
entonces de nociones. El rojo o el verde no son sensaciones, son algo sensible, y la
cualidad no es un elemento de la conciencia, sino una propiedad del objeto.‖ También es
distinta de la intuición intelectual, parece ser equidistante de ambos actos. Distingue entre
percepción interna y externa, llamadas a veces intuiciones. La interna llamada también
inmanente, son vivencias intencionales, cuya esencia consiste en que sus objetos
intencionales, cuando existen pertenecen al mismo flujo vivencial. La percepción es
sensible cuando aprehende un objeto real, `que es aprehendido directamente' y categorial
cuando aprehende un objeto ideal, es decir cuando se constituyen nuevas objetividades
que se fundan en las anteriores y se refieren a ellas. Dentro de este campo la percepción
tiene una base sicológica, pero con un propósito ontológico. No se supone al mundo
percibido el mundo de las ideas. La idea descansa sobre la percepción. El mundo percibido
es el fondo siempre presupuesto por toda racionalidad, todo valor y toda existencia. Para
dar un ejemplo, al observar una mancha clara, sobre un fondo oscuro homogéneo, todos
los puntos que integran la mancha, tienen una función, hacer de ellos una figura. El color
de la figura parece ser más denso que el del fondo, hay contraste; los bordes de la mancha
de la figura, le pertenece totalmente a ella; la figura parece colocada sobre el fondo, al cual
no interrumpe y que pasa por debajo de ella. Esto constituye una percepción elemental,
pero como cada parte anuncia más de lo que contiene, ya está cargada de sentido.

PROPORCIÓN
La proporción es un factor de suma importancia en la vida y el que más ciertamente se
asocia con la belleza. Si estudiamos el cuerpo humano y la forma de otros seres vivientes,
elementos naturales u objetos, es muy probable que su belleza dependa de la proporción,
o de la relación en que se encuentran sus diversas partes con respecto al todo.

PUNTO
Según Wassily Kandinsky, es el elemento plástico básico. Siguiendo sus conceptos el punto
en plástica no es un ente material, sino que al reclamar una cierta superficie sobre el
plano, se materializa, posee límites, sus tensiones internas y comienza a vivir como ente
autónomo; en él se encuentra el embrión de la línea y el plano, pero se lo percibirá como
punto si en relación con el plano que lo contiene y los elementos que lo rodean, su
tamaño es adecuado a la percepción de un punto. Su forma externa es variable, sea
circular, triangular, trapezoidal, como simple mancha sin características geométricas, etc.
Constituye el `sonido' elemental de la plástica y con sólo un punto sobre el plano éste ya
comienza a expresarse estructuralmente. Existe una designación geométrica del punto a
través de la O. igual `origo' es decir, origen, comienzo.

PLANO
Tiene dos dimensiones. Rectángulo del cuadrado. Se le denomina también al nivel espacial.
Que guarda siempre características de chatura, de mucha profundidad. Desde el punto de
vista geométrico, el plano puede ser representado sobre una superficie, pero en el espacio
no es posible representarlo sin espesor, tiene que existir como material, en este caso si el
alto y el ancho predominan con respecto al espesor percibimos la forma como un plano.
Hay dos tipos de plano. El plano regular y el plano irregular; el plano regular se refiere a
que tiene una forma definida como por ejemplo las figuras geométricas, y el plano
irregular es aquella figura que no tiene su forma bien definida como puede ser una
manchas o un garabato.

MOVIMIENTO
Es el foco de atención más fuerte en una comprensión. Sugerencia que logra en un orden
plástico debido a la aplicación, en la organización, de determinados fundamentos visuales:
destino común, buena dirección, agrupamiento, secuencia lineal, transponibilidad,
progresión, alternancia, etcétera. Tensión existente entre varios elementos formales o
lineales y el campo que los contiene, a través de la cual las figuras son atraídas, repulsadas
o aquietadas provocando la sugerencia del movimiento o desplazamiento. Según la regla
de Duncker, en la experiencia de desplazamiento el marco tiende a permanecer fijo,
mientras que el objeto dependiendo de ese marco ejecuta el movimiento. La estructura
del contexto en el espacio y en el tiempo determinan la percepción del movimiento; de
igual manera ocurrirá con las propiedades del movimiento, es decir velocidad y dirección
(la velocidad puede ser constante, cambiar en progresión regular o abruptamente). El
movimiento se percibe dentro de ciertos límites de velocidad, el minutero del reloj,
aparentemente parece quieto, dada su escasa velocidad, pero las paletas de un ventilador
se ven como una forma borrosa y quita dada su alta velocidad. De igual manera un objeto
pequeño parecerá desplazarse a mayor velocidad que uno de gran tamaño. La dirección
está determinada por el sentido de la secuencia en que un objeto, forma, color, etc. sigue
en un orden dado, o por la tensión de una línea, forma, etc. con respecto a un borde o en
su propia dinámica, así vemos desplazarse hacia arriba a una vertical con velocidades
distintas en sus extremos, subir a un triángulo isósceles, dirección igual en una horizontal
con mínima diferencia de velocidad hacia la izquierda, y carecer de dirección a un
cuadrado. Es decir, los elementos axiales expresan movimiento, una catedral gótica es
ascendente. Las superficies curvas expresan movimiento doble, acercarse y alejarse.

El movimiento puede ser continuo, con dirección establecida, lineal o giratoria. La forma
del movimiento puede ser simple o compleja, cuando por ejemplo, varios elementos
realizan igual movimiento con igual ritmo, o cuando dos o más grupos realizan distintos
movimiento organizados con ritmos distintos entre sí.
CROQUIS
Diseño rápido y ligero que se hace de un terreno, de un paisaje, de una posición militar,
etc., sin valerse de instrumentos ni aparatos geométricos en forma de dibujo y como
tanteo o preliminar de algo que puede completarse. A pesar de ello un croquis no carece
de mérito. Incluso algunos, realizados por grandes artistas, se consideran actualmente
como obras de gran valor, debidamente apreciadas y con categoría de producciones
artísticas. Son famosas, por ejemplo, algunos croquis de Rafael, Rubens, Leonardo Da
Vinci, etc.

BOCETO O BOSQUEJO
En pintura, es la plasmación de la primera idea del artista, realizado en un borrador, es
decir, en una superficie apta simplemente para trazar unas líneas y dar unos colores, todo
de forma rápida, y con el único objeto de conocer el objeto que ha de producir la obra
definitiva.

TONO
Color integrado en todas sus dimensiones. Se denomina también tono a la escala
resultante de un color mezclado sea con blanco, negro o gris, es decir, al matiz o bien con
su color complementario.

ESCALA DE VALORES:
Es el orden de los gradientes que se encuentran entre los extremos máximos. En este
caso se refiere sólo a variaciones crecientes o decrecientes de claridad, ubicadas entre
polos de claridad u oscuridad.

TONALIDAD
Es la resultante de diversas relaciones del tono, conceptuado en todas sus dimensiones,
que por su organización tienden a provocar un tipo tal de orden de color que se
manifiesta moviéndose hacia la armonía, el contraste o la relación de temperatura. Frente
a un cuadro siempre se hace referencia a la tonalidad dominante, sea armónica, por
predominio de un solo color (monocromático), por predominio de un color al cual los
otros tienden a asemejarse por mezcla (tonalidad rojiza, azulada, etc.), tanto como por su
oposición (contraste), o por su temperatura (tonalidad cálida o fría). Puede darse también
en valores de grises.
VALOR

Grados de claridad u oscuridad que existen entre dos extremos de valor, por ejemplo,
blancos y negros. El valor pone de manifiesto un mayor o menor grado de la posibilidad
lumínica, ligada ésta siempre a la claridad u oscuridad del mismo. El valor no es condición
única de los grises que resultan de la mezcla de blanco y negro, sino de toda aquella
superficie que refleje más o menos luz. Así el color puro tiene un valor que es intrínseco,
dependiendo siempre de su grado de claridad, teniendo en consecuencia una ubicación
con respecto a la escala de valores; de esto resulta que el amarillo es más claro que el
violeta y el rojo anaranjado, tanto como el azul verde se encuentran en el centro de estos
extremos. El valor de un color puede a su vez ser variado y controlado por las mezclas
que él mismo sufra, sea con blanco, negro, grises y sus complementarios, en este caso no
sólo varía su valor sino a la vez su saturación, dado que la mezcla quebranta el color,
neutralizándolo y haciéndole perder su pureza.
 II CAPITULO

HISTORIA DEL ARTE

Historia del arte se refiere a la historia de las manifestaciones humanas y las artes visuales
basándose en la esquematización en que se encuentran dividido, tales como la pintura,
escultura, dibujo y arquitectura. Las definiciones abarcan las teorías de las artes visuales
desde sus comienzos hasta nuestros días. La historia del arte trata de realizar un análisis
a través de culturas y periodos, identificando mediante a sus influencias y características
que lo distinguen de su periodo.
En donde surgió y se desarrollo la historia del arte, fue en el occidente, al principio solo se
inclinaron en la pintura occidental, específicamente al inicio del modernismo o de ciertas
limitaciones, mediante una visión artística se ha expandido tratando de establecer
sociedades en un descripción global analizando sus patrimonios culturales. Con relación a
las artes visuales se considera las creaciones del hombre que posee belleza, de los
monumentos megalíticos de Europa occidental a las pinturas de la dinastía Ming en china.
El estudio de la Historia del Arte es una rama inmensa, que va directamente relacionado
con la historia de la humanidad y su existencia. Para facilitar el aprendizaje prefirieron
clasificarlos en etapas históricas y disciplinas de trabajo.
Para facilitar el estudio de Historia del Arte, los historiadores han optado en dividir en
varias etapas, las más utilizadas y de mayor importancia en su época difundida y son estas
que a continuación se le presentan:

2.1 PREHISTORIA:

ÉPOCA PALEOLÍTICA
Las manifestaciones pictóricas de esta época son llamadas pinturas rupestres. Estas
pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de
cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la
expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico – religioso porque se
presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que
pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran
líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la cueva, luego
interviene el color, rojos y negros mayormente. A esta primera fase del arte rupestre se le
ha denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras aparecen hechas con trazos burdos,
los animales los realizan de perfil y las figuras se presentan aisladas. Luego, hay una
segunda fase, la Solutrense, en donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el
color y los perfiles aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada
Magdaleniense, en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una
asociación de la figura humana con la figura animal en las representaciones, hay variada
policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del
Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de las formas,
adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.

PINTURA:
Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época paleolítica o de la Piedra
Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre. Estas pinturas se han localizado en
diversas regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas,
alcanzando grandes dimensiones. Responden a la expresión de una cultura cazadora, se le
atribuye un carácter mágico-religioso porque se presume fueron realizadas como rituales
para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras
manifestaciones plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes
blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente.
Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de la pintura rupestre es la
esquematización de las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.

ESCULTURA:
El Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma humana. Son figuras femeninas, en
hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño, relacionadas con el culto a la fecundidad. Se
las conoce con el nombre genérico de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las
Venus de Willendorf, Lespugue, Savignano y Grimaldi.

ARQUITECTURA:
En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y la escultura pierden importancia
y en cambio se desarrolla al final del período una arquitectura de enormes piedras que
recibe el nombre de Arquitectura Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras,
estos monumentos son de varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.
2.2 ARTE EGIPCIO

La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente
para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella
se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una
gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con
respecto a la representación de la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes
rasgos: Ley de Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos,
vientre y pies de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro
y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías.
Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es
empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.

ARQUITECTURA:
Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la arquitectura, arte en que dejaron
monumentos que asombran por su grandeza, hermosura y por la habilidad de los
ingenieros constructores. Entre sus obras se destacan los Monumentos Funerarios:
Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los Monumentos de Culto: Speos y Templos.

PINTURA:
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio excelente
para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de religiosidad; en ella
se observa la pureza de la línea, la armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una
gran gama de colores que la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La
representación de la figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de
Torsión o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies de
frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo seguro y firme.
Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos tipos de armonías.
Representación de escenas de la vida real. Carácter decorativo en atención a que ella es
empleada en las paredes de templos, tumbas y palacios.
ESCULTURA:
A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por distintas etapas en cada una, por
causas políticas y religiosas cambió de dirección, desde la inspiración naturalista a la
construcción idealizada de la figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado,
Rahotep y Nefret, la cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de
Gizeh, entre muchos otros.
2.3 ARTE GRIEGO

Floreció entre los siglos VII y II antes de C., en Grecia y otros territorios del
Mediterráneo habitados por los griegos. Se caracteriza por su idealismo estético,
proporcionalidad, equilibrio de los elementos y su interés por reflejar la expresividad
genuina en la figura humana; por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El
atletismo, tan cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas artísticas; así, los
griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la escultura y la arquitectura.
El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por darle a
sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía y equilibrio de
elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo. Grecia, es una pequeña
península situada al sureste de Europa. Pero en este pequeño país nacieron las primeras
ideas que dieron forma a la cultura occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y
modos de pensar son una consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.

ARQUITECTURA:
En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento sustentador de
sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de construcción utilizado fue el
adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los templos como exponentes principales,
luego, los teatros, las acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las
ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron
origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.
MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol, el cual
pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.

ESCULTURA:
La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a convencionalismos. El escultor tiene
libertad de expresión, sin embargo, toda ella busca y logra la perfección humana, por tanto
es una escultura dedicada a exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el
movimiento y la expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura
humana. La escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con
características propias en cada una de ellas. Estas son:
- Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los escultores buscan un estilo y una
técnica propios. En ella aparece la figura femenina y masculina, al inicio estas figuras eran
de tipo hierático, sin movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos
se despegan del cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas
como ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos (atleta), la
Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios, etc.
- Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas las manifestaciones
artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección de sus técnicas, así como las
mejores piezas escultóricas, en donde se observa la magnificencia de la figura humana. Esta
época tiene 2 períodos: el estilo Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón,
Fidias y Polícleto, y el estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos
estilos tenían características propias.
- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las obras de esta época toma
modelos de las anteriores, perfeccionándolos, demostrando una gran capacidad de
realización, entra la figura del niño como tema. La escultura adquiere caracteres de
monumentalidad, dominando lo pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a
un primer plano. En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes:
las Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.

PINTURA:
Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin embargo, si es de conocimiento
la maestría que se manifestaba en los increíbles efectos de realismo que sabían producir
por descripciones de algunas pinturas. Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha
quedado son copias y fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura.
Se destacan: Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y
Apeles.
CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada expresión en lo
que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una muy completa evolución de
su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se caracteriza por tener formas variadas y
originales, predominan los elementos geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades
del barro, desde el amarillo hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo
negro o rojo el fondo y figuras negras, predominan formas animales y humanas.
2.4 ARTE ROMANO

Resulta de las influencias etruscas y griegas, alcanzó su mayor esplendor en la época del
Imperio. Se desarrolló en Italia desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de
C., algunos lo consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más
flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia en el arte de
la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros los presenta en el
desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la pintura la realizaban a servicio de esta,
predominando los murales. Los temas eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas,
paisajes, marinas, naturaleza muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos
corrientes pictóricas o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana,
resaltando asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico - Alejandrino, que
pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje y las marinas.
Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en Pompeya), se observan
cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o arquitectónico, ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos
mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan siempre un
sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el romano tuvo por
preocupación fundamental mantener el dominio sobre los territorios colonizados, para lo
cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a un denso cuerpo de leyes que apretó los
lazos entre la metrópoli y las provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva
con un variado repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines.
Sus dos grandes realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito
principal es haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del mundo
conocido.
ARQUITECTURA:
Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de las necesidades privadas y públicas.
Expresa la voluntad de poder y de mando del Estado romano, que se erige como rector
de la vida privada y pública de sus ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la
glorificación de Roma y para resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca
la majestad y la robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas.
Expresa el ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a
su dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe. Alterna dos
sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los griegos), y el arco y bóveda
(tomado de los etruscos). Sus principales monumentos fueron: el templo, la basílica, las
termas, los teatros, los anfiteatros, los circos, etc.

LA ESCULTURA:
Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo y su tema casi central es el
retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se hace presente en algunos bronces, luego
la influencia griega a través de los escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna
Grecia, así como de las obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la
corriente idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del
período republicano.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un destino utilitario que se cumple en su
función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una artesanía supeditada a
exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas. Cultiva con preferencia el retrato
llevándolo a su máxima identificación con el modelo. Es un arte naturalista. Es una obra
anónima.

PINTURA:
La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de Pompeya, que suelen ser
copias griegas o caprichos decorativos de gracia picaresca como cupidos, pájaros, cintas,
flores, etc. Los temas son históricos, mitológicos paisajísticos y marineros. También en
ciertos períodos se hizo una pintura arquitectónica, que imita a los elementos
constructivos. Lo interesante de la pintura romana es la técnica de manchas de color al
temple, aplicadas con brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con
efectistas toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo
que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.
2.5 ARTE MAYA

El arte Maya, es un reflejo de su estilo de vida y cultura. Este arte se manifestaba, en

dibujos y pinturas en papel o al fresco, bajo y alto relieves en piedra, madera, barro, jade,
y hueso, así como figurillas de barro. El proceso técnico de los metales era conocido, pero
su escasez los hizo utilizarlo solo en adornos. La Música era muy apreciada y hay pruebas
de obras teatrales, que se llevaban a cabo en las ceremonias públicas. La nobleza Maya
encargaba trabajos muy finos para sus palacios, y para acentuar su grandeza, entre éstos,
joyería de Jade y Obsidiana. Tronos grabados, pinturas murales, así como cerámica
policroma con escenas de la vida en las cortes, y por supuesto, Estelas con textos para ser
recordados por sus hazañas en batalla. La mayoría de figurillas de una extensa variedad, se
han encontrado en tumbas reales. El arte Maya, no era solo para la realeza, como lo
atestiguan los muchos hallazgos en las casas de la gente común.

Escultura:
La forma más conocida de escultura son las Estelas, que eran monolitos de piedra con
grabados de gobernantes o dioses y textos que han ayudado a entender su cultura, La
Mayor del Mudo Maya es la Estela E de Quiriguá que pesa 65 Toneladas y mide 10.5 Mt.
de Altura, y sus grabados cubren 8 metros de ella por tres lados. Otras formas incluyen
figurillas, dinteles de madera como en Tikal y El Zotz, (izq.), o piedra llamados Paneles,
destacando los de La Corona (anteriormente, sitio Q), Piedras Negras y Cancuén. Los
Mayas usaron mucho Jade en sus objetos, lo que es remarcable debido a su dureza, sin
embargo la fineza de grabados y esculturas en Jade es impresionante. El escultor trabajaba
con las tradiciones locales incluso en la forma de las caras, se puede identificar los estilos
de cada región, como perspectivas, gestos, vestimentas, y la profundidad de los grabados,
lo que respetaba la tradición. Los habitantes de Cotzumalguapa, muy cerca de Monte Alto,
desarrollaron un estilo artístico original, así como su propio estilo de escritura, que quedó
plasmado en el gran número de Esculturas Monumentales, que incluyen, Estelas, Altares,
Cabezas colosales y Esculturas tridimensionales. Además, de escaleras, pilares y piedras de
pavimento con inscripciones. También hay un gran número de Escultura pequeñas, Lo
Característico del Estilo de Cotzumalguapa es su extraordinario realismo al representar
figuras humanas, que en algunos casos, se pueden considerar retratos de personas, casi
seguramente, Reyes y Nobles. En Muchos casos, éstos individuos participan en complejas
escenas en las que interactúan con otros humanos o seres sobrenaturales. Son
elementos muy distintivos del estilo de Cotzumalguapa, las viñetas de lenguaje,
representadas con gran variedad de flores y frutas. Los signos Jeroglíficos, se escriben en
cartuchos circulares, pero éstos también adquieren formas complejas de animación. El
arte escultórico Maya en las cuevas, constituye otro grupo de importancia, con Grabados
y Petroglifos, hechos por medio de incisiones, picados y cincelados, las técnicas más
comunes en la escultura, otro clase de escultura es la tridimensional, en arcilla cruda una
forma rara y frágil de arte.

Pintura:
Los Mayas fueron grandes pintores, especialmente en cerámica, pero los murales en
Edificios y Cuevas, fueron muy importantes para ellos, ellos usaron muchos tintes
vegetales y minerales para sus obras de arte, como en los Murales de San Bartolo, los más
antiguos e impresionantes descubiertos hasta ahora. con la descripción del mito Maya de
la Creación, hace más de 2000 años. El estuco fue preparado con un pegamento orgánico
extraído de un árbol endémico en Petén llamado localmente Jolol, mezclado con cal y
Sascab, en la parte interna y una mas delgada de cal muy fina con Barita, un mineral mas
fino que el sascab en la superficie, lo que le dio una gran durabilidad al mural. Los Mayas
también pintaban los Monumentos Templos y Palacios con pintura blanca y roja. Los
colores más típicos encontrados en el arte rupestre, son el rojo y negro, la inspección
visual sugiere que el negro es derivado del carbón, aunque otros pigmentos como el
manganeso pueden haber sido usados. El rojo, (Generalmente un rojo anaranjado
provenía de arcillas ricas en hierro, que se encuentra en las mismas cuevas aunque en
algunas hay hematina en el suelo (Un rojo brillante. El Amarillo y Azul son raros al
primero se ha encontrado en la Cueva de las Pinturas en el Sur del Petén, Guatemala. Al
igual que en Tikal y Nakúm, las cuevas Mayas también tienen graffiti así como copias
positivas y negativas de manos y más raramente de pies. La palabra Maya tz'ib se refiere a
pintura en general, incluyendo imaginería y escritura. Los artistas eran llamados aj
tz'ibob ('ellos los que pintan'), y eran maestros calígrafos y pintores que firmaban sus
trabajos. La vasta colección de arte Maya incluye el nombre de muchos ah tz'ibob,
trabajando y al lado de sus dioses patronos. El Vaso que se muestra abajo es de un estilo
muy particular llamada Los Danzantes de Holmul. Hay muchas muestras de arte popular
en dibujos de cuevas y Graffiti en varias ciudades Mayas. particularmente en Nakum y
Tikal.

3. TENDENCIAS ARTÍSTICAS

Las tendencias artísticas son las diferentes etapas que sufrío el arte, durante diferentes
cambios en la historia, donde los artistas buscaron las diferentes formas de expresiones,
para así poder desenvolver en el gran mundo del arte, en especial en la pintura:
lasdiferentes tendencias artísticas son:

 El realismo
 Impresionismo
 Expresionismo
 Cubismo
 Surrealismo
 Dadaísmo
 Arte abstracto
  Arte po

EL REALISMO

El renacimiento fue una época donde los grandes maestros del arte se dedicaron al
realismo donde se descubrió el claroscuro y la perspectiva. El renacimiento tuvo su
centro en Florencia, donde los artistas comenzaron a estudiar las diferentes proporciones
y estudiaron la anatomía para aprender y mejorar los trazos artísticos.

En esta época fue un gran avance del arte que exaltaba los valores del espíritu, surgieron
grandes artistas, estos consideran el hombre como el núcleo del mundo: en sus obras, es
la figura humana fue la más grande expresión artística por la belleza física, pudieron lograr
la tendencia realista.

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera

Título: Una Chia del Pueblo
Técnica: oleo

EL EXPRESIONISMO

El Expresionismo es una corriente pictórica que nace como movimiento a principios del
siglo XX (1905-1925), principalmente en Alemania, aunque también aparece en otros
países europeos, ligado al fauvismo francés como arte expresivo y emocional que se
opone diametralmente al impresionismo. Tras finalizar la Primera Guerra Mundial, a esta
corriente pictórica le siguieron otras tendencias como el constructivismo, la nueva
objetividad, el informalismo y, más tarde, los denominados nuevos salvajes y el
fotorrealismo.

Los elementos más característicos de las obras de arte expresionistas son el color, el
dinamismo y el sentimiento. Lo fundamental para los pintores de principios de siglo no era
reflejar el mundo de manera realista y fiel —justo al contrario que los impresionistas—
sino, sobre todo, romper las formas. El objetivo primordial de los expresionistas era
transmitir sus emociones y sentimientos más profundos. De hecho, en cualquier
reproducción en blanco y negro de un cuadro expresionista se intuye esa energía y esa
emotividad que subyacen a todas sus obras.

Esta corriente artística estuvo abanderada por conocidos pintores como August Macke,
Paul Klee o Franz Marc, quienes pertenecieron a distintas agrupaciones como Die Brücke
(El Puente) o Der Blaue Reiter (El jinete azul) —fundada por Kandinsky y Marc—, gracias
a las cuales fue posible la transición del expresionismo hacia la abstracción. Kandinsky fue
quien dio nombre al grupo. Sus motivos favoritos eran los caballos y su color predilecto
era el azul.

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera

Título: Soñadora
Técnica: Collage.

EL CUBISMO:

Corriente vanguardista que en pintura se caracteriza por la representación de objetos en

forma geométrica. Como su nombre lo indica, los artistas se expresaron a través de las
diferentes figuras geométricas. Logrando también en ello una excelente armonización de
color, en esta tendencia se trabaja objetos reales o imaginarios representándolos con
figuras geométricos trata de lograr la sensación de volumen representándolos en
diferentes puntos de vista cada elemento que contiene.
 Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera
Título: Ciudad de Fantasía
Técnica: Acrílico

EL SURREALISMO

El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de

André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo
que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su
totalidad.

Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como

método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de
expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por
medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más
profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan
recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos,
elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y
maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de
perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en
el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera
Título: Un Muerto con Sentimiento Título: Hijo de la Naturaleza.
Técnica: Oleo Técnica: Oleo

EL ARTE ABSTRACTO

Es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales,

acentuándolos, resaltando su valor y fuerza expresiva, sin tratar de imitar modelos o
formas naturales.

Surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la

fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más
significativas del arte del siglo XX.
El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa
y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias
significaciones.

Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que

exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o
bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones
geométricas y constructivas.

Autor: Byron Abner Aguilar Cabrera Autor: Edgar Roberto de León Mejía
Título: El interior Título: El Olvido eterno.
Técnica: Acrílico Técnica: Crayón Pastel

COLLAGE

Es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado,
En pintura, un 'Kollaje' se puede componer enteramente o solo en parte de fotografías,
madera, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc, esta técnica se realiza
pegando los diversos elementos sobre una superficie.
 Autor: Edgar Roberto de León Mejía
Título: Libertad Perdida
Técnica: Collage.

ARTE POP

El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y
Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que
consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados
de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.
El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura
estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio
nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura

caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos
dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los
carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había
sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los
muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola,
etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series
reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

TÉCNICAS MIXTAS.

Término que designa el recurso de los artistas, principalmente los de la vanguardia

contemporánea, que consiste en reunir en una misma producción elementos de distintas
características y/o procedencias.
Autor: Edgar Roberto de León Mejía Autor: Edgar Roberto de León Mejía
Título: Arturo Título: Depredación Mutua
Técnica: crayón pastel graso/ crayón de Técnica: acuarela / crayón pastel seco.
madera
 III CAPITULO
CLASIFICACIÒN DE LAS ARTES PLÁSTICAS

3.1 DIBUJO
Es el lenguaje con el que podemos proyectar, y hacer entender universalmente, ya con
representaciones puramente geométricas. También se puede decir en otras palabras que
el dibujo es una representación gráfica de un objeto real de una idea o diseño propuesto
para construcción posterior.

Para el arquitecto no es más que un medio auxiliar para la representación de las obras.

CLASIFICIÓN GENERAL Y POR RAMAS.

En la clasificación general existe el ARTISTICO Y TÉCNICO.

a) El Artístico: utiliza dibujos para expresar ideas estéticas, filosóficas o abstractas.

b) El técnico: es el procedimiento utilizado para representar, trabajos de ingeniería,

edificios y piezas de maquinaria, que consiste en un dibujo normalizado.

3.1.1 DIBUJO ARTÍSTICO

Representación, por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios. Suele
hacerse a lápiz, tinta, carboncillo o gis, o bien, combinando algunos de estos
procedimientos. El lápiz permite hacer líneas, así como trazos suaves o gruesos y
sombreados difuminados.
Dibujar consiste en registrar las impresiones recibidas básicamente a través de la vista,
sin embargo, como no es posible presentar en un solo plano todos los aspectos de un
objeto, el arte del dibujo está en la capacidad del artista para sugerir. Por lo general, lo
primero que hace el creador es observar el modelo con el que trabaja o que imagina,
repasa mentalmente sus rasgos y hace apuntes sobre las líneas dominantes para luego
incorporar los detalles. Se requiere ligereza en el trazo y seguridad en la línea.
Las técnicas de dibujo varían según el medio empleado y la superficie sobre la que se
dibuja. Entre las superficies sobre las que el ser humano ha dibujado a lo largo de la
historia se cuentan: cavernas, yeso, papiro, pergaminos, seda, tablas, bloques de piedra,
láminas de metal y, principalmente, sobre papel de distintas consistencias y tonos.

3.1.2 MATERIALES UTILIZADOS EN EL DIBUJO

Dibujo a Lápiz:

Cuando nosotros dibujamos con un lápiz sobre un papel lo que esta sucediendo es que el
papel raspa al lápiz provocando que este se desgaste y deje pequeños pedacitos atorados
en la rugosidad del papel. Si el lugar en el que vamos a dibujar con el lápiz es demasiado
liso entonces este no pinta o pinta muy poquito. Como por ejemplo si tratamos de
dibujar sobre un vidrio.
Los lápices están hechos de de un material que se llama grafito. El grafito es lo que pinta.
El grafito lo mezclan con arcilla. Si tiene mucha arcilla el lápiz pinta clarito y si tiene poca
arcilla pinta obscuro. A los lápices que tienen mucha arcilla se les llama duros y a los que
tienen poca suaves o blandos.

Carboncillo:

El carboncillo se consigue con unos bastoncillos obtenidos de la combustión lenta de la

madera, a los que se añaden resinas y alcohol para prolongar su duración.

se utiliza en los dibujos académicos, con un acabado muy esmerado, que realizan los
estudiantes de arte copiando reproducciones en escayola de esculturas clásicas. Para este
tipo de dibujo se utilizan carboncillos de distinta dureza. El efecto es un suave modelado
en el que se reproducen sombras, luces y reflejos con mucho detalle y una escala de grises
muy amplia. Para conseguir este efecto se funden los tonos con un difumino, una barra de
papel enrollado y afilado.

Autor: Elmer Caniz Muy

Título:Crecimiento Personal.
Técnica: Claroscuro (carboncillo)

Sanguina:

La sanguina es un material que podemos usar para realizar dibujos. Puede encontrarse en
barra o lápiz. Tiene un color entre marrón y rojo terracota. Se fabrica con óxido de
hierro.

Un de sus encantos es que nos deja aprovechar la textura del papel. La barra se utiliza
fundamentalmente plana, usando toda su superficie. Es un ametrial que proporciona unos
resultados espectaculares: todo depende de como se trabaje, presionando más o menos.
Tiene las ventajas del lápiz y del carboncillo a la vez. Las barras se usan con más
frecuencia, ya que se les puede sacar más partido. Los trazos se consiguen muy finos con
las aristas de la barrita o anchos si usamos la totalidad de la barra.

Si utilizamos el lápiz podemos obtener más precisión. Hay que tener cuidado de no usar
papeles muy rugosos, ya que el trazo no sería muy continuo.

Autor: Elmer Caniz Muy

Título:Crecimiento Personal.
Técnica: Claroscuro (carboncillo)

Dibujo a tinta:

-El dibujo a pluma emplea distintos tipos de tintas:

La más frecuente es la tinta china, que se confecciona a basede negro de humo disuelto
en aceite, de goma arábiga y aglutinantes. Una vez mezclada con agua produce tonos
grises.

Además de constituir la materia prima del dibujo a pluma, la tinta es también la base de
otras dos técnicas de dibujo: el pincel y la aguada.
El pincel se usa con tintas puras o diluidas en agua.

-La Aguada.

Se utiliza generalmente combinada con dibujos a pluma y pinceles. Los efectos que se
consiguen son variados. Unas veces, se refuerzan simplemente las sombras, otras, el pincel
añade detalles en las partes oscuras. La aguada aporta al dibujo nuevas calidades luminosas
y cromáticas.

Autor: Elmer Caniz Muy

Título: Equilibrio.
Técnica: Aguada (Tinta china)

3.1.3 TECNICAS UTILIZADAS EN EL DIBUJO.

Claroscuro:

Se hace referencia a los efectos de luz y sombra en una obra artística, particularmente
cuando están muy contrastados. Leonardo da Vinci fue el precursor del claroscuro. En sus
estudios para aumentar la verosimilitud de la técnica de la perspectiva describió la
colocación adecuada de los puntos de luz para que las sombras propias de los objetos y las
arrojadas dieran idea de volumen. El término se asocia más comúnmente al uso de
contrastes de luz y sombra para buscar impacto dramático como suele verse en los
cuadros de los pintores barrocos del siglo XVII, y en particular de los caravaggistas (véase
Michelangelo Caravaggio) y de Rembrandt. Resulta curioso que el claroscuro se considere
patrimonio ...

Clases de Sombras

-Sombra propia: Cuando la luz da sobre un objeto, éste queda iluminado por el sitio
que está de cara a la luz, pero por el lado opuesto se produce la sombra. Esta sombra que
se produce en el propio objeto se llama sombra propia.

-Sombra Proyectada: La proyectada es la que este cuerpo arroja sobre el suelo o la pared
o, cualquier otra superficie cercan

Autor: Elmer Caniz Muy

Título: Bodegón de Jarros.
Técnica: CLaroscuro (grafito)
EL RETRATO:

Para dominar el dibujo de la cabeza humana no sólo es necesario conocer su forma

externa y el canon de proporciones, sino que el artista debe representar con soltura, la
exactitud de la ejecución de algo y fuerza expresiva las partes del rostro, pues en ellas se
reflejan los sentimientos más íntimos del ser humano, al tiempo que son rasgos
identificadores únicos e irrepetibles.
El mejor camino para dibujar con perfección tales elementos es practicar estudios a partir
de modelos diferentes y en distintas posiciones. En nuestro caso llevamos a cabo un
amplio muestrario de pequeños dibujos con diferente nivel de acabado.
En los estudios que el dibujante lleve a cabo de las diferentes partes del rostro no debe
eliminar ningún elemento, por poca importancia que a primera vista tenga.
-La nariz.

En el caso de la nariz se trata de una cosa adjunta de menor relevancia que los ojos o los
labios, pero que a ser un rasgo sobresaliente colabora en la expresividad general del
rostro humano, al tiempo que cobra una enorme trascendencia en la representación de la
cabeza de, perfil.

-La Oreja.

Se trata sin duda del motivo menos importante de todos los que configuran el rostro
humano, y en numerosas ocasiones, incluso, queda oculto bajo el pelo, o porque la
posición de la propia cabeza dificulta o impide su visibilidad.
-Los Ojos.

Los ojos constituyen el elemento más importante del rostro humano, ya que reflejan con
bastante exactitud en la ejecución de la personalidad del individuo. Juntamente con los
labios, son a modo de ventanas, a través de las cuales pueden aflorar los sentimientos más
diversos. Cada mirada es diferente a las demás y también es distinta la manera en que en
ella se refleja el estado de ánimo. Para llevar a cabo el dibujo de un ojo, observado de
frente y de perfil, comenzaremos efectuando y localizando las distintas partes: párpados,
cejas, pupilas, etc. Ejemplo.

Iniciamos el dibujo, que ejecutaremos con lápiz, trabajando con la punta del lápiz, pero
preocupándonos principalmente por el contraste de tonos y la definición de las diferentes
formas.

Comenzamos a matizar la entonación del dibujo, al tiempo que se perfilan con mayor
nitidez, cuidando de emplear el trazo más apropiado en cada zona de nuestro trabajo a
partir del modelo.

-Los Labios.
Constituye una manifestación que conforman los labios. Se puede afirmar que a una
persona la caracteriza, en gran medida, sus labios; y no sólo en aquellos estados de ánimo
tan notables como la risa y el llanto, sino en otras muchas ocasiones. De nuevo nos
proponemos representar de frente y de perfil una parte significativa del rostro, en este
caso los labios.

A partir del encaje inicial comenzamos a entonar el dibujo, aún sin matizar los tonos, pero
buscando un ajuste más concreto de las diferentes formas y volúmenes que presenta el
modelo que tenemos delante.

Aumentamos progresivamente la entonación

puesto que trabajamos con lápiz, concretando criterios detalles significativos y buscando,
finalmente, ciertos contrastes tonales necesarios para obtener el volumen.

En nuestro ejercicio, ejecutaremos el retrato de una muchacha, con lápiz y fijaremos los
límites de altura (desde la barbilla hasta el final del cabello), en el retrato se buscado la
mitad de esa medida comprobando con qué lugar coincide (el final del párpado y el centro
del otro ojo). Puesto que nuestro medio así lo requiere la entonación la realizaremos de
una forma progresiva, reservando los tonos más oscuros para el fin

Entonamos los ojos y aumentamos la entonación del dibujo dando la aplicación del lápiz
más fuerte.
PROPORCIONES DEL ROSTRO:

-ROSTRO DEL ADULTO:

Entre las proporciones de la cabeza del niño y la del adulto hay una serie de diferencias
muy notables, que todo dibujante debe conocer perfectamente. El canon más conocido de
las proporciones de la cabeza del hombre es el que se representa en estos dibujos, visto
de frente y de perfil.

EL RETRATO DEL NIÑO:

En el caso del niño los ojos ya no aparecen en la mitad del cuadrado y el volumen de la
frente es ahora muy superior. Las cejas, por su parte, quedarán justo a la mitad del rostro.
Así pues, apreciaremos con detalle la Situación de los elementos del rostro.

Proporciones del Rostro del Niño.

DIBUJO DE LA CABEZA:

La ejecución del retrato puede ser de frente, perfil, tres cuarto. En dibujo requiere mucha
precisión, aun más que la necesaria para dibujar la figura humana, sobre todo en lo que se
refiere al ajuste de medidas y a la aplicación de las proporciones. Además, la captación en
toda su intensidad de la expresión del rostro exige una sensibilidad especial por parte del
artista.
3.1.2 DIBUJO TÉCNICO

El dibujo técnico se clasifica en:

D. Natural: Es el que se hace copiando el modelo directamente.

D. Continuo: Es el ornamento esculpido o pintado que se extiende a todo lo largo de una
moldura o cornisa.

D. Industrial: Su objetivo es representar piezas de maquina, conductos mecánico,

construcciones en forma clara pero con precisión suficiente y es por lo que emplea la
geometría descriptiva como auxiliar. Este facilita además la concepción de la obra.

D. Definido: No es propiamente rama, pero sí una fase de éste y se hace en tinta china y
con ayuda de instrumentos adecuados; que permitan realizar un trabajo preciso. Las ideas
de comunicar los pensamientos de una persona a otra por medio de figuras existieron
desde los aciagos tiempos del hombre de las cavernas, todavía se tienen ejemplo de sus
existencias.

3.1.2.1 MATERIALES QUE SE UTILIZAN EN DIBUJO TÈCNICO

Los principales instrumentos en el dibujo son: Mesa y Tablero, Regla T, Escuadras de 30 y
45, papel de dibujo; Compás, Escala, Goma de borrar.

Mesa y Tablero:

Es de una superficie completamente lisa, puede ser de madera o de lámina, plástico o algún
otro material liso. La mesa tiene unos sostenes que permiten la inclinación de la mesa para
mayor comodidad. Es importante la iluminación pues debe quedar de derecha a izquierda y
del frente hacia atrás para no producir sombras. También puede ser un tablero de trabajo
independiente y el borde de trabajo debe ser recto y se puede comprobar con una regla
de acero.

Regla “T”:

Es un instrumento con una cabeza en uno de los extremos. Cuando se utiliza debe
mantenerse la cabeza del instrumento en forma firme contra uno de los lados del tablero
para asegurarse de que las líneas que se dibujen sean paralelas, asimismo sirve de apoyo a
las, escuadras para trazar ángulo.

Escuadras:

Las más comunes que se usan son de 30 y la de 45, estas se utilizan junto con la regla T o
regla paralela cuando se dibujan líneas verticales o inclinadas.

La Escala o Escalimetro.
Los escalímetros son reglas métricas graduadas en centímetros y milímetros. Tiene forma
piramidal y cuenta con escalas diferentes, están referidas normalmente al metro, siendo la
más usadas: Esc. 1:100, Esc. 1:75, Esc. 1:50, Esc. 1: 20. Las escalas se usan para medir, es
muy importante que los dibujantes sean precisos con la escala.

El Compas.

Este instrumento sirve para dibujar circunferencias y arcos. Consta de dos brazos, en uno
se encuentra la punta y en el otro una puntilla o mina que gira teniendo como centro el
brazo con la punta.
Lápices para DibujoTécnico.

Para dibujar es necesario utilizar lápices con minas especiales, esto se gradúa por
números y letras de acuerdo a la dureza de la mina. Un lápiz duro pinta líneas más suaves
que un lápiz blando a igualdad de presión. Es el instrumento básico para la representación.

3.1.2.2 LA LÌNEA:

Es el trazo que el punto deja al moverse. Surge de la alteración del reposo total del punto.
Con ella se salta de una situación estática a una dinámica. La línea se halla en el extremo
opuesto al elemento primario, es decir al punto, y constituye un elemento derivado o
secundario.

CLASIFICACIÒN DE LAS LINEAS:

Las líneas se clasifican según su forma, su posición en el espacio y la relación que guardan
entre sí.

Según su forma

 Línea Recta: Son todas aquellas líneas en que todos sus puntos van en una misma
dirección.

 Línea Curva: Son las líneas que están constituidas en forma curva; pero a su vez sus
puntos van en direcciones diferentes.

 Línea Quebrada: Esta línea está formada por diferentes rectas a su vez que se
cortan entre sí y llevan direcciones diferentes.
  Línea Mixta: Está formada por líneas rectas y curvas que a su vez llevan direcciones
diferentes.

Según su posición en el espacio

 Línea Vertical: Es la línea recta perpendicular al horizonte.

 Línea Horizontal: Es la línea que corresponde al nivel del agua cuando esta se
encuentra en reposo.

 Línea Inclinada: Es la línea que desiste de su posición vertical y horizontal y

presenta un extremo inclinado hacia uno de sus lados.

Según la relación que guardan entre sí

 Líneas Paralelas: Son dos o más líneas que estando en un mismo plano jamás llegan
a unirse al proyectarse sus extremos.

 Línea Oblicua: Es la línea que se encuentra con la horizontal formando un ángulo

que no es recto.

 Líneas Convergentes: Son líneas que partiendo de puntos diferentes se unen en

otro al proyectar sus extremos.

 Líneas Divergentes: Son las líneas que parten de un mismo punto y al proyectar sus
extremos se separan en direcciones diferentes.

 Línea Perpendicular: Es la línea que se encuentra con la horizontal formando un

ángulo recto.

Líneas que se emplean en el Dibujo Técnico

 Línea Llena y Gruesa: Para destacar aristas visibles de cuerpos y contornos.

 Línea Llena y Delgada: Se utilizan para señalar diferentes longitudes

 Línea de Trazos Cortos: Para aristas y contornos ocultos.

 Línea de Trazos y Puntos: Se utiliza para líneas de ejes y centrales. Esta línea debe
comenzar y terminar en trazos.
3.1.2.3ROTULACIÓN

Para la descripción completa de un plano se requiere: el lenguaje gráfico para mostrar la

forma y disposición, y la escritura para indicar las medidas, métodos de trabajo, tipos de
material y otra información. La clase de letra más usada corrientemente es la gótica
comercial, a base de trazo simple. Las letras pueden ser mayúsculas o de caja alta y
minúsculas o de caja baja, ambas a base de tipo inclinado o vertical. a veces emplean letras
verticales para los títulos y letras inclinadas para dimensiones y notas, u otras
combinaciones
Deben trazarse líneas de guía que delimitaran la altura de las letras. Estas líneas serán de
trazo muy fino y a lápiz. La distancia entre líneas de letras se toma generalmente de media
vez a vez y media la altura de las mayúsculas.
Se empieza señalando la altura de las mayúsculas en la primera línea Haciendo lo mismo
con los bordes superiores, tendremos situadas las líneas de guía que necesitamos.

Rotulado a lápiz. El orden de los trazos y las dimensiones de las letras deben aprenderse
practicando primeramente con el lápiz antes de ensayar con tinta.
La mina debe afilarse de forma que se obtenga una larga punta cónica. La presión del lápiz
sobre el papel debe ser lo más uniforme posible y es conveniente acostumbrarse a hacer
rodar el lápiz entre los dedos cada tres o cuatro trazos, para conseguir una mayor
uniformidad. El lápiz debe sostenerse en la mano con la fuerza mínima necesaria para
controlar los trazos.
Aparatos y plantillas para rotular. Permiten el trazado de letras normalizadas de diversas
alturas con gran uniformidad. Se encuentran en el mercado diferentes gruesos de plumillas
para los correspondientes tamaños. Las guías y las plantillas contienen también muchos
símbolos empleados en los planos, tales como símbolos de soldadura, arquitectónicos,
eléctricos, etc.
Para una buena rotulación debes tomar muy en cuenta las siguientes normas:

 Conocer su forma correcta.

 Trazar líneas de guía para su altura.
 Trazar líneas de guía para su inclinación.
 Orden y sentido de los trazos.
3.1.2.4 Polígonos

Es una figura geométrica plana limitada por al menos 3 segmentos rectos consecutivos no
alineados, llamados lados. La palabra "polígono" procede del griego poly, que significa
"muchos", y gonos, que significa "ángulos". .

Polígono simple.

Nombre Número de lados

TRIANGULO: 3

Es un polígono de tres lados; está determinado por tres segmentos de recta que se
denominan lados, o tres puntos no alineados que se llaman vértices, cada lado de este
polígono mide 120 grados.
CUADRILATERO: 4

Es un polígono que tiene cuatro lados. En todos los cuadriláteros la suma de los ángulos
interiores es igual a 360º, cada lado de este polígono mide 90 grados.

PENTÀGONO: 5

Es un polígono de cinco lados y cinco vértices, cada lado de este polígono mide 72
grados.
HEXÀGONO: 6

Es un polígono de seis lados y seis vértices, también es llamado o exágono, cada lado de
este polígono mide 60 grados.

HEPTAGONO: 7

Es un polígono con siete lados y siete vértices, cada lado de este polígono mide 51.43
grados.
OCTAGONO: 8

Es una figura plana con ocho lados y ocho vértices, cada lado de este polígono mide 45
grados.

ENEÀGONO: 9

Es un polígono de nueve lados y nueve vértices, cada lado de este polígono mide 40
grados.
DECÀGONO: 10

Es un polígono de diez lados y diez vértices, cada lado de este polígono mide 36 grados.

ENDECÀGONO: 11

Es un polígono de 11 lados y 11 vértices, cada lado de este polígono mide 32.73 grados.
DODECÀGONO: 12

Es un polígono de 12 lados y 12 vértices, cada lado de este polígono mide 30 grados.

3.1.2.5 PERSPECTIVA:

Es el arte o teoría de dibujar objetos tridimensionales en una superficie de dos

dimensiones para recrear la profundidad y la posición real de los objetos. Es un ilusión
visual que percibe el observador, que ayuda a determinar la profundidad y ubicación entre
objetos a diferentes distancias. En el dibujo y otras áreas, la perspectiva simula la
profundidad y los efectos de reducción dimensional y distorsión angular que se producen.

Términos utilizados en la perspectiva

 Punto de vista ojo o punto negro: Es el punto desde el que se observa la imagen,
sería como el ojo del espectador.

 Nivel óptico N.O: Es un círculo horizontal completo a la altura de nuestros ojos

que trazamos girando la cabeza o el horizonte cuando estamos a nivel del mar.

 Línea de Tierra LT: Una línea destinada a la medición, transcurre a ras del suelo y
paralela al nivel óptico.

 Horizonte - H: Es la línea divisoria entre el cielo y la tierra y puede hallarse por

encima del nivel óptico.

 Paralelas de perspectiva: También se emplea el término "Paralelas de fuga". Son las

líneas vistas como paralelas en el plano, pero que en la perspectiva parecen
converger en el infinito en un punto en el nivel óptico.

 Líneas de trazado: Líneas que unen un punto de un cuerpo con otro, o la

trayectoria de una sombra en un objeto sobre el plano del suelo o por el objeto.

 Puntos de fuga- PF: Son puntos a nivel óptico a cualquiera de los dos lados del
centro de visión hacia los cuales convergen las líneas paralelas que se alejan de
nosotros y dan la impresión de desaparecer. Se pueden extender al infinito a la
izquierda y a la derecha.
3.1.2.5.1 TIPOS DE PERSPECTIVA:

Perspectiva frontal:

Este tipo de Perspectiva representa los volúmenes totalmente de frente, en esta

perspectiva las líneas verticales permanecen perpendiculares a la línea de tierra y las
horizontales paralelas a esta. Las líneas de profundidad ce unen en el punto de fuga que se
encuentra ubicado en la línea de horizonte.

Perspectiva oblicua:

También conocida como cónica, en este tipo de perspectiva se representan los cuerpos
de una forma inclinada, La característica principal es que tiene 2 puntos de fuga en la línea
de horizonte en los cuales convergen las líneas de profundidad. Las líneas verticales
permanecen perpendiculares a la línea de horizonte.
Perspectiva Vista de Pájaro:

Este tipo de perspectiva posee 3 puntos de fuga, dos ubicados en la línea de horizonte y el
tercer punto lo encontramos mucho mas abajo que la línea de horizonte. Esta perspectiva
se comienza trabajando como la oblicua pero se diferencia a esta debido a que las líneas
verticales convergen en el tercer punto.
Perspectiva Vista de Hormiga:

Al igual que la perspectiva vista de pájaro a este tipo de perspectiva se le agrega un tercer
punto con la única diferencia que en esta ocasión el punto ira por encima de la línea de
horizonte, también las líneas verticales convergen en este tercer punto.

3.1.2.6 PROYECCIONES ISOMÈTRICAS:

Es la proyección axonométrica en la que se establece una relación proporcional entre las

direcciones del objeto mismo y las del objeto representado.. La isometría es una de las
formas de proyección utilizadas en dibujo técnico que tiene la ventaja de permitir la
representación a escala, y la desventaja de no reflejar la disminución aparente de tamaño -
proporcional a la distancia- que percibe el ojo humano.
3.2 PINTURA:

Es una de las mas maravillosas expresiones artísticas representando objetos, reales o lo

imaginarios sobre una superficie plana por variedades de colores; a través de la historia la
pintura fue un desarrollo de varias civilizaciones porque por medio de ello pudieron
comunicarse, a través de esto el hombre ha podido reflejar y reflejará su desarrollo
emocional.

3.2.1 EL COLOR

El color esta completamente ligado al a luz. Un colores una honda o es una radiación del
conjunto es si que forman la luz solar, onda que el ojo percibe que codifica como colores
primarios y secundarios. También permiten definir el color como una sensación.

3.2.2 FENOMENOS DEL COLOR:

En la distinción del color intervienes descolores lumínicos: la reflexión y la absorción de la

luz

La reflexión.

La reflexión es el fenómeno del cambio de dirección de rayos de la luz al chocar con una
superficie pulimentada ejemplo: como el espejo o cualquier otra que reflecte.

La absorción.

Es el fenómeno contrario ala reflexión consiste en propiedad de algunos cuerpos. Al

absorber ondas lumínicas y transfórmales en color unos objetos al percibir la luz,
obserben ciertas ondas de luz y reflexiona otras por ellos una reflexiona una clase de
ondas y otros esto denomina su color.

Clases de colores.

El término sugiere la existencia de más de uno esto implica la clasificación de relación a

distintas o similares características.

Colores por su naturaleza.

Según la naturaleza los colores pueden ser color luz o colores físicos o colorantes los
0primeros son objetos de estudio

De la luminotecnia lo0scolores químicos interesan al arte dado que son los utilizados en
distintas forma para darle color al ambiente físico y artificial.
3.2.3 CÌRCULO CROMÀTICO:

El círculo cromático ordena doce colores proyectando espacios en los que se pueden
agregar otros según las mezclas de los anteriores.

Colores Primarios:

Son los colores que no se puede crear mezclando otros colores, los colores primarios se
pueden mezclar entre sí para producir la mayoría de los colores, estos son: rojo amarillo y
azul.

Colores Secundarios:

Los colores secundarios son los que se obtienen mezclando a partes iguales los colores
primarios, de dos en dos, estos son:
Rojo más Azul = morado.
Rojo más Amarillo = naranja.
Amarillo más Azul = verde.

Colores Terciarios:

Los colores terciarios son los formados por la mezcla de un color primario con un color
secundario, estos son:
Amarillo verdoso
Azul verdoso
Azul violáceo
Rojo violáceo
Rojo anaranjado
Amarillo anaranjado

3.2.4 TÈCNICA DEL COLOR:

TEMPERA

La tempera comercialmente se conoce de este nombre a un articulo para pinatar

compuesto con pigmentos polvorizados

En esta técnica se trabaja cualquier tipo de objetos. Bueno lo que mas trabajan con la
tempera son los paisaje porque es mas fácil de hacer.

La témpera, también llamada gouache, es la pintura que más se usa en la enseñanza. Se

aplica con cualquier pincel, siempre que sea blando. Se puede pintar con ella en cualquier
clase de papel, cuando está seca se puede aplicar otro color encima sin que se
transparente el que hay debajo.

Autor: Byron Aguilar

Título: cultandose de la suavidad
Técnica: Tempera
CRAYON PASTEL SECO

La técnica de trabajar con el crayón pastel seco lo podemos trabajar bodegones como,
jarros frutas, flores y también podemos realizar diferentes tipos de paisaje, rural, urbano,
marino.
El pastel es un medio pictórico que ha resultado atractivo a infinidad de artistas, tanto por
la luminosidad e intensidad del color, debida a la gran proporción de pigmento que las
barras contienen, como por la sencillez de su manejo, puesto que no requiere paleta,
pinceles ni sustancias diluyentes.
El hecho de que el pastel sea una técnica seca proporciona al pintor la ventaja de la
rapidez, ya que no se ve obligado a esperar a que la pintura se seque para aplicar nuevas
capas encima. Esta pintura, además, encierra una interesante versatilidad que permite
pintar con finas líneas superpuestas, hacer veladuras y también trabajar con empaste y
colores saturados.

Autor: Martín López García.

Título: Amaneciendo en el paraíso.
Técnica: crayón pastel
ACRILICO

El bodegón de jarros así con la pintura acrílica es igual que la tempera lo podemos pintar
rápidamente porque la pintura se seca muy rápido en este caso lo que debemos de hacer
es tener ya mezclados nuestros colores en nuestra paleta para que no se seca en este
caso lo podemos pintar sobré hojas e papel bond de 120 gramos o sobre cartón chip
(piedra), podemos realizar deferente tipos de bodegones como bodegón de jarros,
bodegón de flores, bodegón de frutas, paisajes. Es una clase de pintura de secado rápido,
en la que los pigmentos están contenidos en una emulsión de un polímero acrílico (cola
vinílica, generalmente). Aunque son solubles en agua, una vez secas son resistentes a la
misma. Destaca especialmente por la rapidez del secado. Asimismo, al secar se modifica
ligeramente el tono, más que en el óleo. La pintura acrílica data de la primera mitad del
siglo XX, y fue desarrollada paralelamente en Alemania y Estados Unidos.

Autor: Byron Aguilar

Título: Crucifixión
Técnica: Acrílico
ÓLEO

La pintura de óleo consiste en mucho polvo de color muy finito mezclado con aceite
formando una pasta espesa (Al material del cual se saca este polvo le llamamos pigmento).
Para pintar con óleo necesitamos un pincel, un trapo para limpiarlo, una tablita para
mezclar los colores y aceite de linaza para hacer más aguada la pintura y para limpiar el
pincel. También necesitamos un soporte sobre el cual pintar.
Muchos artistas pintan con óleo porque es de las pinturas que tiene el color más intenso y
brillante. Con óleo puedes pintar sobre muchos materiales, los más comunes son sobre
tela y sobre madera.
Los artistas siempre prueban todo, así es como van inventando los materiales y las
técnicas que usan. El ir inventando nuevas formas de hacer las cosas es también parte del
que hacer de los artistas.

Autor: Edgar Roberto de León Mejía

Título: Pensamiento
Técnica: Óleo
ACUARELA

La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores
utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el
fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos
aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas
transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está
realizando.

Autor: Edgar Roberto de León Mejía

Título: Cultivando el final
Técnica: acuarela
3.3 ESCULTURA:
Arte de crear formas con expresividad en tres dimensiones reales o abstractas en barro,
madera, metal, mármol, u otros materiales para darle forma, utilizando para ello la talla
directa o el modelado.

3.3.1 TIPOS DE ESCULTURA:

En Bulto: es aquella que se realiza con diferentes tipos de materiales, ya que si se presenta
se le llama estatua dependiendo de cualquier personaje como por ejemplo de aquellas
religiosas u otros personajes como muy bien lo dice en bulto.

Las esculturas de la figura humana según su posición se conoce como:

Busto: Figura humana solo representa la cabeza

Torso: Figura humana donde le falta la cabeza, las piernas y brazos.

Pedestre: Figura humana de Pie.

En Relieve:

representa formas o niveles de resalte o rebaje de algún diseño, modelo o dibujo, con
respecto del nivel de la base. Se divide en Bajo y Alto.
3.3.2 TÈCNICAS DE ESCULTURA:

Alto relieve:

Es aquella o aquellas figuras que salen sobre el fondo, ya sea por más de la mitad de la
base en que desea realizar o trabajar es por eso que se le llama alto relieve.

Bajo relieve:

Son aquellas figuras que salen del fondo menos de la mitad de la base o material en que se
trabajara.

Técnicas para representar el volumen de un cuerpo.

En toda extensión espacial se consideran tres dimensiones: alto-largo-ancho, y a la medida

de la extensión de un cuerpo, se le llama Volumen.

Directamente relacionado con el volumen se encuentra La Escultura, según sus técnicas, el

tallado, modelado, doblado y armad o ensamble.

Tallar:

Es gasta o rebajar los materiales diferentes con herramientas adecuados, por ejemplo; El
Mármol, se talla con formón, cincel y martillo, el Yeso se talla con espátula.

Se talla en materiales duros como:

- Mármol

- Piedra

- Madera

- Y otros.

Para lograr los volúmenes deseados se aplican distintas técnicas tales como:
- Tallado en jabón

Materiales:

- Jabón (para lavar ropa)

- Cuchilla

- Modelo o dibujo a representar

- Una bolsa plástica desechable mediana.

Procedimiento:

1. Tener en mente lo que desea realizar, según el modelo.

2. En base a esto ya podemos empezar a quitarle partes al jabón, donde no sea

necesario.

3. Luego ya podemos darle el detalle en base a lo deseamos crear.

siempre lo que se representa debe tener un parentesco con el modelo o dibujo.

4. La bolsa sirve para depositar los restos del jabón que no sirven.
Tallado en verdura

Materiales:

- Papas, zanahorias, güisquil

- Palillos

- Cuchilla

- Una bolsa plástica desechable mediana.

Procedimiento:

- Cortando la verdura dependiendo de lo que desea crear.

- Luego en este caso es muy importante saber que se desea realizar, se

Utiliza los palillos para unir partes del objeto creado,

Modelar:

Es formar con las manos a una materia blanda, según el modelo que se tenga. Son
materiales modelables:

- La plasticina

- La cera

- El barro

- Papel

- Y otros.
Modelado En Papel

Materiales:

1 libra de papel periódico u hojas usadas de algún cuaderno viejo.

Un bote de resistol mediano.

2 rollos de papel higiénico.

Un recipiente hondo mediado para mezclar.

Un pincel o brocha pequeña.

Un Masquen tape mediano

Una foto de cualquier reptil.

Procedimiento:

1. Manipulando el papel periódico, se le da la forma al reptil, con cada detalle que el

reptil tenga en el cuerpo se va asegurando con el masquen tape.

2. Cuando ya se tenga la forma del animal, se mezcla resistol con agua, en el

recipiente. Con el papel higiénico, se van separando sus hojas, una por una.

3. Se coloca el animal en una superficie plana, la brocha se moja con el resistol y el

agua, se le aplica en todo el cuerpo del animal, después se le deja caer hoja por
hoja de papel higiénico, tratando de que dicho cuerpo quede cubierto todas sus
partes.
 4. Cuando ya este seco el papel higiénico con el resistol, se decora el cuerpo del
animal según el modelo que se tenga, y dejarlo a secar.

Modelado en Barro

Figura humana Estilizada

Materiales:

- Barro amasado

- Estecos

- Palillos

- Cortadora

- Agua

- 2 bolsas de basura

Procedimiento:
 1. El barro amasado, debe tener la forma de un cuadrado o rectángulo, para darle esta
forma es necesario compactar el barro, entonces se compacta colocando una bolsa
en el piso y se deja caer el barro una y otra vez, hasta que tenga la forma del cuadro.
Los Estecos se utilizan para desgastar pequeñas partes del barro que no se utilice, la
cortadora sirve para quitar partes grandes del barro. Los palillos se utilizan para
detalles pequeños. Con estos instrumentos se modela la figura según la posición o
estilo deseado.

2. Las bolsas de basura se utilizan para proteger y garantizar el estado del barro.

Materiales para realizar Estecos:

- Un rollo de alambre galvanizado del grueso

- Martillo grande

- Cinta de aislar

- Alicate para alambre grueso

- Alicate pequeño o mediano

Procedimiento:

1. Cortar tres pedazos de alambre galvanizado de 20 centímetros, la forma del alambre

galvanizado es redonda, entonces con el martillo y en el suelo aplanar el alambre, los
tres pedazos cuando ya estén aplanado el alambre, con el alicate pequeño se
sostiene el alambre, y con el alicate grande se le da forma al alambre de un
cuadrado, dejar un espacio de alambre como agarrador de dicha figura para unir las
puntas del alambre, se utiliza la cinta de aislar.

2. De la misma manera se obtiene otro esteco, pero con forma circular y otro
triangular.
Armado o Ensamble:

Es la unión de piezas de diferentes formas, con el propósito de crear una figura real o
abstracta.

Nota: Se utiliza material reciclable.

3.4 GRABADO

El grabado es el resultado de una técnica de impresión que consiste en transferir una

imagen dibujada con instrumentos punzantes, cortantes o mediante procesos químicos en
una superficie rígida llamada "matriz" con la finalidad de colocar tinta en las cortes, que
después se traslada por presión a otra superficie como papel o tela.

La matriz suele ser de metal, empleándose generalmente planchas de Cobre, pero también
se usan otros materiales como madera, piedra o incluso placas acrílicas, y en ella se realiza
el dibujo por medio de líneas, excavadas en la superficie de la plancha. Existen varias
técnicas para grabar el dibujo.

La palabra "grabar" es de origen alemán "graben" significa cavar. Entró en el castellano por
medio del termino francés " graver". El significado de grabar es trazar en una materia,
marcas, letras o signos con una pieza cortante como el buril. El grabado se origina en
China, a raíz de la invención del papel hacia el año 105. En su forma más elemental la
xilografía o grabado en madera, es un método tipográfico, que utiliza el mismo principio
en que se basaron las antiguas imprentas. El grabado prosperó en Europa en el siglo XIV y
XV con la llegada del papel. Con el descubrimiento de las técnicas calcográficas como el
aguafuerte y la aguatinta, además de la incorporación de las planográficas como la
litografía.

Hoy podemos afirmar que el grabado es uno de los motores de un fenómeno histórico sin
precedentes: el Renacimiento. La posibilidad de reproducir la obra permite por primera
vez a los artistas del momento el poder conocer la obra de los clásicos, sin moverse de su
ciudad gracias a la labor de los copistas, además de conocer la obra de artistas coetáneos.
Las técnicas del grabado surgieron para imitar a otras técnicas de la pintura y el dibujo ya
existentes.

El grabado es una experiencia enriquecedora para todo artista. Se puede observar una
gran transformación estética en los trabajos de grabado.

Xilografia.

Es la técnica en la que se obtienen múltiples copias de la misma imagen, en la que se

pueden utilizar cualquier tipo de superficie maleable, como madera noelite. La madera se
puede obtener del árbol de dos maneras. Haciendo un corte en el sentido longitudinal del
tronco, siguiendo la dirección de las "fibras" que conforman el tallo del árbol. De esta
manera estaremos realizando una "xilografía a fibra" o una "xilografía a contrafibra".Sobre
la matriz de madera, la imagen se construye tallándola mediante "gubias", con las que se
rebaja la superficie de la madera, obteniéndose huecos que corresponden al color blanco
o a la ausencia de color. Cuando se ha terminado de

tallar la imagen, se entinta la madera o la superficie a trabajar con un rodillo, que deposita
la tinta en toda la superficie, salvo en los huecos tallados con las gubias. La imagen se pasa
al papel utilizando una prensa.
Monograbado.

Es una técnica en la que solo se logra obtener una vez la imagen, existen distintas
modalidades entre las que se encuentran: impresión de huellas, impresiones de hojas y
diferentes materiales. Sus nombre proviene de la palabra mono que significa uno lo cual
nos da a entender que las imágenes aunque se realice con el mismo objeto nunca
obtendremos la imagen con la misma posición.

Con las manos

Con hojas de arboles.

Con doblador.

Mancha Simétrica

Esta Técnica que consiste en la mezcla de pinturas, tinta o cualquier pigmento soluble
sobre una superficie la cual debe de ser doblada a la mitad y luego se aplica pintura, tinta u
otro material luego se dobla la superficie a a mitad y queda plasmada la imagen simétrica ;
puede ser de un mismo color o de diferentes colores.
Serigrafía

Es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e

imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una gasa
tensada en un marco, el paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen,
quedando libre la zona donde pasará la tinta. Este proceso se puede repetir utilizando barias veces
las mismas plantias.

Deslizar pintura sobre molde y plantilla planchado para secar la pintura una vez aplicada

Resultado de serigrafia
4.3 LABORATORIO

Carboncillo.
Materiales a utilizarse:
Gotero, papel periódico, ramas de naranja, 4 piedras del tamaño del puño de la mano,
fósforo, un formato de papel construcción.

Pasos para la elaboración del carboncillo.

1- Se colocan las cuatro piedras en forma circular.
2- Se arrugan el papel periódico en forma de pelotas pequeñas.
3- Se colocan el papel periódico en el interior del circulo de piedra para formar una
fogata
4- Se deja quemar la rama de naranja y donde le salga como unos pelitos blancos se le
deja caer una gota de agua con el gotero para que no se deforme y que no nos
quede cenizas,

Comprobación.
Se elabora un dibujo a criterio del estudiante para verificar si funciona el material
elaborado por el mismo.
Tinta China.

Materiales a utilizarse:
Goma Arábiga, polvo de hollín se extra de las chimeneas, cartoncillo color blanco, picle
1,3, 6, para acuarelas.

Pasos para la elaboración de tinta china.

1- Se deja hervir la goma arábiga en agua para que se derrita.
2- Se extrae el polvo de hollín de la chimenea se tiene que colar para obtener el
polvo fino.
3- Teniendo los dos pasos en otro recipiente se revuelve le polvo en el liquido de la
goma arábiga y se obtiene la tinta china

Comprobación
La comprobación es mas que realizar un ejercicio se dibujo animados o un realismo.
Crayón de Cera.

Materiales a utilizarse:
Pigmento de color: Azul, Amarillo, Rojo, Cera, oxido de zinc, tubitos de cartulina.

Pasos para la elaboración del crayón de cera.

1- Se elabora 6 tubitos de cartulina de un tamaño de 8 centímetros.
2- Se coloca la cera en un recipiente y se calienta para que la cera se baya
derritiendo.
3- Se hecha el pigmento de los colores primarios se revuelven bien.
4- Se hecha la cera con pigmento en los tubitos y se deja para que se endurezca y
sucesivamente se hacen los demás crayones de los demás colores.
Se realiza un ejercicio para verificar si funciona el crayón de cera.
Temperas.

Materiales a utilizarse:
Pigmento, rojo, azul, amarillo, oxido de zinc, agua esterilizada, resistol.

Pasos para la elaboración de temperas.

1- Se mezcla el resistol u el agua de la misma cantidad.
2- Se revuelve bien el pigmento y se elabora los tres primeros colores primarios
como base.
3- Teniendo los tres colores como base podemos obtener los colores secundario,
terciarios, etc.
Pintamos un paisaje para la comprobación.
Tinta china a base de alcohol y polvo de hollín.

Materiales a usarse.
Alcohol, polvo de hollín, pincel para acuarelas,

Pasos para la elaboración de la tinta china.

Se mezcla el alcohol con el polvo de hollín.

Se elabora un paisaje para la comprobación.

Tinta china a base de alcohol y pigmento.

Materiales a utilizarse.

Alcohol, pigmento, pincel para acuarela.

Pasos para la elaboración de la tinta china.

1- Se mezcla el alcohol con el pigmento de color negro o azul, rojo, amarillo, etc.
Se emplea un rostro con la tinta china para la comprobación.
 4.1 Psicología

Psicología y las Artes Plásticas.

Psicología Artes Plásticas

Es el estudio científico de la Es el estudio científico de la

conducta y la experiencia, de cómo conducta y la experiencia, de cómo
los seres humanos y los animales los seres humanos y los animales
sienten, piensan, aprenden y sienten, piensan, aprenden y
conocen para adaptarse al medio conocen para adaptarse al medio
que les rodea. que les rodea.

*Aprendizaje social *expresa belleza

* aprendizaje vicario *libera sentimientos

*condicionamiento clasico *dar a conocer sentimientos

* condicionamiento operante.
* Habituaciòn
* Sensibilitaciòn

- Psicología del color

- La imaginación en la - Pintura
creación artìtica. - Arquitectura
- - Escultura

LA psicología en las Artes Plásticas nos sirven para en tender

el porque el artista dibuja elementos y la aplicación de los
colores que este utiliza al momento de crear su obra.
 4.2 Didáctica.

Didáctica y las Artes Plásticas

Didáctica Artes Plásticas

Es una disciplina que auxilia a la Es la expresión de los sentimientos a

pedagogía en la búsqueda de través de una amplia gama de
facilitar el aprendizaje materiales, formas, línea , color,
utilizando para ello , la pintura,
materiales maleables, metal, etc

-Propósitos *expresa belleza

-Contenidos *libera sentimientos
- Objetivos *dar a conocer sentimientos

-Didáctica tradicional -Pintura

-Didáctica tecnocrática -Escultura
-Didáctica crítica -Arquitectura
-Didáctica de educación holista

Los planes de un maestro de artes plásticas deben de tener ciertas características

entre las que destacan:
- contenidos innovadores.
- Realización de obras como pinturas y esculturas,
- Debe de tomar en cuenta la constante practica de diversos temas
- Proponer técnicas
- Etc.
 4.3 Pedagogía

Pedagogía de las Artes Plásticas

Pedagogía Artes Plásticas

Es la teoría de la enseñanza, ciencia de Es la expresión de los sentimientos a

la educación o didáctica experimental, través de una amplia gama de
y que actualmente estudia las materiales, formas, línea , color,
condiciones de recepción de los utilizando para ello , la pintura,
conocimientos materiales maleables, metal, etc

todos los derechos.

- como aprendemos *expresa belleza
- aprendizaje *libera sentimientos
- componentes del desarrollo *dar a conocer sentimientos

-Aprendizaje conceptual -Pintura

- Aprendizaje socio afectivo -Escultura
- Aprendizaje significativo -Arquitectura
- Aprendizaje reflexivo
- Aprendizaje teórico.
- Aprendizaje activo
- Aprendizaje pragmático
La pedagogía enseña al maestro de artes
plasticas a la forma adecuada de aplicar los
contenidos artísticos poara cada una de las etaps
en las que se puede impartir este curso, con el
objetivo de que la educación se a de una forma
más sencilla.
 4.4 Evaluación

Evaluación de las Artes Plásticas

Evaluación Artes Plásticas

Proceso mediante el cual el

Es la expresión de los sentimientos
profesor y los alumnos juzgan sise
a través de una amplia gama de
ha logrado los objetivos de
materiales, formas, línea , color,
enseñanza
utilizando para ello , la pintura,
materiales maleables, metal, etc.

*Es continua
*expresa belleza
*Es integral
*libera sentimientos
*Es sistematica.
*dar a conocer sentimientos

- Evaluación diagnóstica
- Evaluación formulativa - Pintura
- Evaluación sumativa - Arquitectura
- Escultura

La Evaluación de las Artes plásticas debe de realizarse de la

siguiente manera, una ves dada la teoría ver cuanto
conocimiento se obtuvo al momento de realizar la practica lo
cual en el curso de artes plásticas tendrá la mayor acreditación.
Ejemplo de evaluación de las Artes Plásticas.

Instituto por cooperativa ―Pedro Guzmán.‖Grado:______________________________________

Sección:_____________

Catedrático: Elías Mora.

Curso: Artes Plásticas Fecha:________________

Alumno:_____________________________________________

SEGUNDA UNIDAD

I serie

Instrucciones: a continuación se le darán a conocer una serie de preguntas a las cuales deberá responder de
la siguiente manera en el espacio de las paréntesis conteste si la pregunta es verdadera con una V y si es falsa
con una F el inciso 0. le servirá de ejemplo

Valor de la serie 5 puntos.

0. El color negro representa la ausencia absoluta del color (V)

1. El circulo cromático contiene los colores cálidos y fríos ( )

2. El color azul expresa alegría. ( )

3. El circulo cromático está formado por 12 colores. ( )

4. El color Blanco denota Claridad al momento de aplicarse. ( )

5. El rojo es el color complementario del verde ( )

6. Picasso fue el creador del circulo cromático ( )

7. La perspectiva del color nos indica que los objetos entre más ( )

cercanos se encuentren más obscuros se observan .

8. Los colores se han utilizado desde la prehistoria. ( )

9. La mezcla del color verde y rojo nos dan por resultado el color ( )

café.

10. El pop art es un arte que se utiliza en su para hacer publicidad ( )

II. Serie.

Instrucciones: en una hoja adicional realizar un circulo cromático con la utilización de un transportador.

En una hoja adicional realizar un dibujo libre el cual contenga 3 colores y sus respectivos colores
complementarios.

Valor de la serie: 25 puntos.

 ANEXOS

PERFIL DEL MAESTRO IDEAL DE ARTES PLÁSTICAS

1. Ejemplifique sus contenidos.

2. Seguridad del contenido impartido así como de él mismo.
3. Explique de manera simple.
4. Relación en planificación
5. Dominio de los temas y alumnos.
6. Fluidez verbal.
7. Buena expresión.
8. Buenas relaciones humanas.
9. Creativo.
10. Regulación de tareas.
11. Legal.
 CONCLUSIONES

Las Artes Plásticas es una forma libre y amplia con la cual una persona (el artista), puede
expresarse y transmitir ideas y sentimientos.
Existen diversas técnicas y materiales que pueden utilizarse en Pintura, Dibujo y Escultura.
El Arte permite desarrollar en los alumnos habilidades y destrezas en las cuales, existe una
libre expresión de sentimientos e ideas.

El arte permite y facilita el desarrollo de ideas en cuanto a la pintura y el dibujo.

 DEDICATORIA

Este temario es dedicado a:

 Dios, por todas las bendiciones derramadas a cada uno de nosotros. Por el don del
arte que puso en nuestra mente y corazón.

 Cada una de las personas de muestras familias, por el apoyo moral y económico
incondicional brindado durante nuestra formación profesional.

 Nuestra querida E.S.F.A.Q, por ser la cuna de nuestra formación artística y

brindarnos cada conocimiento necesario para ser profesionales.

 Cada maestro que compartió sus sabias enseñanzas con nosotros..

 Nuestros compañeros de la promoción 2006-2008, por el apoyo y cariño brindado

durante esta etapa.

 Todas aquellas personas que de una o otra forma nos apoyaron y nos dieron la
oportunidad de demostrar nuestro talento tanto como docentes y como artistas.